Like a Prayer

« Like a Prayer » es una canción de la cantante estadounidense Madonna de su cuarto álbum de estudio de 1989 del mismo nombre . Fue lanzada como el sencillo principal del álbum el 3 de marzo de 1989 por Sire Records . Escrita y producida tanto por Madonna como por Patrick Leonard , la canción presagiaba un enfoque artístico y personal a la composición de canciones para Madonna, quien creía que necesitaba atender más a su público adulto . Temáticamente, la canción habla de una joven apasionada enamorada de Dios , que se convierte en la única figura masculina en su vida.

«Like a Prayer» es una canción de pop rock y gospel que también incorpora elementos de funk . Cuenta con coros y también una guitarra rock . La letra contiene palabras litúrgicas , pero algunas personas han interpretado que tienen un doble significado de insinuación sexual y religión . «Like a Prayer» fue aclamada por los críticos musicales tras su lanzamiento y fue un éxito comercial mundial, convirtiéndose en el séptimo éxito número uno de Madonna en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos , encabezando el Hot 100 durante tres semanas consecutivas y también encabezando las listas en muchos otros países, incluidos Australia, Brasil, Canadá, Italia, México, Nueva Zelanda, España y el Reino Unido. La revista Rolling Stone incluyó a «Like a Prayer» entre « Las 500 mejores canciones de todos los tiempos ».

El video musical que acompaña a "Like a Prayer", dirigido por Mary Lambert , muestra a Madonna presenciando el asesinato de una mujer blanca por parte de un grupo de hombres blancos. Mientras un hombre negro es arrestado por el crimen, Madonna se esconde en una iglesia para estar a salvo, buscando fuerzas para salir como testigo. El video muestra una iglesia y símbolos católicos como estigmas . También presenta cruces en llamas del Ku Klux Klan y una secuencia de sueños sobre besar a un santo negro. El Vaticano condenó el video, mientras que grupos familiares y religiosos protestaron contra su transmisión. Boicotearon productos del fabricante de refrescos Pepsi , que había usado la canción en su comercial. Pepsi canceló su contrato de patrocinio con Madonna, pero le permitió conservar los $5 millones de dólares.

"Like a Prayer" ha aparecido en seis giras de conciertos de Madonna , la más reciente en el Celebration Tour . La canción ha sido versionada por numerosos artistas. Junto con el álbum original, "Like a Prayer" fue un punto de inflexión en la carrera de Madonna, y los críticos comenzaron a reconocerla como artista en lugar de una simple estrella del pop . "Like a Prayer" se incluyó en los álbumes recopilatorios de grandes éxitos de Madonna The Immaculate Collection (1990), Celebration (2009) y Finally Enough Love: 50 Number Ones (2022).

Antecedentes e inspiración
Madonna no había grabado ninguna canción durante la mayor parte de 1988. Tras el fracaso crítico y comercial de dos películas de gran presupuesto consecutivas, Shanghai Surprise (1986) y Who's That Girl (1987), actuó en la producción de Broadway de Speed-the-Plow . Sin embargo, las críticas desfavorables una vez más le causaron malestar. Su matrimonio con Sean Penn terminó, lo que llevó a la pareja a solicitar el divorcio en enero de 1989. Madonna también había cumplido 30 años, la edad a la que había muerto su madre, y por lo tanto la cantante experimentó más agitación emocional. Madonna comentó en la edición de marzo de 1989 de Rolling Stone que su educación católica le provocó un sentimiento de culpa todo el tiempo:

"Una vez que eres católico, lo eres para siempre, en lo que se refiere a tus sentimientos de culpa y remordimiento y a si has pecado o no. A veces me atormenta la culpa cuando no debería, y eso, para mí, es un remanente de mi educación católica. Porque en el catolicismo naces pecador y eres pecador toda tu vida. No importa cómo intentes escapar de él, el pecado está dentro de ti todo el tiempo".

Madonna también comprendió que, a medida que ella crecía, también lo hacía su público principal. Sintiendo la necesidad de intentar algo diferente, quería que el sonido de su nuevo álbum dictara lo que podría ser popular en el mundo de la música. Madonna tenía ciertos asuntos personales en mente que pensaba que podrían ser la dirección musical del álbum. Para la canción principal, la cantante eligió temas que hasta entonces habían sido meditaciones personales que nunca se compartían con el público en general. Examinó sus diarios y revistas personales y comenzó a considerar opciones. Madonna recordó: "¿Qué era lo que quería decir? Quería que el álbum hablara de las cosas que tenía en mente. Fue un momento complejo en mi vida".

Desarrollo
Mientras Madonna consideraba sus alternativas, Patrick Leonard y Stephen Bray estaban experimentando con temas instrumentales e ideas musicales para que ella las considerara. Ambos productores querían aportar su estilo único al proyecto y compusieron música para la canción principal. Finalmente, Madonna sintió que la música que le presentó Leonard era más interesante y comenzó a trabajar con él. Una vez que Madonna hubo conceptualizado la forma en que intercalaría sus ideas con la música, escribió "Like a Prayer" en aproximadamente tres horas, y se convirtió en la primera canción desarrollada para el disco. Madonna ha descrito "Like a Prayer" como la canción de una joven apasionada "tan enamorada de Dios que es casi como si Él fuera la figura masculina en su vida".

La inspiración adicional de Madonna para la canción vino de la creencia católica de la transubstanciación. Introdujo palabras litúrgicas en la canción, pero cambió el contexto para que la letra tuviera un doble significado. Además de las letras pop superficiales sobre la sexualidad y la religión en la superficie, "Like a Prayer" contenía un significado secundario subyacente para provocar la reacción de sus oyentes. Leonard explicó que no se sentía cómodo con la letra y las insinuaciones sexuales presentes en ella. Dio el ejemplo del primer verso de "Like a Prayer" que dice "Cuando llamas mi nombre, es como una pequeña oración, estoy de rodillas, quiero llevarte allí". Leonard vio que esto también podría referirse a alguien que realiza una felación ; horrorizado, le pidió a Madonna que cambiara la línea, pero ella se mantuvo firme en mantenerla.

Grabación
Madonna quería tener música gospel como parte de "Like a Prayer", prácticamente sin instrumentación, solo el sonido de un órgano y su canto. Comenzó a experimentar usando solo su voz, antes de que se compusiera el puente. Después de que la canción completa estuvo finalizada, Madonna y Leonard decidieron grabarla junto con un coro alrededor de septiembre de 1988. Ambos se reunieron con Andraé Crouch y el vocalista Roberto Noriega, y contrataron a su coro para proporcionar coros . Crouch examinó la letra porque quería "averiguar cuál podría ser la intención de la canción. Somos muy particulares al elegir con qué trabajamos, y nos gustó lo que escuchamos". En Jonny Yuma Recording, reunió a su coro y les explicó lo que tenían que hacer durante la sesión de grabación . Había escuchado la demo de "Like a Prayer" en su automóvil y dirigió al coro en consecuencia. El coro se grabó por separado y Leonard quería que se agregara durante la posproducción.

La grabación tomó más tiempo de lo habitual ya que Madonna y Leonard se pelearon "con uñas y dientes" en el estudio . Según Lucy O'Brien , Madonna quería demostrar que su segunda oportunidad como productora discográfica (después de su álbum anterior True Blue ) no fue una casualidad. Leonard comenzó a trabajar en los cambios de acordes para las estrofas y el estribillo. Había contratado al guitarrista Bruce Gaitsch y al bajista Guy Pratt para trabajar en la canción. Pratt a su vez había contratado a algunos bateristas adicionales .  El día de la grabación, los bateristas cancelaron, lo que irritó a Madonna, y ella comenzó a gritar y maldecir profusamente a Leonard y Pratt. Pratt luego contrató al inglés Chester Kamen , junto con los estadounidenses David Williams y Dann Huff . Comentó que la elección fue deliberada ya que era fanático de la música rock británica , y quería ese tipo de actitud y peculiaridad de los músicos en "Like a Prayer", así como las otras canciones del disco. Pratt no fue despedido, pero después se dio cuenta de que Madonna no lo perdonaba; ella lo llamaba tarde por la noche para pedirle su opinión y le pedía urgentemente que fuera al estudio de grabación, solo para ser despedida.

Madonna tenía su propia opinión sobre cómo debían tocarse los diferentes instrumentos musicales para lograr el sonido que imaginaba. Pratt recordó que después de grabar el coro central , notificó a los músicos algunos cambios en la producción. "Jonathan, haz menos hi -hat en el octavo intermedio y más relleno hacia el final. Chico, quiero semibreves al final y Chester, trae tu guitarra en el segundo verso", instruyó. El equipo revisó las instrucciones una vez más e hizo una grabación final con voces y otra con cuerdas . Gaitsch escuchó a Madonna decirle a Leonard que no se harían más grabaciones para la canción. Leonard luego le dio la grabación a Bill Bottrell para el proceso de mezcla. Pero el productor sintió que los bongos y la percusión latina sonarían realmente desparejos si se agregaba el coro de Crouch, por lo que los eliminó. Para la introducción, Leonard utilizó algunas grabaciones de guitarra de Prince , a quien Madonna le había pedido que contribuyera a la canción. Recordó en 2014 que no se utilizó ninguna otra música de Prince en el lanzamiento, pero algunos efectos alrededor de los coros podrían haber sido suyos. Shep Pettibone y Bill Bottrell remezclaron las versiones de 12 pulgadas de la canción.

Composición y letra
«Like a Prayer» es una canción de pop rock y gospel que también incorpora elementos de funk. Según la partitura publicada en Musicnotes.com, la canción sigue un compás de tiempo común, y está compuesta en la tonalidad de re menor , con un tempo moderado de 120 pulsaciones por minuto. El rango vocal de Madonna va desde las notas de la 3 a la 5. «Like a Prayer» comienza con una progresión de acordes Dm–C/D–Gm/D–Dm en la introducción. La versión original del álbum presenta un bajo de Guy Pratt doblado por un sintetizador de bajos Minimoog analógico , mientras que la versión de edición de 7 pulgadas tiene una parte de bajo diferente tocada por Randy Jackson . «Like a Prayer» también fue remezclada por Shep Pettibone para el lanzamiento del sencillo de 12 pulgadas ; Una versión reeditada del remix de Pettibone aparece en el primer álbum de grandes éxitos de Madonna , The Immaculate Collection (1990).

