False Prophet

" False Prophet " es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan , la segunda pista de su 39º álbum de estudio, Rough and Rowdy Ways (2020). Fue lanzado como el tercer y último sencillo del álbum el 8 de mayo de 2020 a través de Columbia Records . La música está basada en el sencillo de 1954 de Sun Records de Billy "The Kid" Emerson "If Lovin' Is Believin'".

Antecedentes
Muchos creen que el título de la canción y el estribillo "No soy un falso profeta" son autorreferenciales, ya que se ha referido a Dylan como un "profeta" y un "falso profeta" en muchas ocasiones desde la década de 1960 Esto es evidente incluso en los títulos de los libros que presentan un análisis crítico de su obra. Dylan se ha quejado de la etiqueta de profeta en numerosas ocasiones a lo largo de los años. Hablando a una audiencia en Omaha, Nebraska durante un concierto en el apogeo de su período gospel en 1980, por ejemplo, Dylan dijo: "Hace años ellos... decían que yo era un profeta. Solía ​​decir: 'No, no soy un profeta'. Dicen: 'Sí, lo eres, eres un profeta'. Dije: 'No, no soy yo'. Solían decir: 'Seguro que eres un profeta'. Solían convencerme de que yo era un profeta. Ahora salgo y dicen que Jesucristo es la respuesta. Dicen: 'Bob Dylan no es un profeta'. Simplemente no pueden manejarlo".

Dylan se hizo eco de estos sentimientos casi un cuarto de siglo después cuando habló con Ed Bradley para una entrevista de 60 Minutes en 2004: "No eres la persona que todos creen que eres, aunque te llaman así todo el tiempo: 'Eres el profeta. Tú eres el salvador'. Nunca quise ser un profeta o un salvador. Elvis tal vez. Podía verme fácilmente convirtiéndome en él. ¿Pero profeta? No". Más notoriamente, el Papa Benedicto XVI , cuando era todavía conocido como el cardenal Ratzinger, se opuso a que Dylan tocara en un evento de jóvenes católicos para el Papa Juan Pablo IIen 1997 sobre la base de que era un falso profeta. En una memoria sobre su predecesor publicada en 2007, Benedicto escribió en referencia a la actuación de Dylan que "duda hasta el día de hoy si fue correcto dejar que este tipo de supuesto profeta subiera al escenario" frente al Papa.

Composición y grabación
Es probable que Dylan, de quien se sabe que toca grabaciones de canciones antiguas como puntos de referencia para su banda en el estudio, tocó "If Lovin' is Believin'" de Billy "The Kid" Emerson durante las sesiones de Rough and Rowdy Ways . Como explicó el baterista Matt Chamberlain en una entrevista, "Dylan podría tener como un punto de referencia para un ritmo o una sensación y luego simplemente tocaremos eso. Y luego comenzará a tratar de cantar sobre eso, y luego se sube al piano y agrega algunos acordes adicionales y vamos a trabajar en el arreglo, y lo siguiente que sabemos es que hemos rastreado la canción".

Dylan se refirió a "False Prophet" como una de las tres "cosas estructurales de 12 compases" en Rough and Rowdy Ways (las otras dos son " Goodbye Jimmy Reed " y " Crossing the Rubicon ") mientras elogiaba al guitarrista Charlie Sexton en una entrevista con Douglas . Brinkley que apareció en The New York Times . Esto implica que Sexton es el guitarrista principal de la canción, que presenta un toque de guitarra eléctrica colorido pero sutil y un casi solo durante el outro. La canción se interpreta en la tonalidad de do mayor .

Temas
El historiador y latinista de la Universidad de Harvard, Richard F. Thomas , ha analizado la letra de "False Prophet" en relación con la antigüedad clásica , lo que influye más abiertamente en otras canciones de Rough and Rowdy Ways (especialmente " Mother of Muses " y " Crossing the Rubicon "). :

Él ve las líneas "Soy el primero entre iguales, insuperable" como una referencia a que Augusto César está "orgulloso de su afirmación de ser 'primero entre iguales', lo que confirma la ficción de que el sistema de la antigua Roma, en realidad, era una monarquía. , todavía era una república, eso es difícil de mantener, entonces como ahora".

Él ve las líneas "Último de los mejores, puedes enterrar al resto / Enterrarlos desnudos con su plata y oro" como una referencia a "lo que sucedió a lo largo de veinte años de la guerra civil romana, iniciada cuando Julio César cruzó el Rubicón en enero del 49 a.C.: hacia el año 30, Augusto, 'último de los mejores', enterró a Antonio , como Antonio y él enterraron a Bruto y Casio , todos ellos enterraron a Julio César, y César enterró a Pompeyo ”.

Él ve las líneas "Extiende tu mano, no hay nada que sostener / Abre tu boca, la rellenaré con oro" como una referencia a los espeluznantes asesinatos de al menos dos generales romanos ( Manius Aquillius y Cassius Dio ) que " se informó que murieron al tener la boca llena de oro".

Liberar
La canción fue lanzada inesperadamente en el canal de YouTube de Dylan el 8 de mayo de 2020, tres semanas después del lanzamiento sigiloso del sencillo anterior de Dylan " I Contain Multitudes " y seis semanas después del lanzamiento sigiloso de " Murder Most Foul ". único. El video de YouTube consiste en la canción acompañada de una espantosa imagen fija, que recuerda a las portadas de las revistas pulp , de un esqueleto vestido con un esmoquin y un sombrero de copa que lleva una caja envuelta para regalo en una mano y una jeringa en la otra.  Una sombra en la pared detrás de este "esqueleto dandy" forma la forma de un hombre que cuelga de una soga. Algunos comentaristas, incluido el dylanólogo AJ WebermanSintió que el peinado con flequillo que se ve en el contorno de la sombra estaba destinado a parecerse a Donald Trump , lo que influyó en la forma en que interpretaron la canción.

El lanzamiento del sencillo había sido objeto de burlas varias horas antes de su estreno por una actualización de estado en la cuenta oficial de Twitter de Dylan que presentaba la obra de arte y una cita de la letra: "¿Qué estás mirando? No hay nada que ver". Esta obra de arte, una versión modificada de la portada de una revista real ( The Shadow # 96 ), también se incluyó más tarde en una de las carátulas internas del lanzamiento de vinilo de Rough and Rowdy Ways . Aunque no se acredita a ningún artista, el estilo visual es similar a las serigrafías que Dylan creó para su exposición "Arte revisionista" en 2013.

Respuesta crítica
El crítico de NME Mark Beaumont, al revisar la canción el 8 de mayo de 2020, antes del lanzamiento de Rough and Rowdy Ways , la interpretó como una astuta auto-indagación sobre la personalidad de Bob Dylan : "Si hay un toque de autobiografía, Dylan está claramente orgulloso de su trabajo después de más de 50 años en el juego, asumiendo la bravuconería previa al combate de un boxeador ("Soy el primero entre iguales, insuperable / El último de los mejores, puedes enterrar al resto") y asintiendo a la larga -tradición de protesta en pie, resumió: 'Canto canciones de amor, canto canciones de traición', gruñe, 'no recuerdo cuándo nací y olvido cuándo morí'". Beaumont también predijo que, basándose en la fuerza de esta actuación, el "próximo álbum de Dylan será un punto culminante al final de su carrera".

Escribiendo en Albumism , donde la canción se incluyó en la columna "Nueva música que amamos" del sitio, Sarah Paolantonio escribió que "el ritmo traqueteante y las frases que riman funcionan sin esfuerzo como un vehículo para un hombre al que le encanta contar historias y contar cuentos" y elogió La interpretación vocal de Dylan, señalando que su "profundo acento oxidado ha envejecido perfectamente" para el género de blues eléctrico.

Spectrum Culture incluyó la canción en una lista de "Las 20 mejores canciones de Bob Dylan de los años 10 y más allá".

Vídeo musical
Aunque la totalidad de Rough and Rowdy Ways se lanzó en línea de forma gratuita a través del canal oficial de YouTube de Bob Dylan , "False Prophet" fue la única canción para la que se hizo un video musical oficial . Este "video con letra", que presenta una animación y una tipografía minimalistas basadas en la obra de arte previa al lanzamiento del álbum, debutó el 22 de junio de 2020, tres días después de que el resto del álbum estuviera disponible para su transmisión.

Referencias culturales
La canción contiene varias citas y paráfrasis de la traducción de Normandi Ellis del Libro egipcio de los muertos , incluidas las líneas "Otro día de ira, amargura y duda" y "Abrí mi corazón al mundo y el mundo entró".

El sexto verso de la canción comienza con la línea "He buscado el Santo Grial en todo el mundo". Según la leyenda artúrica , el Santo Grial es la copa de la que bebió Jesús durante la Última Cena , aunque la frase también ha llegado a referirse de manera más general a cualquier "objeto esquivo o meta que se busca por su gran significado". Curiosamente, la línea también es extremadamente cercana a algo que Dylan afirma haberle dicho a Rubin "Hurricane" Carter con respecto a su agenda de giras en una entrevista para la película de 2019 Rolling Thunder Revue: A Bob Dylan Story de Martin Scorsese.: "Yo diría, 'Huracán, estoy buscando el santo grial. Voy a buscar hasta encontrarlo, como Sir Galahad '".

La frase "Subí una montaña de espadas con los pies descalzos" es una referencia a un koan zen ("Debes escalar una montaña de espadas con los pies descalzos") que apareció por primera vez en la colección de koan del siglo XIII The Gateless Barrier compilada por Wumen. Huikai .

El verso "La ciudad de Dios está allí sobre el monte" es una alusión a un pasaje del Evangelio de Mateo : "Vosotros sois la luz del mundo. Una ciudad asentada sobre un monte no se puede ocultar ".

Actuaciones en vivo
"False Prophet" recibió su debut en vivo en el Riverside Theatre en Milwaukee, Wisconsin el 2 de noviembre de 2021, el primer concierto de Dylan's Rough and Rowdy Ways World Wide Tour .

I've Made Up My Mind to Give Myself to You

"I've Made Up My Mind to Give Myself to You"  es una canción escrita e interpretada por el cantautor estadounidense Bob Dylan y lanzada como la cuarta pista de su álbum de 2020 Rough and Rowdy Ways . La canción se interpreta en compás de 6/8 y tiene una melodía melodiosa que ha provocado que algunos críticos la comparen con una "canción de cuna".

Es la única canción del álbum que presenta un solo de guitarra y una de las dos únicas canciones (la otra es " Key West (Philosopher Pirate) ") que presenta coros.

Composición y grabación
La melodía básica que se escucha en los versos de la canción se basa estrechamente en la barcarola de Jacques Offenbach " Belle nuit, ô nuit d'amour " de su ópera Tales of Hoffmann de 1881, pero la melodía vocal que canta Dylan sobre ella es original y él También se ha añadido un puente. (La famosa barcarola de Offenbach también ha servido de inspiración para otras canciones populares, como "Tonight is So Right For Love", que Elvis Presley cantó en la película GI Blues de 1960 , y "Please Don't Go" de 1968. , que presenta letras en inglés de Les Reed y Jackie Rae . ) En total, la canción tiene seis versos cantados, tres puentes cantados y un puente instrumental.

Los coros masculinos tarareados, raros en una grabación de estudio de Dylan, han sido descritos por un crítico como proporcionando "la voz de Dylan con un hermoso y suave lecho de plumas, que recuerda al canturreo tranquilo de los Jordanaires detrás de Elvis en " How Great Thou Art ". Algunos críticos han identificado erróneamente la parte inusual de guitarra eléctrica de percusión de Blake Mills como alguien que toca los tambores de acero o la marimba . La estudiosa de Dylan, Laura Tenschert, argumentó sobre el "Proceso episodio de Definitivamente Dylanpodcast que el solo de guitarra rudimentario tocado durante el puente instrumental de la canción probablemente fue tocado por el mismo Dylan. La canción se interpreta en la tonalidad de re mayor .