La canción comienza con el sonido de una guitarra de rock pesado que se corta repentinamente después de unos segundos, y se reemplaza con el coro y el sonido de un órgano . Madonna canta las líneas iniciales acompañadas de una percusión ligera , mientras los tambores comienzan durante el primer verso. La percusión y el sonido del coro se agregan indistintamente entre los versos y el puente , hasta el segundo estribillo. En este punto, las guitarras comienzan a parpadear de izquierda a derecha, acompañadas de una línea de bajo. Rikky Rooksby, autor de The Complete Guide to the Music of Madonna , comentó que "Like a Prayer" era la canción más compleja que Madonna había intentado hasta ese momento. Creía que la complejidad aumenta más después del segundo estribillo, cuando el coro apoya completamente la voz de Madonna y ella vuelve a pronunciar las líneas iniciales, pero esta vez acompañada de un sintetizador y ritmos de batería. Mientras canta "Just like a prayer, Your voice can take me there, Just like a muse to me, You are a mystery", una voz con influencias del R&B acompaña a Madonna. La canción termina con una repetición final del coro y el coro se va apagando gradualmente .

J. Randy Taraborrelli señaló en su libro Madonna: An Intimate Biography que la letra de la canción consiste en "una serie de anomalías que hacen que uno se desespere". Con la inclusión de dobles sentidos en la letra por parte de Madonna , "Like a Prayer" le sonó religiosa pero tiene un matiz de tensión sexual. Esto se demostró con el uso de un coro gospel, cuya voz realza la naturaleza espiritual de la canción, mientras que el sonido de la guitarra rock la mantiene oscura y misteriosa. Para Lucy O'Brien , la letra describe a Madonna recibiendo una vocación de Dios. Ciertas partes de la letra también aluden a Sean Penn y su matrimonio fallido. Según Priya Elan de NME , la línea "Just like a muse to me, You are a mystery" fue un ejemplo de esto, acorde con la descripción de un amante inalcanzable. Esto también fue evidente en la obra de arte del sencillo de 12 pulgadas, pintada por su hermano, Christopher Ciccone . Muestra las letras "MLVC", que representan el nombre completo de Madonna, Madonna Louise Veronica Ciccone, con una letra "P" prominente por Penn, separada del grupo.

Recepción crítica
Tras el lanzamiento de "Like a Prayer" el 3 de marzo de 1989, recibió una amplia aclamación de críticos, periodistas y académicos. J. Randy Taraborrelli comentó que la canción "merecía cada pizca de la curiosidad que generó. Si bien es endiabladamente bailable, la canción también muestra la extraña capacidad de Madonna para inspirar emociones fuertes y conflictivas durante el transcurso de una sola canción, dejando al oyente rascándose la cabeza en busca de respuestas y ansiando más". Stephen Holden de The New York Times , mientras escribía sobre la reinvención de la imagen de Madonna, observó cómo su sonido había cambiado del "simple dance-pop estridente al pop rico y completamente redondo de 'Like a Prayer ' ". Lucy O'Brien sintió que el aspecto más notable de "Like a Prayer" era el uso de palabras litúrgicas por parte de Madonna . “Existe un significado superficial, que forja la sexualidad con letras pop que suenan tan dulces. Pero subyacente a eso hay una meditación rigurosa sobre la oración. En pocas palabras, ‘Like a Prayer’ realmente te lleva allí”, concluyó O’Brien. Esta opinión fue compartida por Mary Cross, quien escribió en su biografía de Madonna que “la canción es una mezcla de lo sagrado y lo profano. Ahí radica el triunfo de Madonna con ‘Like a Prayer’. Todavía suena pegadiza y bailable”.

Desde el mundo académico, las críticas positivas vinieron de Michael Campbell, autor de Popular Music in America: And the Beat Goes On , quien sintió que la melodía relajante de la canción se asemeja al sencillo de Steve Winwood de 1986 " Higher Love ". Campbell destacó la canción por fusionar características musicales dispares y contradictorias en ella. Encontró que la melodía simple de "Like a Prayer" ofrecía una escucha fácil , pero los contrastes en sonido, ritmo y textura atrajeron a diferentes audiencias objetivo. Toby Creswell escribió en su libro 1001 Songs que "'Like a Prayer' es una canción devocional bellamente elaborada bajo la apariencia de pop perfecto. Dios es la caja de ritmos aquí". Georges Claude Guilbert , autor de Madonna as Postmodern Myth: How One Star's Self-Construction Rewrites Sex, Gender, Hollywood and the American Dream , señaló que hay una polisemia en "Like a Prayer", ya que Madonna se dirige a Dios o a su amante, y al hacerlo "Madonna logra la tarjeta de oro de alcanzar su propia divinidad. Siempre que alguien la llama por su nombre, alude a la canción". Andrew Greeley comparó "Like a Prayer" con el Cantar de los Cantares bíblico . Greeley, aunque se centró más en el video musical que lo acompaña , reconoció el hecho de que la pasión sexual puede ser reveladora y elogió a Madonna por glorificar las ideologías de la subjetividad femenina y la feminidad en la canción.

También hubo críticas positivas de los críticos de música contemporánea . Stephen Thomas Erlewine de AllMusic calificó la canción de "inquietante" y sintió que mostraba un sentido dominante de la habilidad musical de Madonna. Según Gavin Edwards de Rolling Stone , sonaba gloriosa y "es la canción más transgresora y más irresistible" de la carrera de Madonna. Jim Farber de Entertainment Weekly comentó que la " pista principal con infusión de gospel demuestra que la escritura y la interpretación [de la cantante] se habían elevado a nuevas alturas celestiales". En una reseña del primer álbum de grandes éxitos de Madonna , The Immaculate Collection (1990), David Browne de la misma publicación escribió sobre la composición, que sintió que "añadía conmoción a sus letras espirituales". También de Entertainment Weekly , Chuck Arnold escribió que "desde el momento en que Madonna canta sobre ese órgano solemne y los tonos apagados de un coro , 'Like a Prayer' pasa a lograr una trascendencia espiritual que hace de este su single supremo equilibrando lo sagrado y lo secular con un efecto extático , todo te lleva allí una y otra vez". Sal Cinquemani de Slant Magazine quedó impresionado con la producción de la canción, elogiando su reverencia "eclesiástica" y los sentimientos religiosos. Escribiendo para Billboard , Katie Atkinson la clasificó como la segunda mejor canción de Madonna: "Una de las principales razones por las que la letra funciona tan bien es que podría estar cantando sobre una relación monógama, una poderosa conexión sexual, un ser querido platónico o incluso Dios mismo. La vida puede ser un misterio, pero la maestría de esta canción es irrefutable".

Rendimiento comercial
En los Estados Unidos, «Like a Prayer» debutó en el puesto número 38 del Billboard Hot 100 , y alcanzó la cima de la lista en la edición del 22 de abril de 1989. Se mantuvo en la cima durante tres semanas, antes de ser reemplazada por « I'll Be There for You » de Bon Jovi. También encabezó la lista Dance Club Songs, mientras alcanzaba el puesto número tres en la lista Adult Contemporary y el número 20 en la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs. «Like a Prayer» se ubicó en el puesto número 25 en la lista Hot 100 Year-End de 1989, y fue certificada Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) en mayo de 1989, por el envío de un millón de copias. Según Nielsen SoundScan , la canción también ha vendido 1,1 millones de descargas digitales hasta diciembre de 2016. En Canadá, «Like a Prayer» alcanzó la cima de la lista RPM Top Singles en su novena semana. Estuvo presente en la lista durante 16 semanas y se clasificó como el sencillo más vendido de 1989.

En Australia, «Like a Prayer» debutó en el ARIA Singles Chart en el puesto número tres el 19 de marzo de 1989. La semana siguiente alcanzó la cima de la lista y permaneció allí durante otras cuatro semanas. El sencillo estuvo presente durante un total de 22 semanas en la lista y fue certificado Platino por la Asociación Australiana de la Industria Discográfica (ARIA), por el envío de 70.000 copias. También fue el sencillo más vendido de 1989 en Australia. En Nueva Zelanda, «Like a Prayer» tuvo una carrera similar a la de Australia, debutando en el puesto número tres en el RIANZ Singles Chart y alcanzando la cima de la lista la semana siguiente. El sencillo estuvo presente durante un total de 13 semanas en la lista. Se convirtió en el séptimo éxito número uno de Madonna en Japón y ocupó la primera posición del Oricon Singles Chart durante tres semanas.

continuación .... Like a Prayer

En 2003, mientras hacía una serie de breves presentaciones promocionales para su noveno álbum de estudio American Life , Madonna interpretó una versión acústica de «Like a Prayer», con la parte del coro de la canción reemplazada por sonidos de guitarra. La canción también se incluyó en la lista de canciones del Re-Invention World Tour de 2004. Se pidió a los miembros de la audiencia que cantaran junto con ella, completando la parte del coro. Madonna estaba vestida con un traje negro de Stella McCartney mientras que la vocalista de respaldo Siedah Garrett cantó las voces durante los versos intermedios; los fondos mostraban una serie de letras hebreas, que indicaban los 72 nombres de Dios. Jim Farber de la revista New York elogió la voz de Madonna durante la canción. La interpretación se incluyó en el álbum en vivo de 2006 de la gira, titulado I'm Going to Tell You a Secret. Madonna cantó una versión similar de la canción durante el concierto benéfico Live 8 en Hyde Park, Londres, en julio de 2005. La interpretó junto a Birhan Woldu , una mujer etíope que, cuando era una niña desnutrida, había aparecido en algunas de las imágenes de la hambruna de 1984-1985 en Etiopía .

Una versión bailable de la canción, mezclada con fragmentos de la pista de baile «Feels Like Home» de Meck , se interpretó en el Sticky & Sweet Tour 2008-09 como parte del segmento rave. Para la actuación, Madonna apareció con un peto y una peluca corta. Bailó enérgicamente por todo el escenario mientras la cantante de apoyo Nicki Richards proporcionaba su voz durante el solo intermedio. Las pantallas mostraban un mensaje de igualdad de religiones, mientras símbolos y textos de diferentes escrituras pasaban rápidamente, incluidos mensajes de la Biblia , el Corán , la Torá y el Talmud. Helen Brown de The Daily Telegraph declaró la actuación como uno de los momentos más destacados de la gira, mientras que Joey Guerra de Houston Chronicle comparó a Madonna subiendo a una plataforma con la de un superhéroe. La interpretación fue incluida tanto en el CD como en el DVD del lanzamiento en vivo de la gira, titulada Sticky & Sweet Tour, filmada en Buenos Aires , Argentina, del 4 al 7 de diciembre de 2008. En enero de 2010, Madonna interpretó una versión acústica de la canción en vivo durante el teletón Hope For Haiti . Jon Caramanica de The New York Times comentó: "Durante 20 años, esa canción ha sido el símbolo de uno de los períodos más tumultuosos y controvertidos en la vida de Madonna. Pero durante cinco minutos esta noche, fue pura, puesta al servicio de algo más grande que la cantante".