Temas
Si bien los críticos han sido casi unánimes al afirmar que la "devoción" es el tema de la canción, ha habido diversas interpretaciones sobre quién o qué es el objeto de la canción (el narrador en primera persona solo se refiere a él como "tú"). Muchos ven "He tomado la decisión de entregarme a ti" como una balada romántica de amor dirigida a un individuo específico: Augustus Welby la llama "la canción de amor más verdadera que puedas encontrar", y varios otros críticos la han visto de manera similar como una canción de amor clásica en la línea de " Make You Feel My Love " de Dylan de 1997. Pero Chris Willman, escribiendo en Variety, plantea la posibilidad de que la canción pueda verse como una "carta de amor" a los propios fanáticos de Dylan, citando las líneas "Me estoy entregando a ti, soy, de Salt Lake City a Birmingham / De East LA a San Antone, No creo que pueda soportar pasar mi vida solo" como posiblemente dirigido a "cualquiera que haya asistido a la gira interminable ". Aún otros críticos ven la canción como si tuviera un aspecto espiritual: Paul Haney de Glide , por ejemplo, interpreta líneas sobre "el evangelio del amor" y espera que "los dioses sean fáciles conmigo" como una indicación de que la canción podría ser sobre Dylan dedicándose a un poder superior.

Recepción
Amanda Petrusich , en su reseña de Rough and Rowdy Ways en el New Yorker , ha citado la canción como su favorita del álbum. Ella lo caracteriza como una "balada suave sobre resignarse deliberadamente al amor y sus demandas" y señala que, si bien "no es la canción más rica o más complicada del álbum", su "evocación de un cierto tipo de melancolía de la hora dorada" lo hace eminentemente re-escuchable.

En un ensayo sobre Rough and Rowdy Ways en su libro Outtakes on Bob Dylan , Michael Gray también nombró "I've Made My Mind to Give Myself to You" como su canción favorita del álbum. Le da crédito a la voz de Dylan por la forma en que "mantiene una gama tan amplia de sentimientos a lo largo de la canción" y a la letra por "toques tan dulces, agudos y específicos" como la forma en que Dylan yuxtapone la frase "Estoy sentado en mi terraza". (la palabra "terraza", señala Gray, "envuelve terra, como en terra firma") con "lost in the stars" en la primera línea.

Spectrum Culture incluyó la canción en una lista de "Las 20 mejores canciones de Bob Dylan de los años 10 y más allá". En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Jacob Nierenberg describió la canción de la siguiente manera: "Valsante y como un himno, suena más cerca de los estándares pop en los que Dylan pasó gran parte de esta década dando su giro que de su mezcla habitual de blues y folk; el los coros son íntimos y profundamente conmovedores, al igual que los de Dylan, tanto que se siente como si estuviera sosteniendo en sus brazos a la misma persona a la que le está cantando . ser lo más desprevenido y romántico que ha cantado desde ' Sara '”.

Drew Warrick, escribiendo sobre la pista en The Michigan Daily , afirma que Dylan "no ha sonado tan agudo en décadas", llamando a su voz "un canturreo cavernoso que se eleva con afecto genuino" y señalando que la " fase Sinatra " de Dylan, en la que pasó años cantando estándares pop tradicionales en vivo y en el estudio, había "valido la pena". Un crítico del personal de Mojo estuvo de acuerdo, describiendo la canción como "hermosa" y elogiando "la vulnerable voz principal" por ser "una refutación del mito de que Dylan ya no puede tocar la melodía pura".

La cantante de Fiery Furnaces , Eleanor Friedberger , la citó como su canción favorita de Dylan en un artículo de The Guardian de 2021 en el que escribió: "Dylan escribe canciones de amor románticas y súper hermosas. Esta es una canción de viaje, y él hace algo que yo he robado y menciona nombres de lugares específicos, lo que lo hace real e identificable. No pensamos en Dylan como vulnerable, pero él se pone en la línea. Está cansado del mundo, y su pronunciación es tan lánguida a medida que alarga las palabras. tenía casi 80 años, e hizo un disco tan bueno como los que hizo décadas atrás".

El crítico de NJArts Jay Lustig la identificó como su canción favorita en Rough and Rowdy Ways , calificándola como una de las "canciones de amor más hermosas" de Dylan. Un artículo de 2021 en Inside of Knoxville la incluyó como una de las "25 mejores canciones de Dylan de los últimos 25 años".

La actriz y cantante Rita Wilson incluyó la canción en una lista de reproducción de Spotify de sus canciones románticas favoritas de Bob Dylan cuando promocionaba su sencillo "I Wanna Kiss Bob Dylan".

Referencias culturales
La línea "Si tuviera las alas de una paloma blanca como la nieve" es probablemente una referencia a la línea de apertura casi idéntica de la canción country / gospel de Bob Ferguson " Wings of a Dove ", famosamente cantada en cámara por Robert Duvall en su interpretación ganadora del Premio de la Academia en la película Tender Mercies de 1983 .

Actuaciones en vivo
"I've Made My Mind to Give Myself to You" recibió su debut en vivo en el Riverside Theatre en Milwaukee, Wisconsin el 2 de noviembre de 2021, el primer concierto de Dylan's Rough and Rowdy Ways World Wide Tour .

Goodbye Jimmy Reed

" Goodbye Jimmy Reed " es una canción de blues uptempo escrita e interpretada por el cantautor estadounidense Bob Dylan y lanzada como la sexta pista de su álbum de 2020 Rough and Rowdy Ways . Un tributo al gigante del blues Jimmy Reed , la canción ha sido elogiada por los críticos por ser el número más estridente en un álbum que de otro modo predominaría por canciones más tranquilas, de tempo lento a medio, y por letras juguetonas que deliberadamente yuxtaponer "lo sagrado y lo profano".

Es la única canción del álbum en la que Dylan toca la armónica y su primera actuación de este tipo en un estudio desde que grabó "The Christmas Blues" para su álbum Christmas in the Heart en 2009.

Fondo y composición
Dylan ha admirado durante mucho tiempo a Jimmy Reed , versionando " Baby What You Want Me to Do " durante las sesiones de Infidels en 1983 (un descarte se lanzó oficialmente en The Bootleg Series Vol. 16: Springtime in New York 1980–1985 en 2021) y nuevamente con Tom Petty and the Heartbreakers durante los ensayos de Farm Aid en 1985 (se conserva una grabación de video); y tocó " Bright Lights, Big City " a dúo con Eric Clapton en un concierto en vivo en la ciudad de Nueva York en 1999. La música de "Goodbye Jimmy Reed", sin embargo, está más cerca de la propia producción de Dylan de mediados de la década de 1960. , la canción ""Leopard-Skin Pill-Box Hat " en particular, que cualquier cosa que Reed haya grabado alguna vez. El estudioso de Dylan, Tony Attwood, señala que la canción comienza con una introducción de guitarra eléctrica que tiene solo "tres tiempos de duración" (es decir, más corta de lo que uno esperar de una canción tradicional de rhythm and blues ) y que este compás "inesperado" de tres tiempos continúa ocurriendo como un cambio entre cada verso de la canción. La canción se interpreta en la tonalidad de La mayor .

Líricamente, "Goodbye Jimmy Reed" es similar a las canciones anteriores de Dylan " Blind Willie McTell " y " High Water (For Charley Patton) " en el sentido de que rinde homenaje indirectamente al cantante titular de blues. Aparte del estribillo "Goodbye Jimmy Reed", solo hay dos referencias abiertas a Reed en la canción: la línea "No tenía nada con lo que pelear sino un gancho de carnicero" alude al tiempo que Reed trabajó en la planta empacadora de carne Armour en Chicago . , y la línea "¿No me oyes llamar desde Virginia?" se refiere al álbum de Reed de 1969 Down in Virginia(con una canción del mismo título escrita por su esposa Mary Lee Reed). La letra se destaca por mezclar referencias a la religión ("Porque tuyo es el reino, el poder y la gloria / Ve a contarlo en la montaña, ve a contar la verdadera historia") con insinuaciones sexuales ("Mujer transparente en un vestido transparente / Trajes bien, debo confesarlo") y doble sentido ("Te romperé las uvas / Te chuparé el jugo").  Dylan puede haber tenido la intención de que estas yuxtaposiciones fueran un comentario sobre la dicotomía "sábado por la noche versus domingo por la mañana" entre el blues y el género que es su pariente más cercano: la música gospel .

Recepción crítica
Escribiendo en The New York Times , el historiador Douglas Brinkley calificó la canción como un "espectáculo de alto octanaje" que honra a Reed con "riffs de armónica feroces como dragones y letras obscenas". La crítica Ann-Margaret Daniel, en una reseña de Rough and Rowdy Ways en Hot Press , señaló que la canción es "un hola juguetón, glorioso y booging, más que un adiós". Rob Sheffield de Rolling Stone lo llamó un " pisotón de blues crudo" en el que Dylan demuestra ser "un maestro de la sincronización cómica". El estudioso de Dylan, Stephen Scobie, escribió en un ensayo en línea que uno "podría escribir un libro de texto completo sobre patología sexual" basado en tres líneas de la canción (que incluyen "No puedo reproducir el disco porque mi aguja se atascó", que Scobie interpreta como una metáfora de la impotencia), y afirmó que, de todas las canciones del álbum, "esta es la que más pide ser desatada en la actuación en vivo".

En la edición de 2022 de su libro Bob Dylan All the Songs: The Story Behind Every Track , los autores Philippe Margotin y Jean-Michel Guesdon califican la canción como "un excelente 'blues shuffle'" y afirman que se acerca al "espíritu" de Jimmy Reed a través de "toque de guitarra preciso, un sonido bastante claro, un ritmo con un ritmo comunicativo y algunas breves intervenciones en la armónica".

Un artículo de 2022 en Ultimate Classic Rock identificó la canción como la mejor de Rough and Rowdy Ways : "Si no escuchaste nada más en el álbum que 'Goodbye Jimmy Reed', un tributo con los pies al difunto guitarrista de blues, te salir con un conocimiento inevitable: Dylan, en su década 80 de vida y 60 de hacer música, todavía lo tiene".

Reconocimientos
En una lista que ha circulado ampliamente en línea, el expresidente Barack Obama nombró a "Goodbye Jimmy Reed" como una de sus canciones favoritas de 2020. El personal de World Cafe de NPR también la incluyó en una lista de reproducción del "Mejores canciones de 2020". Era la única canción de Rough and Rowdy Ways en cualquiera de las listas.

Referencias culturales
Dos letras de la canción se refieren a himnos del siglo XIX: "Dame esa religión de antaño, es justo lo que necesito" es una referencia a la canción de gospel tradicional, " Religión de antaño " (con su coro repetido de "Dame esa religión de antaño"), y "Ve a contarlo en la montaña, ve a contar la verdadera historia" se refiere al espiritual afroamericano " Ve a contarlo en la montaña ".

La línea "Porque tuyo es el reino, el poder y la gloria" es una cita del Padrenuestro .

En un ensayo en línea, Niall Brennan argumentó que la canción en realidad está repleta de referencias ocultas a la vida y carrera del amigo de Dylan, Van Morrison . Cita, como ejemplos, la línea de apertura de la canción ("Vivo en una calle que lleva el nombre de un santo"), que aparentemente hace eco de una oración en la biografía de Johnny Rogan de 2005, Van Morrison: No Surrender : "Todos los católicos fueron a escuelas llamadas después de que los santos y los protestantes fueran a escuelas con nombres de calles"; así como el uso de la palabra "Proddy", un término despectivo para un protestante como lo denominan los católicos irlandeses.

La erudita de Dylan, Laura Tenschert, ha señalado otra fuente decididamente no estadounidense para una de las letras: "Dios esté contigo, hermano querido / Si no te importa que te pregunte qué te trae por aquí". es una paráfrasis cercana de un par de líneas del Acto 2, Escena 2 de Les Femmes Savantes de Molière (traducido por Richard Wilbur ).

Actuaciones en vivo
"Goodbye Jimmy Reed" recibió su debut en vivo en el Riverside Theatre en Milwaukee, Wisconsin el 2 de noviembre de 2021, el primer concierto de Dylan's Rough and Rowdy Ways World Wide Tour .

Crossing the Rubicon

" Crossing the Rubicon " es una canción escrita e interpretada por el cantautor estadounidense Bob Dylan y lanzada como la octava pista de su álbum de 2020 Rough and Rowdy Ways . Es un blues eléctrico lento con letras que hacen referencia en gran medida a la antigüedad clásica y, en particular, a la vida de Julio César .