La canción apareció luego en la lista de canciones del espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLVI de Madonna en 2012, como canción de cierre. Acompañada por un coro y la cantante CeeLo Green , vestía una túnica negra y cantaba la canción mientras el estadio estaba iluminado con luz blanca. También se agregó a la lista de canciones del MDNA Tour el mismo año. Interpretada en una enérgica versión gospel, Madonna y treinta y seis de sus coristas interpretaron el papel de un coro y vestían túnicas largas, mientras que imágenes de una iglesia gótica y letras hebreas aparecían en los fondos. Jim Harrington de The Oakland Tribune le dio al concierto en general una crítica negativa, pero declaró que "no fue hasta las dos últimas canciones, "Like a Prayer" y " Celebration ", que todo finalmente encajó". Timothy Finn de The Kansas City Star quedó particularmente impresionado con el coro de acompañamiento, llamándolo "el mejor uso de uno desde ' I Want to Know What Love Is ' de Foreigner ". La interpretación de la canción en los shows del 19 y 20 de noviembre de 2012 en Miami , en el American Airlines Arena , se grabó y lanzó en el cuarto álbum en vivo de Madonna, MDNA World Tour .

El 27 de octubre de 2015, durante la parada de Inglewood de su Rebel Heart Tour , Madonna cantó una versión acústica de «Like a Prayer», pidiendo a la multitud que cantara junto con ella. También interpretó la canción durante su concierto en Estocolmo , Suecia , el 14 de noviembre de 2015, dedicándola a las víctimas de los ataques terroristas de París . Posteriormente, la cantante interpretó la canción en otras ciudades durante las etapas asiáticas y oceánicas de la gira; una de las actuaciones en Sídney se incluyó como pista adicional en el quinto álbum en vivo de Madonna, Rebel Heart Tour . Madonna interpretó la canción a continuación durante un concierto improvisado en Washington Square Park en noviembre de 2016, como parte de la campaña presidencial de Hillary Clinton. El 7 de mayo de 2018, apareció en la Gala del Met e interpretó la canción en la gran escalera del Museo Metropolitano de Arte . Vestida con una capa, estaba rodeada de cantantes de fondo que actuaban como monjes y de campanas de iglesia que sonaban.

En mayo de 2019, Madonna interpretó «Like a Prayer» y « Future », una colaboración con el rapero Quavo de su decimocuarto álbum de estudio Madame X , en Tel Aviv, Israel, durante la final del Festival de la Canción de Eurovisión 2019. La cantante se paró sobre un escenario alto con escaleras rodeada de bailarines encapuchados con trajes de monje, y vestía un atuendo que consistía en un braguero plateado con tirantes colgantes, botas hasta el muslo, un corsé metálico, una capa negra y un parche en el ojo con joyas negras.  Recibió críticas mixtas, con muchas críticas dirigidas a la voz de la cantante; la locutora holandesa Emma Wortelboer bromeó diciendo que estaba «agradecida por el autotune de Madonna» durante el segmento de resultados de la competencia. Un día después, se subió un video de la actuación a la cuenta oficial de YouTube de la cantante , esta vez se editó su voz. Para el Madame X Tour , la interpretó de manera "sencilla", con acompañamiento de percusión y un coro. Para Peter Piatkowski de PopMatters , la naturaleza "despojada" del arreglo resaltó la composición y la estructura de la canción. En octubre de 2021, mientras promocionaba el documental Madame X , Madonna hizo una actuación sorpresa en Harlem cantando " Dark Ballet ", " Sodade " y " La Isla Bonita " en The Red Rooster, y luego caminó por las calles cantando "Like a Prayer" frente a la Iglesia Episcopal de San Andrés .

Versiones de portada
Una de las primeras versiones de la canción fue una versión acústica hecha por el cantautor folk John Wesley Harding , para su EP de 1989 God Made Me Do It: The Christmas . Los álbumes recopilatorios de 1999 y 2000, Virgin Voices : A Tribute To Madonna, Vol. 1 y Vol. 2 , incluyeron una versión de la canción de la cantante Loleatta Holloway y la banda de electro-industrial Bigod 20 , respectivamente. Otra versión fue grabada en 2002 por el grupo de Hi-NRG / Eurodance Mad'House , y fue incluida en su álbum Absolutely Mad . Fue lanzado como sencillo y fue un éxito comercial, alcanzando la cima de las listas en Austria, Alemania, Irlanda y los Países Bajos, el top ten en Bélgica (regiones de Flandes y Valonia), Francia, Suiza y el Reino Unido, y el top veinte en Dinamarca y Suecia. En la lista Billboard European Hot 100 Singles, alcanzó el puesto número dos. Una versión de música folk de la canción de Lavender Diamond se incluyó en la compilación tributo a Madonna de 2007 Through the Wilderness .

«Like a Prayer» apareció en un episodio de la serie de televisión estadounidense Glee , llamado « The Power of Madonna ». Fue cantada al final del episodio por el coro ficticio New Directions, interpretado por los miembros del elenco de Glee . La canción fue lanzada como descarga digital en iTunes Store , y también se incluyó en el EP de la banda sonora, Glee: The Music, The Power of Madonna. La versión alcanzó el puesto número 28 en Australia, el número 27 en Canadá, el número dos en Irlanda y el número 16 en el Reino Unido. En los Estados Unidos, la canción alcanzó el puesto número 27 en el Billboard Hot 100, mientras que debutó y alcanzó su punto máximo en la lista Hot Digital Songs en el número diez, con ventas de 87.000 copias.

Los DJ Meck y Dino crearon un mashup del sencillo de 2007 del primero, "Feels Like Home", con "Like a Prayer" y lo lanzaron con el nombre de "Feels Like a Prayer". La canción alcanzó el top ten en Bélgica (región de Flandes) y los Países Bajos, mientras que alcanzó el puesto número 15 en Bélgica (región de Valonia). En los Estados Unidos, "Feels Like a Prayer" alcanzó el número siete en la lista Hot Dance Club Songs . We Are the Fallen , una banda estadounidense de metal gótico, hizo una versión de "Like a Prayer" en vivo en 2008. Nick Duerden de Spin elogió la actuación y la pista por estar "pulverizada con tanto éxito que uno se preguntaba si no fue escrita específicamente para convertirse en el himno de rock pesado más grande del mundo". En junio de 2017, Leonard lanzó una versión de balada de piano de la pista, con la voz de la cantante Dana Williams . En el mismo mes, la cantante brasileña Luiza Possi versionó «Like a Prayer» durante el espectáculo Domingão do Faustão , en una actuación similar a la de Blond Ambition World Tour. Más tarde la cantó durante el bis de un espectáculo en homenaje a Michael Jackson , que tuvo lugar en julio.

Legado e impacto cultural
«Like a Prayer» es considerada una de las mejores canciones de la carrera de Madonna. Ocupó el sexto lugar en la lista de la revista Blender de «Las 500 mejores canciones desde que naciste», mientras que en 2004 la revista Rolling Stone la incluyó en su lista de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos , en el puesto número 300 (cuando la revista actualizó la lista en 2010, la canción cayó al puesto número 306). Para la lista de «Las mejores canciones pop de la historia» de NME en 2011, la canción se ubicó en el puesto número tres. Priya Elan de la publicación la señaló como la «tarjeta de presentación» de Madonna, otorgándole a la cantante un estatus de «legendaria». En 2003, la revista Q pidió a los fanáticos de Madonna que votaran por sus «20 mejores sencillos de Madonna de todos los tiempos» . «Like a Prayer» obtuvo el puesto número uno en la lista. También fue catalogada por The Guardian y Entertainment Weekly como el mejor sencillo de Madonna. Rolling Stone y Billboard también clasificaron la canción en el puesto número uno en sus listas de las mejores canciones de Madonna. En 2014, LA Weekly colocó la canción en el puesto dos en su lista de "Las 20 mejores canciones pop de la historia por artistas femeninas". Art Tavana de la publicación opinó que "'Like a Prayer' fue el momento en el que Madonna pasó de ser la voz de los adolescentes estadounidenses a la suma sacerdotisa mundial del pop". En su ranking de las mejores canciones de la década de 1980, Pitchfork incluyó a "Like a Prayer" en el puesto número 50. En 2021, Rolling Stone incluyó a "Like a Prayer" como una de las "500 mejores canciones de todos los tiempos", en el puesto número 55. En 2023, celebrando el 65 aniversario del Billboard Hot 100, la revista colocó a "Like a Prayer" como la sexta mejor canción pop que apareció en la lista desde 1958.

Campbell señaló que la popularidad y el caos mediático en torno a la canción y el video ayudaron a introducir el concepto de publicidad gratuita. El impacto de "Like a Prayer" fue más evidente en su álbum de estudio original, que se disparó a la cima de las listas una vez que se lanzó en abril de 1989. El autor argumentó además que el controvertido clip era evidencia del surgimiento del "producto del video como una entidad diferente de la canción que lo generó". Como explicó la autora Judith Marcus en su libro Surviving the Twentieth Century , Madonna usó a la iglesia para hacer su propio punto de vista sobre la victimización. Para Marcus, el impacto principal residió en el hecho de que el clip en última instancia retrataba un mensaje de empoderamiento, cuestionando y "atacando" el prejuicio masculino de la Iglesia y la continua subyugación femenina a lo largo de la historia.

Campbell destacó la canción por la mezcla de coro y órgano, lo que según él allanó el camino para que la música gospel fuera más convencional que antes. En 1999, la Escuela de Música, Teatro y Danza de la Universidad de Michigan realizó un seminario sobre las diferentes implicaciones y metáforas presentes en la canción; estuvo dirigido por los profesores Martin Katz , George Shirley y Michael Daugherty . El tema principal discutido fue el hecho de que puede haber diferentes significados metafóricos de la canción, ya que la palabra "like" puede tomarse en contextos separados.

Taraborrelli comentó que "al final, los acontecimientos que rodearon a 'Like a Prayer' sólo sirvieron para mejorar la reputación de Madonna como una empresaria astuta, alguien que sabe cómo vender un concepto". Antes del acuerdo de Madonna con Pepsi, las estrellas del pop en general no tenían mucha libertad artística por parte de los patrocinadores. Sin embargo, Madonna se aseguró de que el comercial fuera dictado por ella. Si bien dijo que nunca fue su intención que Pepsi se enredara en la controversia del video musical, Taraborrelli también observó que Madonna se mantuvo fiel a sí misma. Aunque el comercial tenía la intención de promocionar Pepsi, la gaseosa , no se molestó en sostener ni siquiera una lata del producto, lo que llevó al autor a comentar que "Madonna, la estrella del pop, lo haría a su manera, sin importar lo que Madonna, la empresaria, hubiera acordado hacer". Ella mantuvo todo el tiempo que el comercial de Pepsi y el video musical eran dos productos diferentes y que tenía razón en mantenerse firme.