Fondo y composición
Hacer alusiones y apropiarse de frases de la literatura y las culturas de la Antigua Grecia y la Antigua Roma ha sido una parte importante del proceso de composición de canciones de Dylan en el siglo XXI (comenzando con una sola cita de la Eneida de Virgil en su canción de 2001 " Lonesome Day Blues " de Amor y robo ). Estas referencias, tal como las registró el historiador y latinista de Harvard Richard F. Thomas en su libro de 2017 Why Bob Dylan Matters , se han vuelto más frecuentes y prominentes en las canciones originales de Dylan a lo largo del tiempo, culminando con Rough and Rowdy Ways presenta dos canciones que usan la antigüedad clásica explícitamente como sus temas (como lo demuestran sus títulos): " Mother of Muses " y "Crossing the Rubicon". Probablemente fue intencional por parte de Dylan que estas dos canciones se secuenciaran una al lado de la otra en el álbum.

Musicalmente, "Crossing the Rubicon" se asemeja a las canciones de blues anteriores de Dylan "Million Miles"  de Time Out of Mind de 1997 , y "Cry a While" de Love and Theft de 2001 . En la edición de 2022 de su libro Bob Dylan All the Songs: The Story Behind Every Track , los autores Philippe Margotin y Jean-Michel Guesdon afirman que la canción "sigue los pasos de Jimmy Reed y John Lee Hooker ", pero tenga en cuenta que tiene "letra bastante inusual para este estilo musical". La ​​canción se interpreta en la tonalidad de do mayor .

Temas
La expresión " cruzar el Rubicón " es una metáfora que significa "dar un paso irrevocable que lo comprometa a un rumbo específico". La frase tiene su origen en la decisión de Julio César de cruzar el río Rubicón en el 49 a. C., trayendo sus tropas de la Galia a Italia y comenzando una guerra civil de cinco años que terminó con la República Romana y comenzó el Imperio Romano . La decisión selló el futuro político de César, ya que fue declarado "dictador vitalicio" al final de la guerra. En la canción, Dylan parece usar el estribillo "Y crucé el Rubicón" tanto en sentido figurado como literal (es decir, está cantando en primera persona como César).Rough and Rowdy Ways también mencionan identificarse con o ser César: " Mi propia versión de ti " ("Elijo un número entre uno y dos / Y me pregunto qué haría Julio César") y " Key West (Filósofo Pirata) " ("Tengo mi mano derecha en alto con el pulgar hacia abajo").

La primera línea de la canción ("Crucé el Rubicón el día 14 del mes más peligroso del año") es interesante porque no hace referencia al día en que César cruzó el río Rubicón (que fue el 10 de enero). sino más bien, según Richard F. Thomas , el día 14 de "lo que para Julio César fue enfáticamente el mes más peligroso, marzo, cuyos idus por supuesto cayeron al día siguiente, el día de su muerte". Thomas ve esta referencia al asesinato de César como significativa porque posiciona a "Crossing the Rubicon" como la primera canción de "la tríada épica final del álbum, cada una basada en el asesinato político": Julio César (44 a. C.) en "Crossing the Rubicon ",y John F. Kennedy (1963) en " Murder Most Foul " (con " Mother of Muses " cumpliendo la importante función estructural de ser la "invocación épica" a esta tríada).

Recepción crítica
Carl Wilson , escribiendo en Slate , calificó la canción como "un número diss-track/battle-rap/crawling-kingsnake en el que, como varias veces aquí, Dylan se imagina a sí mismo como un pavoneándose de un antiguo general romano, prometiendo, 'Haré que tu esposa una viuda / Nunca verás la vejez'". Chris Willman de Variety también comparó la canción con el hip-hop, llamándola " Every Grain of Sand " y "gangsta rap" por la forma en que alterna entre jactancias asesinas y observaciones espirituales como "Siento el Espíritu Santo adentro". , mira la luz que da la libertad / creo que está al alcance de todo hombre que vive". Anne Margaret Daniel, escribiendo en Hot Press , llama a la "Key West (Philosopher Pirate) " "mi sección favorita de Rough and Rowdy Ways . Si el disco fuera la construcción de un poema épico, diría que estos son mis libros favoritos. Ambas son canciones largas, que cuentan historias, dan y reciben, prometen y amenazan, advierten y, sin embargo, reconfortan".

Spectrum Culture incluyó la canción en una lista de "Las 20 mejores canciones de Bob Dylan de los años 10 y más allá". En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Pat Padua observa que la referencia del título a pasar un punto de no retorno parece hacerse eco del título del documental de DA Pennebaker de 1967 sobre Dylan Dont Look Back.. Padua señala que, si bien la película funciona como un "perfil de una joven estrella en la cúspide de su fama, la resonancia aquí, cuando es 'más oscuro antes del amanecer', es la de un anciano que mira hacia atrás a su arrogancia juvenil y se da cuenta de que es hora para pagar sus cuotas. Así que las visiones bíblicas de Dylan aparecen en casi todos los versos: "purgatorio", "cielo y tierra". voz como la de un viejo bluesman country preocupado por la vida turbulenta que ha llevado".

Un artículo de WhatCulture de 2021 sobre las "10 canciones de Bob Dylan más subestimadas" colocó a "Crossing the Rubicon" en el puesto n. ° 9, y señaló que el cantante "no ha sido tan ágil en el micrófono durante muchos años, tal vez desde ' Stuck Inside of Mobile ' -era ensalada de palabras Dylan. Adopta posturas, lanza amenazas, evoca imágenes violentas y suena como si se estuviera divirtiendo mucho haciéndolo". Un artículo de 2021 en Inside of Knoxville la incluyó como una de las "25 mejores canciones de Dylan de los últimos 25 años".

Referencias culturales
El segundo verso describe el Rubicón como el "Río rojo... más rojo que la sangre que brota de la rosa". Richard F. Thomas ve esto como una referencia a un verso del poeta latino Lucan quien, antes de ser forzado a suicidarse por Nerón , escribió: "El río rojo brillante Rubicón fluye desde un modesto manantial a través del fondo de un valle, valles, dividiendo Galia de tierras italianas". Thomas cree que el "enrojecimiento" descrito tanto por Lucan como por Dylan es una referencia poética a las aguas ensangrentadas por la guerra civil después de que Julio César cruzara el Rubicón .

La línea "Pinté mi vagón: abandoné toda esperanza y crucé el Rubicón" yuxtapone con humor una referencia al musical del oeste de Lerner y Loewe de 1951 Paint Your Wagon con una línea frecuentemente citada del Infierno de Dante . Anne Margaret Daniel pregunta quién sino Dylan uniría dos de esas referencias y llama al resultado "francamente multitudinario".