Según Screen Rant , «Like a Prayer» es una de las canciones de Madonna más utilizadas en películas y televisión. En 2024, la canción apareció en el tráiler de la película Deadpool & Wolverine de Marvel Cinematic Universe . Felipe Rangel de Screen Rant calificó la canción como una «excelente elección» para el tráiler.

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Vídeo musical

Desarrollo
El video musical fue dirigido por David Fincher y filmado en abril de 1989, en Culver Studios en Culver City, California. Fue producido por Gregg Fienberg, bajo Propaganda Films , con edición de Scott Chestnut, fotografía principal de Mark Plummer y Vance Lorenzini como diseñador de producción . El video musical de "Express Yourself" se inspiró en la película clásica de Fritz Lang Metrópolis (1927), y presentó un epígrafe al final del video de la película: "Sin el corazón, no puede haber entendimiento entre la mano y la mente". Existen dos versiones del video que utilizan los remixes de Shep Pettibone ; uno usando el Local Mix y 7" Remix y el otro usando el Local Mix y Remix/Edit de la canción. Tuvo un presupuesto total de $5 millones ($12.29 millones en dólares de 2023 ), lo que lo convirtió en el video musical más caro de la historia en el momento en que se hizo, y actualmente el tercero más caro de todos los tiempos. "Express Yourself" tuvo su estreno mundial el 17 de mayo de 1989 en MTV y fue una exclusiva de MTV durante tres semanas, siendo transmitida cada hora en el canal de música. El concepto del video era retratar a Madonna como una dama glamorosa y masoquista encadenada, con hombres musculosos actuando como sus trabajadores. Al final, elige a uno de ellos, interpretado por el modelo Cameron Alborzian , como su cita. Cuando Fincher le explicó este concepto a Madonna, ella se sintió intrigada y decidió retratar una personalidad masculina.  Ella estaba saliendo con el actor Warren Beatty en ese momento. Beatty se negó cortésmente y dijo más tarde que "Madonna quería el video como una muestra de su destreza sexual, yo nunca quise ser parte de eso". Luego pensó en Metrópolis y en sus escenas que mostraban a trabajadores de fábricas y una ciudad con altos rascacielos. A Fincher le gustó el concepto y se convirtió en el telón de fondo principal del video. En Madonna 'Talking': Madonna in Her Own Words , comentó sobre el desarrollo del video.

En esta película tuve la mayor participación. Supervisé todo: la construcción de los decorados, el vestuario de todos, tuve reuniones con los maquilladores, los peluqueros y el director de fotografía, todo el mundo. El casting, encontrar al gato adecuado... todos los aspectos. Fue como hacer una pequeña película. Básicamente nos sentamos y lanzamos todas las ideas que pudimos concebir y todas las cosas que queríamos. Todas las imágenes que queríamos... y yo tenía algunas ideas para los decorados, por ejemplo, el gato y la idea de Metrópolis ... Definitivamente quería tener esa influencia, esa apariencia en todos los hombres, los trabajadores, trabajando diligentemente, metódicamente.

Madonna mencionó en broma en una entrevista de la BBC Televisión en 1990 en el programa Ómnibus que el tema principal del video y la metáfora del gato representaban que "el coño gobierna el mundo". Agregó que la idea del gato lamiendo la leche y luego vertiéndola sobre él fue del director. "Es genial, pero créanme que luché con él por eso. No quería hacerlo. Pensé que era demasiado exagerado y tonto y un poco cliché, el tipo de truco de un estudiante de arte o de un estudiante de cine. Me alegro de haber cedido ante él".

Sinopsis
El vídeo comienza con la imagen de una ciudad poblada de rascacielos, entremezclando vías de tren y aviones. Sale vapor de las chimeneas de una fábrica mientras se muestran grandes máquinas. Madonna, vestida con lencería negra, aparece sobre la espalda de una estatua de un fénix que simboliza el renacimiento y pronuncia la frase: "Vamos chicas, ¿creéis en el amor?". A esto le sigue el estribillo, que muestra el interior de la fábrica donde los trabajadores trabajan como esclavos en las máquinas, mientras la lluvia cae incesantemente sobre ellos. En medio del ambiente lleno de humo, se muestra el torso cincelado de los trabajadores masculinos, mientras se quitan las camisas, con agua salpicando por todas partes. A continuación, se muestra a Madonna con un vestido verde claro, sosteniendo un gato negro en su regazo, mirando a través de la fábrica desde la sala de estar de su oficina en el ático. Mientras canta la primera estrofa, los trabajadores realizan una rutina de baile coreografiada dentro de la fábrica. Madonna se recuesta en un sofá y el gato se escapa de su regazo, mientras su canto llega al copropietario de la fábrica, a través de una serie de altavoces. Él se pone nervioso al escuchar su voz y mira hacia abajo para encontrar a uno de los trabajadores mirando hacia arriba y buscando el origen de la voz.

Con el comienzo del segundo verso, Madonna se traslada a su dormitorio, luciendo un conjunto que parece lencería muy femenina. Se mueve detrás de diferentes pantallas blancas y baila de manera sugerente, su silueta lo refleja desde el otro lado de las pantallas. Mientras tanto, el trabajador continúa pensando en la voz de Madonna y sueña con sus ojos entre el humo. Luego ve a Madonna de pie sobre un largo tramo de escaleras dentro de la fábrica, vistiendo un traje de raya diplomática y mostrando un monóculo. Baila sobre una plataforma, agarrándose la entrepierna a veces, y se abre brevemente la chaqueta para exponer su sujetador, mientras dos hombres tiran de palancas junto a los escalones. Mientras tanto, el copropietario de la fábrica escucha a músicos en vivo en su habitación, con un control remoto, mientras Madonna se muestra acostada desnuda en su cama, con un extremo de una cadena atada a su cuello, el otro extremo bajando hasta la fábrica. Mientras el propietario mira lascivamente a los músicos en la habitación, se muestra al trabajador acariciando al gato de Madonna, mientras mira expectante hacia su habitación. Tal vez el copropietario del traje sea el marido de Madonna y ella esté intentando escapar de él.

Cuando comienza el verso final de la canción, se muestra a una Madonna empapada, vistiendo la misma lencería negra, como un gato al acecho, arrastrándose por el suelo entre sus muebles, como debajo de la mesa con relámpagos, junto con una breve escena a través de un globo transparente sostenido por 3 estatuas masculinas, la escena intercalada con Madonna sentada en un sofá y fumando. El trabajador finalmente se levanta de su cama de acero y, cargando al gato de Madonna, camina hacia la habitación de Madonna mientras ella alcanza un tazón de leche y lo lame como un gato. Lo vierte sobre su hombro y llega a la cara del trabajador, que viaja por el edificio en un ascensor, sosteniendo a su gato, en una búsqueda para devolverlo. Comienza un combate de boxeo / lucha libre entre los otros trabajadores de la fábrica, ya que una Madonna aparentemente vulnerable, actuando como un gato, ahora se muestra sentada desnuda en su cama. El trabajador llega a su habitación, devuelve a su gato, la toma en su brazo y le hace el amor mientras la puerta se cierra detrás de ellos. El copropietario de la fábrica, que utiliza el mismo monóculo, ve el puesto vacío en el que estaba el trabajador y mira hacia arriba, donde ambos están teniendo relaciones sexuales. Parece haber perdido el control de la fábrica y de Madonna con otro hombre, pero no le importa. El vídeo termina con una última toma de la línea de la ciudad, con los ojos de Madonna sobre el cielo y sobre la ciudad, lo que puede demostrar que ella tenía el control todo el tiempo, y el epígrafe sobre una serie de engranajes. Termina con una cita: "Sin el corazón, no puede haber entendimiento entre la mano y la mente".

Recepción y análisis
La forma en que Madonna agarra la entrepierna en el video musical fue comparada con la de Michael Jackson .
Los autores Santiago Fouz-Hernández y Freya Jarman-Ivens comentaron que "el video retrata el enfoque deconstructivo de flexión de género asociado con el juego libre y la autorreflexión de las imágenes en el posmodernismo". Inicialmente habían pensado en el video como un enfoque feminista de la sexualidad, lo que los llevó a decir que "el video también podría relacionarse con varias cuestiones políticas centrales planteadas por el feminismo". Sin embargo, dedujeron que las escenas que muestran a Madonna de manera seductora y encadenada a su cama no retratan a las mujeres en una posición de empoderamiento, sino que enfatizan el hecho de que las mujeres pueden tener el control debido a su destreza sexual. Jarman-Ivens agregó que el epígrafe establece el status quo, con una clara distinción del cuerpo (trabajadores, mano, labores) y la mente (élite, capital intelectual). A diferencia de Metrópolis , donde la línea denota las oposiciones binarias de la clase trabajadora contra la elitista, en el video Madonna no distingue entre los dos. Jarman-Ivens señaló que el video retrata tanto a hombres como a mujeres siendo observados, activa o pasivamente. El cuerpo y la mano no están separados allí, en cambio, el corazón, la mano y la cabeza se representan como un equilibrio en todos, hombres o mujeres. El académico Theodore Gracyk también señaló la representación inicial de la sexualidad femenina en el video, en su libro, I Wanna Be Me: Rock Music and the Politics of Identity , y criticó el video por su representación de la dominación masculina. Sin embargo, en una inspección más cercana, Gracyk llegó a la conclusión de que "Express Yourself" fue una decisión inteligente por parte de Madonna, ya que en realidad retrata a las mujeres en una posición mucho más fuerte. El autor John Evan Seery escribió en su libro Political Theory for Mortals , que "Madonna con su video 'Express Yourself' empalmando imágenes de máquinas con imágenes de sexo, ... representa el cyborg definitivo de los Estados Unidos de finales del siglo XX". Allen Metz sintió que las escenas de Madonna agarrándose la entrepierna y bailando recordaban " la imitación andrógina de la masculinidad fálica de Michael Jackson ". Continuó elogiando el video por su representación de cambio de género.

Michelle Gibson y Deborah Townsend Meem, autoras de Femme/Butch , elogiaron el video por mostrar un cambio de poder entre los sexos, declarando que "Madonna reclamó asertivamente todo el espacio de género posible como Marlene Dietrich ". La profesora Carol Vernallis señaló en su libro, Experiencing Music Video , que la luz difusa alrededor de Madonna en el video fue adoptada para imitar la difusión del sonido y hacer que los bordes alrededor de Madonna parezcan suaves y su cuerpo se extienda hacia afuera. En el libro The 1980s , los autores Bob Batchelor y Scott Stoddart llamaron a "Express Yourself" como uno de los videos más desafiantes de Madonna. Destacaron el video por su "explotación" del cuerpo masculino y su sexualización como objeto de deseo. Los autores también agregaron que el video "era un homenaje colorido al término mirada , pero Madonna es la portadora de ella, no los hombres". Batchelor explicó que las escenas de Madonna actuando sola en su habitación y en lo alto de las escaleras sugerían que ella era el objeto de la mirada, sin embargo, les parecía que se estaba burlando del movimiento de los hombres de abajo. "Ella controla la mente de los hombres de abajo, con una especie de canto de sirena de empoderamiento femenino, señalando que los hombres se mueven al unísono con su canción", concluyó Stoddart. Elizabeth Edwards, una de las autoras de Visual Sense: A Cultural Reader , explicó que la toma de Madonna arrastrándose por el suelo, mientras otra imagen de ella observa desde un sofá cercano, ilustraba la mutación que estaba experimentando la imagen de Madonna. Según ella, Madonna estaba actuando la autoconciencia al "observarse a sí misma". Concluyó diciendo: "'Express Yourself' ofrece a sus espectadores una serie completamente nueva de referencias de imágenes a los íconos tradicionales estadounidenses de género y sexuales, masculinos y femeninos, y un nivel completamente nuevo de ironía". Shari Benstock y Suzanne Ferriss, autoras de On Fashion , deconstruyeron el video por su exhibición de la artificialidad de las imágenes de género. Sal Cinquemani de Slant Magazine revisó el video en 2003 y comentó que el video "es la encarnación del 'chic queer', una obra maestra grandilocuente que anuncia la asombrosa capacidad de Madonna para usar su imagen impulsada por el consumo para codificar su política feminista".

En su libro Cultura y poder , María José Coperiás Aguilar destacó el video por su textura caótica a través de la rápida edición de las múltiples tomas que lo constituían. Los cambios repentinos y continuos de ángulos de cámara, escenas y la distancia y el estado de ánimo parecían producir una "combinación aparentemente incoherente de imágenes que no ofrecían un ancla estable para proporcionar al conjunto una interpretación definitiva", agregó. Dado que el caos se ha asociado tradicionalmente con el principio ontogenético femenino en oposición al principio masculino de orden , el video a su vez llegó a asociarse con la dualidad entre orden/caos, masculino/femenino, bien/mal, luz/oscuridad, etc. Aguilar también trazó un paralelo entre Metrópolis y el video musical. Madonna tomó prestados diferentes simbolismos fálicos de la película, incluidas las chimeneas que arrojaban humo, los altos rascacielos y el ambiente opresivo del trabajo industrial. Sin embargo, a diferencia de Metrópolis , que retrataba la represión de un proletariado rebelde , la naturaleza caótica del video de "Express Yourself" mostraba libertad. Caryn James de The New York Times agregó que "cuando se le preguntó sobre el video, Madonna hizo una distinción que cualquier feminista honesta respetaría, por políticamente incorrecta que parezca. 'Me he encadenado', dijo. 'No hubo un hombre que me pusiera esa cadena'. No tienes que comprar el siguiente simbolismo descabellado de Madonna - 'Estaba encadenada a mis deseos' - para creer el subtexto feminista que encuentra en el video. 'Hago todo por mi propia voluntad. Estoy a cargo, ¿de acuerdo?' Madonna encadenada, sin embargo, está muy alejada de esas desafortunadas mujeres que no saben que tienen opciones". Madonna también se quejó de las críticas feministas sobre su "agarre de entrepierna", diciendo que "si los cantantes masculinos como Michael Jackson pueden salirse con la suya, ¿por qué no pueden las mujeres?"

El teórico Douglas Kellner afirmó además que el video era una crítica feminista de las peleas y la brutalidad masculina, con imágenes de los trabajadores varones participando en un combate de boxeo al final. Según él, Madonna se apropió deliberadamente de imágenes femeninas tradicionales al comienzo del video, pero las contrastó con sus poses masculinas de "abrazaderas de entrepierna" cerca del final, e imágenes discordantes de mujeres asumiendo la posición masculina. Como señaló la autora feminista Susan Bordo , "es la naturaleza posmoderna del video lo que más ha fascinado a los críticos académicos, y sus diversas formas de constituir identidades que rechazan la estabilidad, que permanecen fluidas, que resisten la definición". En los MTV Video Music Awards de 1989 , "Express Yourself" fue nominada en las categorías de Mejor video femenino , Mejor edición , Mejor fotografía , Mejor dirección y Mejor dirección artística , ganando las últimas tres categorías. Billboard también honró al video como el Mejor Video Musical del año, en sus Premios de Video Musical de 1989. El video musical de "Express Yourself" está clasificado en el número uno en los "100 mejores videos musicales" de la revista Slant. También se coloca en el número diez tanto en "Los 100 mejores videos musicales" de Rolling Stone como en los "100 mejores videos jamás hechos" de MTV, así como en el número tres en la lista de MuchMusic de los "100 mejores videos del siglo". David Dale de The Sydney Morning Herald lo incluyó como uno de los videos más influyentes de todos los tiempos, en el número 18. La revista Time lo incluyó en el número ocho en su lista de los 30 mejores videos musicales de todos los tiempos.

Actuaciones en vivo
La primera actuación en vivo de Madonna de «Express Yourself» fue en los MTV Video Music Awards de 1989. Comenzó la actuación descendiendo de un tramo de escaleras, vistiendo un traje de raya diplomática y un monóculo. Más tarde, se quitó el abrigo para revelar su bustier y, junto con sus coristas Niki Haris y Donna De Lory , realizó una rutina de baile llamada voguing . Ian Inglis, autor de Performance and Popular Music: History, Place and Time, señaló que la importancia histórica de la actuación de Madonna en los Video Music Awards se debió al lugar televisivo. Inglis explicó que, dado que la actuación de Madonna fue sorprendente principalmente como un número de producción de baile de alta energía y provocativamente coreografiado, pasó a resaltar la parte "televisiva" de MTV y, de alguna manera, la anunció a ella y a la cadena como un árbitro cultural.

Madonna incluyó la canción en la lista de canciones de su gira mundial Blond Ambition en 1990, que incluía una versión basada en el remix Non-Stop Express de la canción e incluía letras de « Everybody » durante la introducción. El set estaba inspirado en Metrópolis y los temas fueron tomados de la fábrica que se ve en el video musical. Incluía una serie de embudos que arrojaban humo, tuberías de acero, cables colgando arriba y un tramo de escaleras en el medio. Cuando comenzó el espectáculo, el set fue arrojado al escenario y los bailarines masculinos de Madonna, con el torso desnudo, aparecieron detrás de las estructuras de acero. Hicieron una rutina coreografiada en el escenario, y hacia el final Madonna apareció sobre el tramo de escaleras.  Estaba vestida con un traje de raya diplomática con agujeros cortados, de modo que su sostén sobresalía de ellos. Debajo llevaba un corsé de color melocotón con un sujetador cónico puntiagudo, diseñado por Jean Paul Gaultier. También sostenía un monóculo en su mano. Acompañada por sus dos bailarinas vestidas con un atuendo similar, Madonna hizo una interpretación vocal sencilla de la canción y una coreografía elaborada, que incluía voguing, joroba , masturbación simulada y almacenamiento momentáneo del micrófono de las intérpretes dentro de sus sujetadores. En un momento, Madonna abrió el traje para revelar el corsé con el sujetador y borlas colgando de sus lados. Se grabaron y publicaron en video dos presentaciones diferentes, Blond Ambition - Japan Tour 90 , grabada en Yokohama , Japón, el 27 de abril de 1990, y Live! - Blond Ambition World Tour 90 , grabada en Niza , Francia, el 5 de agosto de 1990. También fue una de las presentaciones incluidas en el documental Madonna: Truth or Dare (1990).

continuación .... Cherish

Vídeo musical
"Cherish" fue promocionada con un video musical en blanco y negro que fue dirigido por Herb Ritts y fue filmado el 22 de julio de 1989 en Paradise Cove Beach en Malibú, California . Su estreno mundial tuvo lugar en MTV el 21 de agosto de 1989. Ritts era uno de los fotógrafos preferidos de Madonna en ese momento y por eso ella le pidió que dirigiera el video de "Cherish". Ritts supuestamente intentó disuadirla diciéndole: "Pero soy un fotógrafo de imágenes fijas. No sé nada sobre películas". Impertérrita, Madonna respondió simplemente: "Bueno, tienes algunas semanas para aprender". El director practicó con una cámara de película Super 8 mientras trabajaba en un trabajo en Hawái y después de regresar le confirmó a Madonna que podía dirigir el video. "Dos semanas después, estaba filmando 'Cherish'. La dirigí y también hice el trabajo de cámara. Fue estimulante", le dijo al comisario de arte François Quintin en una entrevista de 1999.

El video fue ideado por Ritts, quien quería retratar a los tritones en su hábitat natural, pero Madonna se resistió a la idea ya que quería ser retratada como ella misma, pero también quedarse con los tritones. Se contrataron cuatro artistas masculinos para esto, uno de ellos era Tony Ward, quien luego se convertiría en el novio de Madonna, y los otros tres eran jugadores de waterpolo de la cercana Universidad Pepperdine. Hubo cuatro colas de tritón creadas por Global Effects en North Hollywood, California para el video. Tres colas de tamaño completo para los tritones fueron moldeadas en una goma sólida altamente flexible, cada una con un peso de alrededor de 40 libras (18 kg). Esto fue necesario para que flotaran de manera neutra en el agua, ya que las colas más livianas habrían flotado, lo que haría que los nadadores estuvieran cabeza abajo en el mar. Una vez en estas colas, los jugadores de polo necesitaban ser llevados hacia y desde el agua y una vez dentro, tenían un tremendo poder de natación y agilidad. Esto se debió en parte a una armadura de plástico similar a un resorte moldeada en la aleta de cada cola. Una de las razones por las que este vídeo se filmó en blanco y negro es porque el agua estaba muy fría, lo que hacía que la tez ya pálida de Madonna pareciera aún más blanca.

Según Maura Johnston de Rolling Stone , después de su lanzamiento "El video lúdico se convirtió en un elemento básico de MTV, una excursión ligera a la playa después de los clips empapados de controversia de 'Like a Prayer' y el impactante 'Express Yourself'". Fouz-Hernandez dedujo una relación entre la música y las imágenes en el video de "Cherish", diciendo que se complementaban entre sí; el autor sintió que esto a su vez alentaba al espectador a ver el video repetidamente. Fouz-Hernandez habló sobre el equilibrio de altura y profundidad que ocurre en el video. Las representaciones visuales de los tritones y la iluminación utilizada en el video fueron influenciadas por la fotografía fija de Ritts conocida como "The Male Nude Bubble", que mostraba modelos masculinos desnudos dentro de un tanque de agua gigante, con una tela blanca entrelazada a su alrededor. Muchas de las cualidades de las fotos, incluida la naturaleza flotante de los modelos, estaban presentes durante la natación y la pose de los tritones.