La penúltima línea de la canción, "La escarcha asesina está en el suelo y las hojas de otoño se han ido", hace referencia a la canción de 1946 " Hojas de otoño ", que Dylan grabó para su álbum de 2015 Shadows in the Night y que posteriormente se convirtió en su versión más reproducida . canción del mundo.

Actuaciones en vivo
El debut en vivo de "Crossing the Rubicon" tuvo lugar en el Teatro Federal de Arizona en Phoenix, Arizona, el 3 de marzo de 2022, el primer espectáculo de la segunda etapa de la gira mundial Rough and Rowdy Ways de Dylan .  En un artículo de Rolling Stone , Andy Greene vio esta interpretación de una canción sobre "una sangrienta guerra civil" mientras Dylan posiblemente comentaba sobre la "guerra en curso entre Rusia y Ucrania".

Murder Most Foul

«Murder Most Foul» es un sencillo del músico estadounidense Bob Dylan, publicado el 27 de marzo de 2020. La canción aborda el asesinato de John F. Kennedy en el contexto de la historia política y cultural estadounidense. En un comunicado publicado con la canción, Dylan indicó que "Murder Most Foul" era un regalo a sus seguidores por su apoyo y lealtad a lo largo de los años, algo visto por algunos críticos dentro del contexto de la pandemia provocada por la Covid-19. «Murder Most Foul» se convirtió en la primera canción de Dylan en alcanzar el primer puesto en una lista de Billboard.

Publicación
La canción fue lanzada inesperadamente el 27 de marzo de 2020 en el canal de YouTube del músico. Su lanzamiento supuso la primera canción original de Dylan en ocho años, desde el lanzamiento de Tempest en 2012. Con casi diecisiete minutos de duración, es la canción más larga del catálogo de Dylan, superando «Highlands», que dura 16 minutos y 31 segundos.

Queen

Queen es una banda británica de rock formada en 1970 en Londres, integrada por el cantante y pianista Freddie Mercury, el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor. El bajista John Deacon llegaría un año después al grupo para completar la formación clásica. Sus primeros trabajos estuvieron influenciados por el rock progresivo, el hard rock y el heavy metal, pero la banda se aventuró gradualmente en trabajos más convencionales y amigables con la radio incorporando más estilos, como arena rock y pop rock.

Antes de formar Queen, May y Taylor habían tocado juntos en la banda Smile. Mercury se apego a la banda y los animó a experimentar con técnicas escénicas y de grabación más elaboradas. Se unió en 1970 y sugirió el nombre de «Queen». Deacon fue reclutado en febrero de 1971, antes de que la banda lanzara su álbum debut homónimo en 1973. Queen apareció por primera vez en las listas de éxitos del Reino Unido con su segundo álbum, Queen II, en 1974. Sheer Heart Attack más tarde ese año y A Night at the Opera en 1975 trajeron ellos el éxito internacional. Este último presentó «Bohemian Rhapsody», que se mantuvo en el número uno en el Reino Unido durante nueve semanas y ayudó a popularizar el formato de video musical.

El álbum de 1977 de la banda, News of the World, contenía «We Will Rock You» y «We Are the Champions», que se han convertido en himnos en los eventos deportivos. A principios de la década de 1980, Queen era una de las bandas de arena rock más importantes del mundo. «Another One Bites the Dust» de The Game (1980) se convirtió en su sencillo más vendido, mientras que su álbum recopilatorio de 1981 Greatest Hits es uno de los álbum más vendido a nivel mundial con más de 50 millones de copias y en el Reino Unido es el álbum más vendido con más de 7 millones de copias y está certificado nueve veces platino en los EE. UU. Su actuación en el concierto Live Aid de 1985 está clasificada entre las mejores de la historia del rock por varias publicaciones. En agosto de 1986, Mercury dio su última actuación con Queen en Knebworth, Inglaterra. En 1991 murió de bronconeumonía, una complicación del sida. Deacon se retiró en 1997. Desde 2004, May y Taylor han realizado giras como «Queen +», con los vocalistas Paul Rodgers y Adam Lambert.

Queen ha tenido una presencia global en la cultura popular durante más de cinco décadas. Las estimaciones de sus ventas de discos oscilan entre 250 y 300 millones, lo que los convierte en uno de los artistas musicales con más ventas del mundo. En 1990, Queen recibió el Brit Award por su destacada contribución a la música británica. Fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2001, y como cada miembro había compuesto sencillos exitosos, los cuatro fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En 2005 recibieron el Premio Ivor Novello a la Colección de Canciones Destacadas de la British Academy of Songwriters, Composers and Authors, y en 2018 recibieron el premio Grammy Lifetime Achievement Award.

Historia

Fundaciones (1967-1971)
Los miembros fundadores de Queen se reunieron en el oeste de Londres a fines de la década de 1960. El guitarrista Brian May había construido su propia guitarra con su padre en 1963 y formó el grupo 1984 —llamado así por la novela de Orwell— al año siguiente con el cantante Tim Staffell. May dejó el grupo a principios de 1968 para concentrarse en su licenciatura en Física y Astronomía Infrarroja en el Imperial College y encontrar un grupo que pudiera escribir material original. Formó el grupo Smile con Staffell —ahora toca el bajo— y el teclista Chris Smith. Para completar la formación, May colocó un anuncio en un tablón de anuncios de la universidad para un baterista «tipo Mitch Mitchell/Ginger Baker»; Roger Taylor, un joven estudiante de odontología, hizo una audición y consiguió el puesto. Smith dejó el grupo a principios de 1969, inmediatamente antes de un concierto en el Royal Albert Hall con Free y Bonzo Dog Doo-Dah Band.

Mientras asistía a Ealing Art College en el oeste de Londres, Staffell se hizo amigo de su compañero de estudios Freddie Bulsara, que era de Zanzíbar y de ascendencia india parsi. Bulsara había estudiado diseño de moda durante un año antes de cambiarse a artes gráficas y diseño8 y pronto se convirtió en una entusiasta fan de Smile. Preguntó si podía unirse al grupo como cantante principal, pero May sintió que Staffell no renunciaría a ese papel. También dirigió un puesto en Kensington Market con Taylor.

En 1970, Staffell dejó Smile, sintiendo que sus intereses en el soul y el R&B chocaban con el sonido de hard rock del grupo y estaba harto de la falta de éxito. Formó el grupo Humpy Bong con el exbaterista de Bee Gees, Colin Petersen. Los miembros restantes aceptaron a Bulsara como cantante principal y reclutaron al amigo de Taylor, Mike Grose, como bajista. Los cuatro dieron su primer concierto en un evento de recaudación de fondos en Truro el 27 de junio de 1970. Bulsara sugirió que el grupo debería cambiar el nombre a «Queen». Los demás no estaban seguros al principio, pero él dijo: «Es maravilloso, querida, a la gente le encantará». Al mismo tiempo, decidió cambiar su apellido a Mercury, inspirado en la frase «Madre Mercury, mira lo que me han hecho» en la canción «My Fairy King». El grupo tocó en su primer concierto en Londres el 18 de julio. El conjunto inicial consistió en material que luego aparecería en los dos primeros álbumes, junto con varias versiones de rock and roll, como «Please Don't Tease» de Cliff Richard and the Shadows. Atrajeron la atención del productor John Anthony, quien estaba interesado en el sonido del grupo pero pensó que tenían al bajista equivocado. Después de tres conciertos en vivo, Mike Grose decidió no continuar con la banda y fue reemplazado por Barry Mitchell (ex Crushed Butler) en el bajo. Mitchell tocó trece conciertos con Queen entre agosto de 1970 y enero de 1971. A su vez, Barry Mitchell se fue en enero de 1971 y fue reemplazado por Doug Bogie en dos conciertos en vivo.

Queen y Queen II (1971-1972)
En febrero de 1971, John Deacon se unió a Queen. Además de ser un bajista experimentado, su comportamiento tranquilo complementaba a la banda y era experto en electrónica. El 2 de julio, Queen tocó en su primer show con la formación clásica de Mercury, May, Taylor y Deacon en una universidad de Surrey en las afueras de Londres. May llamó a Terry Yeadon, un ingeniero de los estudios Pye donde había grabado Smile, para ver si sabía a dónde podría ir Queen. Desde entonces, Yeadon se había mudado a las nuevas instalaciones de De Lane Lea Studios en Wembley, y necesitaban un grupo para probar el equipo y las salas de grabación. Intentó preguntarles a The Kinks pero no pudo comunicarse con ellos. Por lo tanto, le dijo a Queen que podían grabar algunos demos a cambio de las pruebas acústicas del estudio. Grabaron cinco de sus propias canciones, «Liar», «Keep Yourself Alive», «Great King Rat», «The Night Comes Down» y «Jesus». Durante la grabación, John Anthony visitó a la banda con Roy Thomas Baker. Los dos se enamoraron de «Keep Yourself Alive» y comenzaron a promocionar la banda en varias compañías discográficas.

El promotor Ken Testi logró atraer el interés de Charisma Records, quienes le ofrecieron a Queen un anticipo de alrededor de £25.000, pero el grupo lo rechazó al darse cuenta de que el sello promocionaría a Genesis como una prioridad. Luego, Testi entró en conversaciones con Norman Sheffield de Trident Studios, quien le ofreció a la banda un contrato de administración bajo Neptune Productions, una subsidiaria de Trident, para administrar la banda y permitirles usar sus instalaciones, mientras la administración buscaba un trato. Esto convenía a ambas partes, ya que Trident se estaba expandiendo a la gestión y, según el acuerdo, Queen pudo hacer uso de las instalaciones de grabación de alta tecnología utilizadas por los músicos contratados. Más tarde, Taylor describió estas primeras horas de estudio fuera de las horas pico como «polvo de oro».

Queen comenzó 1972 con un concierto en Bedford College, Londres, donde solo aparecieron seis personas. Después de algunos shows más, detuvieron las presentaciones en vivo durante ocho meses para trabajar en el álbum con Anthony y Baker. Durante las sesiones en Trident, vieron a David Bowie con Spiders From Mars en vivo y se dieron cuenta de que necesitaban tener un impacto con el álbum, de lo contrario se quedarían atrás. Los coproductores Anthony y Baker inicialmente chocaron con la banda —May en particular— sobre la dirección del álbum, lo que aprovechó la inexperiencia de la banda en el estudio. La lucha de la banda se centró en sus esfuerzos por integrar la perfección técnica con la realidad de las presentaciones en vivo, lo que llevó a lo que Baker denominó «sobreproducción de fregadero de cocina». El álbum resultante fue una mezcla de heavy metal y rock progresivo. El grupo no estaba contento con la regrabación de «The Night Comes Down», por lo que el álbum terminado usa la demostración de De Lane Lea. Otra pista, «Mad the Swine», se eliminó del orden de ejecución después de que la banda y Baker no pudieran ponerse de acuerdo sobre una mezcla. Mike Stone creó la mezcla final de «Keep Yourself Alive», y continuaría trabajando en varios otros álbumes de Queen. En enero de 1972, la banda terminó de grabar su álbum debut, pero aún no había conseguido un contrato discográfico. Para atraer el interés de las compañías discográficas, Trident reservó un concierto de «exhibición» el 6 de noviembre en The Pheasantry, seguido de un espectáculo en el Marquee Club el 20 de diciembre.

Queen promocionó el álbum inédito en febrero de 1973 en BBC Radio 1, aún sin firmar. Al mes siguiente, Trident logró llegar a un acuerdo con EMI Records. «Keep Yourself Alive» fue lanzado como sencillo el 6 de julio, y el álbum Queen apareció una semana después. La portada mostraba una toma de Mercury en vivo en el escenario tomada por el amigo de Taylor, Douglass Puddifoot. Deacon fue acreditado como «Deacon John», mientras que Taylor usó su nombre completo, Roger Meddows-Taylor. El álbum fue bien recibido por la crítica; Gordon Fletcher de Rolling Stone lo calificó de «excelente», y el Daily Herald de Chicago lo calificó como un «debut por encima del promedio». Sin embargo, atrajo poca atención de la corriente principal y «Keep Yourself Alive» se vendió mal. Retrospectivamente, se cita como lo más destacado del álbum, y en 2008 Rolling Stone la clasificó en el puesto 31 en las «100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos», y la describió como «un álbum completo de riffs metidos en una sola canción».32 El álbum fue certificado oro en el Reino Unido y los Estados Unidos.