Carol Vernallis, autora de Experiencing Music Video , encontró connotaciones homoeróticas entre Madonna y los tritones. Los tritones del video existen en un mundo autónomo propio, donde procrean con su propia especie, tanto biológica como socialmente. El hecho de que los tritones no parecieran poseer genitales llevó a Vernallis a creer que el video los asociaba con otras obras de Ritts, a saber, imágenes escultóricas homoeróticas sin penes.  Sus colas tenían diferentes significados, incluidos los sexuales y el simbolismo cristiano. Dado que en el arte contemporáneo las imágenes de tritones son raras mientras que las sirenas son comunes, a veces se las llama hadas en parte porque no se sabe cómo llegaron a existir. Vernallis creía que el misterio y la elusividad de los tritones en el video desempeñaban un papel crucial. Nunca se dirigen a la cámara directamente y a menudo se los muestra desapareciendo de la vista. Dado que permanecer invisible es un tema central en la comunidad homosexual, para el autor esto en realidad retrata la opresión y el deseo de mirar pero nunca ser visto.

Actuaciones en vivo y covers
Madonna interpretó "Cherish" en vivo solo durante la gira mundial Blond Ambition de 1990. En el escenario, la actuación reflejó la secuencia del video musical, con la aparición de tres de los bailarines de Madonna, vestidos como tritones. La autora Carol Clerk señaló en su libro Madonnastyle que el atuendo que usó la cantante durante esta secuencia fue el disfraz más simple y suave del espectáculo. Consistía en un minivestido negro adornado y cosido con una cigüeña de África occidental disecada, llamada marabú. Madonna giró alrededor de sus bailarines, mientras tocaba un arpa . Durante el coro, los bailarines levantaron sus colas de pez protésicas y las unieron entre sí. Guilbert sintió que la actuación desexualiza a los hombres, ya que son relegados a objetos de adoración, como los tres bailarines tritones. Esta opinión fue compartida por Mark Bego , autor de Madonna: Blonde Ambition , quien dijo que "Madonna y sus chicas adoptan un modo muy infantil, pero dan la sensación de que están a cargo, ya sea jugando con los tritones o burlándose de ellos". Se grabaron y publicaron en video dos presentaciones diferentes, Blond Ambition Japan Tour 90 , grabada en Yokohama , Japón, el 27 de abril de 1990, y Blond Ambition World Tour Live , grabada en Niza , Francia, el 5 de agosto de 1990.

El fallecido cantante brasileño Renato Russo incluyó una versión acústica de la canción en su álbum de 1994 The Stonewall Celebration Concert . Su versión fue apreciada por Álvaro Neder de AllMusic. El álbum recopilatorio de 2000 Virgin Voices: A Tribute To Madonna, Vol. 2 contiene una versión del grupo worldbeat Loop Guru. Una versión de rock alternativo de la canción de The Prayers fue incluida en la compilación tributo a Madonna de 2007 Through the Wilderness .

Oh Father

« Oh Father » es una canción grabada por la cantante estadounidense Madonna para su cuarto álbum de estudio Like a Prayer (1989). Fue lanzada como el cuarto sencillo del álbum el 24 de octubre de 1989 por Sire Records . La canción no fue lanzada como sencillo en la mayoría de los territorios europeos hasta el 24 de diciembre de 1995, cuando apareció en la compilación de baladas de 1995 Something to Remember . Escrita y producida por Madonna y Patrick Leonard , «Oh Father» trata sobre la presencia de figuras de autoridad masculinas en la vida de Madonna, más prominentemente su padre, Tony Ciccone. La relación de Madonna con su padre se había agriado después de la muerte de su madre en 1963 y su nuevo matrimonio tres años después. Mientras desarrollaba el álbum Like a Prayer , Madonna se encontraba en un estado mental emocional debido a sus problemas personales, lo que se refleja en «Oh Father».

Musicalmente, "Oh Father" es una balada pop barroca. Fue grabada en un estudio en el Garment District de la ciudad de Nueva York. Leonard juntó diferentes tipos de progresión de acordes y creó el esquema básico de una melodía, a la que Madonna le dio forma y luego escribió una letra que se ajustara a la melodía. Utilizó un contraste de timbre mientras cantaba la canción, que también incluía instrumentación de cuerdas , piano , violín y batería. "Oh Father" recibió críticas positivas de los críticos y autores, pero comercialmente tuvo menos éxito que los sencillos anteriores de Madonna. En la mayoría de los países donde se lanzó, la canción no logró alcanzar las diez primeras posiciones, excepto en Finlandia, donde alcanzó el puesto número seis. Terminó la racha de 16 sencillos consecutivos de Madonna en el top cinco en los Estados Unidos.

El videoclip de la canción fue un intento de Madonna de aceptar la muerte de su madre. Dirigido por David Fincher y filmado en blanco y negro, muestra a una niña jugando en la nieve mientras su madre muere. Una Madonna adulta sigue a la niña y canta la canción mientras la niña huye de su padre abusivo. Descrito por los críticos como "autobiográfico", el video fue incluido por la revista Rolling Stone como uno de "Los 100 mejores videos musicales". Los académicos notaron cómo la personalidad de Madonna se dividió en la niña y la adulta en el video, y un escritor describió una escena, que involucra a la madre muerta mostrada en su velorio con los labios cosidos, como una de las escenas más perturbadoras en la historia de los videos musicales convencionales; la escena estaba inspirada en el recuerdo de Madonna de su madre en su funeral. "Oh Father" se interpretó solo en la gira mundial Blond Ambition en 1990, donde Madonna interpretó a una mujer que intenta encontrar su religión y su batalla por ella.

Antecedentes
Cuando Madonna tenía cinco años, en 1963, su madre, Madonna Ciccone (de quien Madonna tomó su nombre), murió de cáncer de mama a la edad de 30 años. Meses antes de esto, Madonna notó cambios en el comportamiento y la personalidad de su madre, ya que era una ama de casa atenta, pero no entendía las razones. La señora Ciccone, sin saber cómo explicar su terrible condición médica, a menudo comenzaba a llorar cuando Madonna le preguntaba, momento en el que Madonna respondía envolviendo a su madre con sus brazos con ternura. "Recuerdo sentirme más fuerte que ella", recordó Madonna. "Yo era tan pequeña y, sin embargo, me sentía como si ella fuera la niña". Madonna reconoció más tarde que no había comprendido el concepto de la muerte de su madre. "Quedaban tantas cosas por decir, tantas emociones sin resolver, de remordimiento, culpa, pérdida, ira, confusión... Vi a mi madre, muy hermosa y acostada como si estuviera durmiendo en un ataúd abierto. Entonces noté que la boca de mi madre se veía rara. Me llevó un tiempo darme cuenta de que la habían cosido. En ese momento terrible, comencé a comprender lo que había perdido para siempre. La imagen final de mi madre, a la vez pacífica y grotesca, me persigue también hoy".

Madonna finalmente aprendió a cuidar de sí misma y de sus hermanos, y recurrió a su abuela paterna con la esperanza de encontrar algo de consuelo y alguna forma de su madre en ella. Los hermanos Ciccone estaban resentidos con las amas de casa e invariablemente se rebelaban contra cualquiera que trajeran a su casa aparentemente para ocupar el lugar de su amada madre. En una entrevista con Vanity Fair , Madonna comentó que se veía a sí misma en su juventud como una "chica solitaria que estaba buscando algo. No era rebelde de cierta manera. Me importaba ser buena en algo. No me afeitaba las axilas y no usaba maquillaje como lo hacen las chicas normales. Pero estudiaba y sacaba buenas notas... Quería ser alguien". Aterrorizada de que su padre, Tony Ciccone, también pudiera serle arrebatado, Madonna a menudo no podía dormir a menos que estuviera cerca de él. Dos años después de la muerte de su madre, su padre se casó con la ama de llaves de la familia, Joan Gustafson. Fue en ese momento cuando Madonna comenzó a expresar sentimientos de ira no resueltos hacia su padre que duraron décadas y desarrolló una actitud rebelde. En entrevistas, explicó que "como todas las jóvenes, estaba enamorada de mi padre y no quería perderlo. Perdí a mi madre, pero yo era mi madre... y mi padre era mío... Cuando se casó con mi madrastra, pensé: 'Está bien, no necesito a nadie'. Odié a mi padre durante mucho, mucho tiempo".

Escritura e inspiración
Cuando Madonna comenzó a trabajar en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer , ya se encontraba en un estado mental emocional, tras su separación de su entonces marido, Sean Penn , su trigésimo cumpleaños y críticas desfavorables por sus esfuerzos como actriz. Tenía ciertos asuntos personales en mente que pensó que podrían ser la dirección musical del álbum. Mientras escribía las canciones de Like a Prayer , Madonna también actuó en una producción de Broadway llamada Speed-the-Plow. En la obra, interpretó a Karen, la secretaria de un productor de cine que se acostó con ella tras una apuesta con sus amigos. Karen luego se venga, pero es retratada como tan sórdida y conspiradora como los hombres que habían participado en esta apuesta y la habían explotado. Madonna estaba frustrada con el papel y la recepción negativa, que desahogó en sus letras. El resultado fue un conjunto de tres canciones: "Till Death Do Us Part", "Promise to Try" y "Oh Father", donde buscó purgarse de su paranoia y demonios personales.

Escrita junto al productor Patrick Leonard , en «Oh Father» la cantante quiso revisitar el dolor y la confusión que habían caracterizado su relación con su padre. Generalmente aceptada por los críticos y académicos como una carta de amor a Tony Ciccone o como una acusación, Madonna nunca explicó su inspiración detrás de «Oh Father», excepto diciendo que la canción era sobre su padre y un homenaje a Simon & Garfunkel , su banda favorita en ese momento. Ella quería dejarlo abierto a la interpretación.

Aunque la cantante nunca ha mencionado el abuso físico en su familia, sí mencionó que su padre era muy disciplinado y que su madrastra era dura con ella. La autora Lucy O'Brien escribió en su libro Madonna: Like an Icon que la canción surgió más del abandono emocional que Madonna enfrentó, con su padre encerrado en el dolor después de que la Sra. Ciccone muriera. Cuando se casó de nuevo, su nueva esposa estaba envuelta en sus propios hijos, por lo que los niños mayores a menudo se quedaban solos. O'Brien creía que por esta razón, la niñez de Madonna no habría sido muy alegre, y que "Oh Father" era un potente ejemplo de la cantante usando su imaginación para escapar de su problemática infancia, mientras culpaba a su padre. Tony dijo más tarde: "Tal vez no sea el mejor padre del mundo, pero la vida no fue fácil para nosotros, y Nonni el apodo de Madonna sabe todo esto".

Grabación y composición
Cuando Madonna fue a grabar "Oh Father", su problemático papel en Speed-the-Plow estaba en su mente, con el resultado de que ella desahogó sus emociones en la grabación de la canción. Bill Meyers, quien hizo el arreglo de cuerdas para la mayoría de las canciones de Like a Prayer , incluyendo "Oh Father", recordó que Madonna trabajó en la canción con Leonard en "este pequeño estudio realmente lúgubre y horrible en el Garment District en Nueva York. Era grotescamente sucio y estrecho, y eso es lo que salió de allí".

Según él, Madonna se conmovió mientras cantaba la canción, ya que el tema sugería incesto y el controvertido tema de las palizas en el armario . Sin embargo, sus inseguridades sobre su infancia se manifestaron en ansiedades durante su interpretación vocal. Meyers dijo que si Madonna doblaba una nota o cantaba con un tono bajo en un lugar determinado, seguiría haciéndolo constantemente ya que no le gustaba variar su voz o cambiar el tono. Madonna recordó que Leonard pensó en la melodía de la canción. Después de que terminó la mezcla , Meyers felicitó a Madonna diciendo que fue su interpretación vocal "más fuerte".

Para la balada pop barroca , Madonna utiliza un contraste de timbre , su voz más alta y suave con su voz más baja. La ​​canción comienza con el sonido de violines durante unos 20 segundos. Después de esto, la batería, el arreglo de cuerdas y el piano marcan el comienzo de los violines, mientras Madonna canta la línea del coro "You can't hurt me now, I got away from you, I never thought I would". Los violines y los golpes de batería caen después del coro, pero regresan nuevamente durante el siguiente puente. Mientras Madonna canta el verso "Oh father I have sinned", los violines cambian su tono a uno más alto. Después del segundo coro, hay un descanso instrumental donde canta sobre la comprensión de que su padre no quería lastimarla, pero aún así huyó. La ​​canción termina con la guitarra y los violines desvaneciéndose con la voz de Madonna. En una entrevista con Paul Zollo , Madonna comentó que el "Padre" puede referirse a Tony, a Dios o a todas las "autoridades en su vida". En una entrevista de 2014 con Billboard celebrando el 25 aniversario de Like a Prayer , Leonard explicó el proceso de grabación de la canción:

"Mi canción favorita de todas las que grabamos, o escribimos, es 'Oh Father'... porque sabíamos que había algo en ella que era, en cierto modo, lo más "real". Para esa canción, el botón de 'grabar' solo se presionó tres veces. Eso es todo. Así que es real. Es algo que realmente quería hacer y ella fue tan amable de decir 'probemos esto', y no fue fácil".

Recepción crítica
La respuesta crítica a "Oh Father" fue generalmente positiva. J. Randy Taraborrelli, autor de Madonna: An Intimate Biography , comentó que con la canción, Madonna se expuso al transformar su experiencia personal en arte, dejando en claro a cualquiera cómo se sentía sobre su relación con Tony. Rooksby creía que las frases de "psicocharla" de sentirse bien consigo mismo en la canción, la habrían hecho extremadamente popular a principios de los años ochenta. Agregó que "Oh Father" fue el momento más compasivo y generoso en la carrera musical de Madonna y que la canción podría haber inspirado la exploración de la infancia en la música de artistas contemporáneos como Kate Bush y Tori Amos , en particular la canción de Bush "The Fog" de su álbum de estudio de 1989, The Sensual World , y "Winter" de Amos del esfuerzo de 1992, Little Earthquakes. La ​​autora Leslie C. Dunn escribió en su libro Embodied Voices , que la naturaleza autobiográfica de la canción trajo consigo una nueva faceta de Madonna. Compartiendo la misma opinión, Freya Jarman-Ivens, una de las autoras de Madonna's Drowned Worlds , declaró que "Oh Father" era una declaración poderosa sobre las relaciones padre-hija. Allen Metz, autor de The Madonna Companion , describió la canción como una "balada austera con un arreglo de cuerdas serio". O'Brien sintió que las cuerdas eran dramáticas y pretenciosas. Describió el canto de Madonna como consistente en " rasposo estilo Courtney Love " y agregó que Madonna "ataca la canción con pasión personal".

Lennox Samuels de The Dallas Morning News sintió que la "gran sensación de dolor que está presente en 'Oh Father' es mucho más identificable que cualquier otra canción de Madonna". Kevin Phinney del Austin American-Statesman la llamó la canción más fuerte y más impactante de Like a Prayer. Alan Jones de Music Week dijo: "Es una pieza compleja, no es su más fácil de amar, con un tempo que cambia constantemente, interludios pseudoclásicos y una voz fuerte". Stephen Holden de The New York Times escribió que la orquestación de la canción era "grandilocuente", al tiempo que describió la interpretación de las líneas de Madonna como un "triunfo enojado". Stewart Mason de Allmusic compartió la opinión de Holden y describió "Oh Father" como "la mejor interpretación de balada de Madonna de todos los tiempos". Añadió que la "modulación ascendente del coro, acompañada de algunas auto armonías sobregrabadas que presentan un uso muy controlado y efectivo del registro más alto de Madonna, es pura brillantez, dando a la canción una resolución férrea que elimina cualquier mancha de autocompasión de los versos". El periodista musical JD Considine , mientras revisaba Like a Prayer para Rolling Stone , creía que a pesar del "exuberante" arreglo de cuerdas de la canción, algunas de las letras contienen un grado inquietante de dolor. Hadley Freeman de The Guardian comentó que la naturaleza confesional de la letra de "Oh Father" era lo que más le atraía de la canción. Mark Browning, autor de David Fincher: Films That Scar , dio una recepción negativa a la canción y la calificó como uno de los esfuerzos más débiles de Madonna, debido a que los versos suenan más a teatro musical que a una canción pop. Chuck Arnold de Entertainment Weekly escribió que "[Madonna] ha hecho otras canciones que tratan sobre sus problemas familiares, pero rara vez mejores que esta"; incluyó a "Oh Father" como el 40.º mejor sencillo de la cantante. Jude Rogers de The Guardian colocó la canción en el número 28 de su ranking de sencillos de Madonna, en honor a su 60.º cumpleaños, escribiendo: "Cuerdas exuberantes y pianos graves en este elegante grito primario de 1989. Letras enormemente emo , que provocan a los padres, pero hermosas en su ejecución". En agosto de 2018, Billboard lo eligió como el 64º mejor sencillo de la cantante, escribiendo que "'Oh Father' no solo marcó el tono para la década más contemplativa y tranquila de Madonna que vendría después, sino que también proporcionó un modelo temprano para las baladas poderosas lideradas por el piano de los cantautores de los 90 como Tori Amos y Jewel ".

Rendimiento gráfico
En los Estados Unidos, «Oh Father» fue lanzado el 24 de octubre de 1989 y debutó en el puesto número 55 del Billboard Hot 100 , durante la semana del 11 de noviembre de 1989. La canción se convirtió en el primer sencillo de Madonna desde « Holiday » en 1984 en no entrar en el top ten en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número 20 en la semana del 6 de enero de 1990. Esto puso fin a su racha de 16 sencillos consecutivos entre los cinco primeros y 17 sencillos consecutivos entre los diez primeros. Estuvo presente en el Hot 100 durante un total de 13 semanas. En Canadá, «Oh Father» debutó en el puesto número 84 del RPM Singles Chart el 11 de noviembre de 1989. Después de nueve semanas, la canción alcanzó el puesto número 14 en la lista, y estuvo presente durante un total de 15 semanas. El sencillo fue el de Madonna que obtuvo la puntuación más baja en las listas de Australia en ese momento, donde alcanzó el puesto número 59, rompiendo una racha de 20 sencillos consecutivos entre los 40 primeros.

«Oh Father» no fue lanzado como sencillo en la mayoría de los territorios europeos hasta el 24 de diciembre de 1995, cuando apareció en el álbum recopilatorio Something to Remember de Madonna de 1995. El sencillo de 1995 fue lanzado con una lista de canciones y una obra de arte diferentes que incluían una fotografía del video musical de 1989. La canción debutó y alcanzó el puesto número 16 en la lista de sencillos del Reino Unido el 6 de enero de 1996. Se convirtió en el tercer sencillo de su carrera en perder la posición entre los diez primeros en el Reino Unido, después de « Lucky Star » (1984) y « Take a Bow » (1994). Según The Official Charts Company , «Oh Father» ha vendido 58.730 copias en el Reino Unido hasta agosto de 2008. La canción también apareció en el Irish Singles Chart durante una semana en el puesto número 25 el 4 de enero de 1996. La ​​canción tuvo más éxito comercial en Finlandia, donde alcanzó el puesto número seis. En el European Hot 100 Singles , la canción debutó en el puesto número 73 el 13 de enero de 1996. La semana siguiente, alcanzó su posición máxima en el puesto número 62 y se convirtió en su sencillo con la posición más baja en la lista hasta ese momento.

Keep It Together

« Keep It Together » es una canción de la cantante estadounidense Madonna de su cuarto álbum de estudio , Like a Prayer (1989). Fue lanzado como el quinto (sexto en total) y último sencillo del álbum en Estados Unidos, Canadá y Japón el 30 de enero de 1990 por Sire Records . Escrita y producida por Madonna y Stephen Bray , la principal inspiración detrás de «Keep It Together» fue la relación de Madonna con su familia, a quienes extrañó mucho durante su divorcio de Sean Penn . La canción fue dedicada a la banda estadounidense Sly and the Family Stone . La letra trata sobre la comprensión de lo importante que ha sido la familia de Madonna para su vida. Una canción pop , funk y deep funk que consta de un ritmo alegre y groove , «Keep It Together» presenta instrumentación de percusión , banjo y conga .

En el Reino Unido y Europa, « Dear Jessie » sirvió como el último sencillo de Like a Prayer y «Keep It Together» no fue lanzado allí. Algunos críticos aludieron a que «Keep It Together» era simplemente la versión de Madonna de la exitosa canción de Sister Sledge « We Are Family ». «Keep It Together» fue un éxito comercial, alcanzando el puesto número ocho en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos y la lista de Canadá, mientras encabezaba la lista Billboard Dance Club Songs . En Australia, la canción alcanzó la cima de las listas como un sencillo de doble cara A con « Vogue ». «Keep It Together» se interpretó como la canción de cierre del Blond Ambition World Tour de 1990. Las actuaciones se inspiraron en la película de Stanley Kubrick de 1971 La naranja mecánica y durante la introducción, Madonna cantó un verso de « Family Affair » de Sly and the Family Stone .