Contrato con Trident (1972)
Aún sin un sello discográfico que les respaldara, el conjunto comenzó a frustrarse por la falta de progreso. Sin embargo, a principios de 1972, el sello Chrysalis Records les ofreció un contrato. La compañía se mostró muy interesada en firmar con Queen, pero el grupo decidió rechazar la oferta considerando que los términos no los beneficiaban. En esa época mucho personal de producción pasaba por el estudio De Lane Lea verificando las conexiones, realizando pruebas de calidad del sonido, etc. Dos ingenieros del Trident Wardour Street Studio, Roy Thomas Baker y John Anthony, vieron al grupo de casualidad y Anthony quedó impresionado con el sonido, reconociendo inmediatamente a Taylor y May, ya que él había producido su sencillo «Earth» en la época de Smile. Ellos persuadieron a sus empleados, Barry y Norman Sheffield, para que investigaran al grupo. Después de que Barry Sheffield contemplase la excentricidad de Freddie Mercury y la destacada actuación en vivo en el Forest Hill Hospital Dance, decidieron que Queen tenía que firmar con Trident lo más pronto posible. Sin embargo, el grupo consideró que el contrato que le ofrecía Trident tenía términos que no les convencían. Sin embargo, tras un concierto en el Pheasanty de Kings Road, a finales del año 1972, Queen firmó. El contrato que hizo Trident se dividía en tres acuerdos distintos: derechos de publicación, contrato de grabación y contrato de representación.

Tras firmar, Trident le ofreció al grupo un nuevo sistema de grabación y nuevos instrumentos. Brian May optó por conservar su guitarra casera. Llamaron a Jack Nelson como gerente, quien ya había dado consejos a Norman Sheffield en el pasado. Nelson llegó a mostrar las cintas de los demos de Queen a EMI, pero la negociación no funcionó. A pesar de que no había aparecido ninguna empresa para distribuir el futuro disco de Queen, el conjunto entró a los Trident Studios de los hermanos Sheffield para grabar su primer álbum a lo largo de la segunda mitad de 1972, contando además como productores con Roy Thomas Baker y John Anthony. Sin embargo, solo se les concedió aquellos espacios de tiempo en los que nadie se encontraba grabando, sobre todo en horas de la madrugada o la mañana, dando como resultado grabaciones producidas de manera casual. En otro estudio del complejo de Trident, Robin Cable estaba interpretando «I Can Hear Music», una canción de The Beach Boys. Cable le ofreció a Mercury grabar esa canción, lo cual hizo. Cuando terminaron de grabar el tema, Cable llamó a Taylor y May para que agregasen pistas de batería y guitarra. Mercury también interpretó «Goin' Back», un clásico de Dusty Springfield. Ambas se publicarían en un sencillo al año siguiente con Mercury bajo el seudónimo de Larry Lurex, pero el corte tuvo muy baja difusión. En septiembre, Trident acordó pagarle a Queen, así hubieran o no editado el álbum, cosa que sucedió. Para noviembre de 1972, el disco se había terminado de grabar, pero faltaba que Trident lo ubicara en alguna discográfica.

La primera obra: Queen (1973)

Llegado el año 1973, un ejecutivo de la compañía EMI, Roy Fetherstone, se encontraba en el Festival de MIDEM, celebrado en el sur de Francia. Allí mismo apareció Jack Nelson, que le hizo escuchar una cinta de Queen que llamó enseguida la atención de Fetherstone. Nelson le mintió diciéndole que varias casas discográficas estaban interesadas en el grupo. Acto seguido, Fetherstone envió un telegrama vía Trident para pedir que el grupo no firmase con nadie más. Al regresar Fetherstone, todo se puso en marcha para que Queen firmase el contrato. Un primer acuerdo fue rechazado, porque Trident reclamaba más dinero. Las negociaciones seguían sin concretarse, hasta que en marzo de 1973, Queen se dirigió a las oficinas de EMI para pactar finalmente un contrato de grabación. A continuación, Jack Nelson organizó un concierto en el Marquee, para así presentarles al director general de Elektra Records, Jack Holsten. Allí el conjunto firmó con Elektra para que el sello distribuyera sus trabajos en Estados Unidos.

En mayo de 1973, la discográfica EMI editó el disco, aunque el lanzamiento no se produjo hasta el 13 de julio. Taylor quería que el álbum se llamara Top Fax, Pix and Info, y también habían pensado Deary Me, pero finalmente fue denominado Queen. Fue un álbum muy influenciado por el heavy metal y rock progresivo de la época. La producción de la contratapa es un collage de fotos. Los miembros de Queen habían llamado a sus amigos para que en torno a Mercury, seleccionaran las mejores imágenes. Mercury y May pasaron algunas semanas pegando fotografías. Respecto a la portada del álbum, quién realizó la captura fue el fotógrafo Doug Puddifoot, que también había tomado muchas imágenes usadas en el collage. La portada tiene a Freddie Mercury en el escenario con su característico micrófono. El efecto púrpura se logró tan solo colocando un celuloide de dicho color en la lente de la cámara. El disco también traía la cita «En este álbum no se han usado sintetizadores». Este aviso fue puesto principalmente porque mucha gente confundía algunos efectos especiales de la guitarra en capas de Brian May con un sintetizador.

Fue en general bien recibido por los críticos. Gordon Fletcher de Rolling Stone dijo: «Su álbum debut es excelente», el Daily Herald de Chicago lo llamó: «Un debut por encima del promedio» y Greg Prato de Allmusic lo mencionó como: «Uno de los debuts de hard rock más subvalorados de todos los tiempos». Sin embargo, no llamó mucho la atención y el sencillo principal «Keep Yourself Alive», una composición de Brian May, vendió pobremente. El corte había sido rechazado por varias emisoras y solo Radio Luxemburgo le brindó acogida. Al poco tiempo de emitirse el disco, Queen comenzó a hacer pequeñas giras. Si bien el álbum no entró en el Top 10 de Reino Unido, la banda consiguió llamar la atención de nuevos fanáticos. Esto los motivó a entrar de nuevo en el estudio de grabación en agosto de 1973. Además, recibieron la noticia de que el grupo de moda en ese momento, Mott the Hoople, quería que hicieran de teloneros de sus espectáculos por el Reino Unido. La gira se realizó entre octubre y diciembre de 1973. El álbum alcanzó el puesto n.º 83 en los Estados Unidos.