Antecedentes y lanzamiento
Cuando Madonna comenzó a trabajar en su cuarto álbum de estudio, Like a Prayer , ya se encontraba en un estado de ánimo emocional, tras su separación de su entonces marido Sean Penn , su trigésimo cumpleaños y críticas desfavorables por sus esfuerzos como actriz. Tenía ciertos asuntos personales en mente que pensaba que podrían ser la dirección musical del álbum. Pero comprendió que a medida que ella crecía, también lo hacía su público principal. Sintiendo la necesidad de probar algo diferente, Madonna quería que el sonido de su nuevo álbum indicara lo que podría ser popular en la música. Sin embargo, al haber sido criada como católica, Madonna se sintió culpable por el fracaso de su matrimonio. Ella dijo: "Porque en el catolicismo eres un pecador de nacimiento y eres un pecador toda tu vida... No podía escapar de mi pasado, ni podía relajarme". Entristecida por lo que estaba sucediendo con ella, Madonna extrañaba a su familia, a su padre y a sus hermanos. Ella le confesó a Becky Johnston para la revista Interview :

No me sentía cercano a nadie en mi familia cuando era niño. No me sentía cercano a mis hermanos mayores, eran los típicos hermanos mayores que me torturaban todo el tiempo. Y no me sentía cercano a mis hermanas. Había mucha competencia en nuestra familia, así que trabajé muy duro en la escuela. Era un estudiante con excelentes calificaciones, y todos me odiaban por eso porque lo hacía más por la posición que iba a tener a los ojos de mi padre que por lo que iba a aprender estudiando. Luego, cuando crecí un poco más, cuando estaba en la escuela secundaria y comencé a bailar muy en serio, diría que me acerqué más a mis hermanos. Mi hermano mayor me abrió los ojos a muchas cosas.

La canción fue lanzada como el quinto (sexto en total) y último sencillo del álbum el 30 de enero de 1990 por Sire Records . «Keep It Together» fue uno de los primeros sencillos en ser lanzados en formato maxi CD, acompañado de una variedad de remixes. La mezcla de radio despojó a la pista de su instrumentación original y agregó un ritmo R&B-House con las mezclas de 12" siguiendo este estilo. En Australia, fue lanzado como un lado B con « Vogue » y se ubicó así en las listas; sin embargo, fue distribuido como un sencillo de 12" independiente por WEA Records International y luego lanzado como un sencillo Maxi CD independiente en 1993.  No fue lanzado en el Reino Unido en absoluto, donde « Dear Jessie » sirvió como el cuarto sencillo del álbum en lugar de «Oh Father» y «Keep It Together» respectivamente.

Grabación y composición
"Keep It Together" es una canción pop , funk y deep funk con un ritmo alegre y groove. Fue producida por Madonna y Bray, y cuenta con Paulinho da Costa en la percusión, David Boruff y Steven Madaio tocando los metales, Bill Bottrell como ingeniero de audio y Chester Kamen como guitarras. Prince también tocó la guitarra en la canción según Madonna, aunque no fue acreditado.

Sal Cinquemani de Slant Magazine señaló que la canción está influenciada por la pista de Sly and the Family Stone " Family Affair " (1971). Comienza con el sonido del bajo slap junto con el bajo sintetizado secuenciado, mientras Madonna canta las líneas iniciales, "Keep, keep it together, keep people together forever and ever". Cuando comienza el primer verso , entra en juego una guitarra con la voz de Madonna respaldada por percusión y banjo. Después de que el segundo estribillo se acerca al final, Madonna pronuncia la línea "Hermanos y hermanas, tienen la llave, de tu corazón y tu alma, no olvides que tu familia es oro", el sonido de la percusión se adelgaza y una mezcla del sonido de un baterista en vivo y una conga entra en escena. La canción termina con el sonido del groove principal desapareciendo gradualmente.

Según Rikky Rooksby, autor de The Complete Guide to the Music of Madonna , aunque "Keep It Together" rinde homenaje sonoramente a Sly and the Family Stone, la letra habla de la comprensión de lo importante que ha sido la familia de Madonna como una forma de estabilidad en su vida, especialmente en la línea "Hermanos y hermanas, siempre han estado ahí para mí, tenemos una conexión, el hogar es donde debería estar el corazón".  La letra sigue el curso del ascenso de Madonna desde ser figurativamente un "hermano hambriento" ("Voy a dejar este lugar, para poder olvidar cada cara hambrienta") a ser una superestrella ("Llegué a lo grande pero todavía me deprimo, todos son extraños, la vida de ciudad puede llegar a ti").

Recepción crítica
Mark C. Taylor, autor de Nots: Religion and Postmodernism , consideró que «Keep It Together» era un «ejemplo sorprendente de su invocación repetida de los valores familiares». Creía que la fascinación de Madonna por la familia se reflejaba en la canción. Carol Benz, una de las autoras de The Madonna Connection , creía que la canción tuvo éxito al afirmar la necesidad de los lazos familiares. J. Randy Taraborrelli, autor de Madonna: An Intimate Biography, describió la canción como «un juego de ritmo rápido sobre las pruebas y tribulaciones, y las alegrías de tener una familia». Martha Bayles, autora de Hole In Our Soul , consideró que «Keep It Together» no logró convertirse en un himno al compromiso emocional, debido a la naturaleza funk de la canción.  El escritor de Madonna, Unauthorized, Christopher Anderson, proclamó la canción como un digno sencillo número uno, y elogió el tema de la canción de lealtad a la propia familia, a pesar de la agitación y las disensiones que ocurren. Lucy O'Brien , autora de Madonna: Like an Icon , lo describió como una "meditación optimista sobre el poder entre hermanos" y creía que el propósito detrás de la canción era presentar una imagen hogareña de hermanos y hermanas felices y juntos, y la necesidad de Madonna de restaurar los lazos y las relaciones que se habían vuelto tensas o distantes en su vida en ese momento. Bill Coleman de Billboard declaró que "la Material Girl se eleva por encima del ritmo y revela una interpretación vocal fascinante". Hadley Freeman de The Guardian describió "Keep It Together" como "increíble, simplemente por ser la versión de Madonna de ' We Are Family ' de Sister Sledge , un concepto que nadie previó, y el hecho de que más tarde renegara de varios miembros de su familia le da, digamos, un interesante matiz de ironía".

Edna Gunderson , de USA Today , escribió que «Keep It Together» evocaba un «ritmo de R&B» que logró añadir más variación a Like a Prayer . Por el contrario, Ian Blair, del Chicago Tribune, pensó que el diferente tempo funk de la canción distraía del cociente emocional del álbum. Blair añadió que la canción «tiene un ritmo que es una de las cosas más funky que Madonna ha hecho jamás». Scott Benarde, de The Palm Beach Post, mencionó la canción como uno de los momentos «diluvianos» del álbum. Escribiendo para The Jerusalem Post , Andy Goldberg, del periódico, mencionó la canción como uno de los momentos más destacados del álbum y elogió la letra orientada a la familia. Bruce Britt, de Boca Raton News, creía que «Keep It Together» era una de las canciones del álbum que ejemplificaba el enfoque personal de la composición de canciones de Madonna.

Joe Levy de Spin nombró a la canción como el único "gran" disco de baile en Like a Prayer , y también observó que "Keep It Together" era una canción "disco-femenina" que tenía influencias de "We Are Family" de Sister Sledge y " Into the Groove " de Madonna. Stephen Holden de The New York Times creía que la canción traía el estilo pop-funk y la felicidad hippie de Sly and the Family Stone. El periodista JD Considine , al reseñar Like a Prayer para Rolling Stone , sintió que "Keep It Together" retrataba "una impresionante invocación de la importancia de la familia". Considine estaba preocupado de que, dado que la naturaleza confesional de las canciones de Like a Prayer evocaba fuertes emociones en el oyente, "Keep It Together" probablemente parecería casi trivial en comparación con ellas. Stephen Thomas Erlewine de AllMusic creía que la canción constituía música funk profunda. Jose F. Promis del mismo sitio web elogió la mezcla de sencillos de la canción, llamándola una de las "mejores y más funky melodías de Madonna, y un excelente ejemplo de música dance/house/R&B de finales de los 80 y principios de los 90". Louis Virtel de The Backlot le dio a la canción una crítica positiva, llamándola una "reunión familiar alegre" que es el "lado soleado del sombrío ajuste de cuentas familiar de "Oh Father"". Kenneth Partridge de Billboard describió la canción como una melodía synth-funk de medio tiempo con un ritmo "tenso", en el que Madonna ofrece una rama de olivo a su distanciado padre y hermanos.

Rendimiento gráfico
En los Estados Unidos, «Keep It Together» debutó en el Billboard Hot 100 en el puesto número 56, en la edición del 3 de febrero de 1990. La semana siguiente, «Keep It Together» saltó al puesto número 41, convirtiéndose en una de las canciones con mayores ganancias. Finalmente alcanzó el puesto número ocho en el Hot 100, en la edición del 31 de marzo de 1990. Se convirtió en el decimoctavo éxito top ten de Madonna en los Estados Unidos, rompiendo el récord que anteriormente tenía Aretha Franklin como la artista solista femenina con más éxitos top ten en la historia. Durante las siguientes semanas, la canción cayó rápidamente de su apogeo cuando el siguiente sencillo de Madonna, «Vogue», comenzó a tener una difusión masiva en la radio. Su última aparición en el Hot 100 fue en el puesto número 83 en la edición del 28 de abril de 1990. «Keep It Together» encabezó la lista Hot Dance Music/Club Play y alcanzó el puesto número 66 en la lista Hot R&B/Hip-Hop Songs. Tres meses después de su lanzamiento, fue certificado oro por la Recording Industry Association of America (RIAA) por el envío de 500.000 copias del sencillo. En Canadá, la canción debutó en el puesto número 85 en la lista de sencillos de RPM el 10 de febrero de 1990, y después de ocho semanas, alcanzó el puesto número ocho. «Keep It Together» estuvo presente en la lista durante 15 semanas y se ubicó en el puesto número 86 en la lista de fin de año de RPM para 1990.

En Australia, «Keep It Together» apareció en la lista de sencillos ARIA junto con «Vogue». Debutó en la lista en el puesto número 19 y alcanzó la cima la semana siguiente, permaneciendo allí durante cinco semanas consecutivas. La canción estuvo presente durante un total de 35 semanas en la lista y alcanzó el puesto número tres en la lista australiana de fin de año de 1990. Fue certificada doble platino por la Asociación Australiana de la Industria Discográfica (ARIA) por el envío de 140.000 copias del sencillo. Después de su lanzamiento en Japón, «Keep It Together» apareció durante dos semanas en la lista de sencillos de Oricon y alcanzó el puesto número cinco. El sencillo no fue lanzado en el Reino Unido, donde «Dear Jessie» fue el último sencillo de Like a Prayer.