Cold Irons Bound

" Cold Irons Bound " es una canción ganadora de un premio Grammy escrita por Bob Dylan , grabada en enero de 1997 y lanzada el 30 de septiembre de 1997 como la octava pista de su álbum Time Out of Mind . La canción fue producida por Daniel Lanois .

Fondo y composición
Dylan se inspiró para escribir la canción en el estudio después de escuchar al baterista David Kemper , que había llegado temprano un día, tocando un ritmo inusual. Como explicó Kemper en una entrevista con Uncut :

Escuché este disco disco con un ritmo cubano, y cuando llegué al estudio, me senté en la batería y disminuí el ritmo, lo puse al revés, y solo estaba tocando, y no había nadie allí. No se esperaba a nadie durante media hora. Así que estaba tocando este ritmo de batería, y luego Bob se coló detrás de mí y dijo: "¿Qué estás tocando?" Le dije: "Hola Bob, ¿cómo estás hoy?" Él dijo: "No, no pares, sigue jugando, ¿qué estás jugando?" Dije: "Es un ritmo, lo estoy escribiendo ahora mismo". "No lo detengas. Sigue haciéndolo". Y fue y tomó un bloc de papel amarillo y se sentó al lado de los tambores, y simplemente comenzó a escribir. Y escribió durante unos diez minutos, y luego dijo: "¿Recordarás eso?". Y dije, sí, lo tengo. Y luego dijo, está bien, entren todos,

Bueno, me lo metí en la cabeza, y para entonces todos habían llegado y sintonizado. Y toma uno, se acercó al micrófono, y "Empiezo a escuchar voces, y no hay nadie alrededor". Y creo que hicimos dos tomas, y luego dijo: "Muy bien, pasemos a otra cosa". Recuerdo que Daniel Lanois no estaba contento; no le gustó Fue uno de sus incidentes de rotura de guitarra. Nos dijo a Tony Garnier y a mí: "El mundo no quiere otra melodía de dos notas de Bob". Y rompió una guitarra. Así que pensé, bueno, ahí va mi oportunidad de estar en este disco. La próxima vez que vi a Daniel fue en los [Grammys] porque habíamos actuado esa noche, y de repente, la interpretación vocal masculina del año vino de esa canción, la que Dan estaba convencido de que no incluiría en el disco.

La canción se interpreta en la tonalidad de si bemol mayor .

Recepción crítica
Oliver Trager describe "Cold Irons Bound" como "mordaz" con "licks de guitarra que rebotan, tambores rockabilly , órgano distorsionado y [una] voz flotando en un dirigible de su propio eco", en el que "aún se puede escuchar, parafraseando". Visions of Johanna ", el fantasma de la electricidad aullando desde los huesos del rostro de Dylan..."  Michael Gray también describe esta canción en detalle:

"También hay una tensión interesante en 'Cold Irons Bound', tal vez más precisamente una inadecuación interesante entre, por un lado, la ventisca electrónica de la música y el eco frío de un hangar de aviones de la voz que lamenta su estancia en un planeta letal -campos amarronados, cielo descendiendo con nubes de sangre, vientos que pueden desgarrarte, brumas como arenas movedizas- y del otro lado la búsqueda recurrentemente declarada de la ternura, en frases que parecen importadas de otra conciencia... Es decididamente extraño de escuchar, arrojado contra los vientos raspantes de Lanois medio desgarrándonos en pedazos, sentimientos tan obstinadamente "románticos" como

Encontré mi mundo, encontré mi mundo en ti
o
Mirándote y estoy de rodillas
o
Traté de amarte y protegerte
y escuchar una vieja voz tan agotada y defensivamente sombría articular el pensamiento de que
Voy a recordar para siempre la alegría que hemos compartido.  "

Spectrum Culture incluyó la canción en una lista de las "20 mejores canciones de los 90 de Bob Dylan". En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Kevin Korber argumentó que la canción es más interesante por la música y la producción atmosférica de Lanois que por la letra de Dylan: "'Cold Irons Bound' es el ur-ejemplo de lo que Daniel Lanois podría hacer con Dylan, una colaboración que empezó allá por Oh Mercy pero llegó en plena forma a Time Out of Mind. En contraste con los sonidos claros y comprimidos con los que Dylan comenzó la década, 'Irons' es increíblemente turbio, un blues cargado de eco que suena completamente desvinculado de este plano de existencia. La voz de Dylan, en este punto más débil y espinosa de lo que había sido en su apogeo, podría haberse perdido en el éter del estudio, pero en cambio suena embrujada, una canción espectral de un reino más allá del nuestro".

Un artículo de Consequence de 2021 que clasifica los 15 mejores álbumes de Dylan colocó a Time Out of Mind en el séptimo lugar y citó a "Cold Irons Bound" como lo más destacado. El crítico Matt Melis escribió que era "un álbum agitado, angustioso y paranoico, y en ninguna parte esas emociones se registran de manera más tangible que en 'Cold Irons Bound'. En medio de una percusión impulsiva y un eco de blues de caminos de tierra, Dylan no logra cuadrar un amor y obsesión con la que simplemente no se puede razonar. Esto no es un adiós entre lágrimas y un galope hacia la puesta del sol; este es un curso de colisión que un hombre desesperado y roto parece incapaz de evitar. Como gran parte del giro de Dylan. trabajo del siglo pasado, aquí no se puede encontrar ningún compromiso. Las heridas son profundas, el dolor es insoportable y cualquier posible consuelo se lo lleva el viento".

Otras versiones
Dylan interpretó la canción en julio de 2002 para una secuencia de concierto en la película Masked and Anonymous . Esta versión fue lanzada en el álbum de la banda sonora de la película en julio de 2003. También aparece en forma de video en el DVD adicional incluido en la versión de edición limitada del álbum Modern Times de Dylan de 2006 . Charlie Sexton , que tocó en esta versión de la canción, calificó el arreglo de Dylan como "simplemente increíble". The Big Issue colocó a los Enmascarados y Anónimos versión en el puesto 46 en una lista de 2021 de las "80 mejores canciones de Bob Dylan, que no son los grandes éxitos". Un artículo que acompaña a la lista señaló que "la película desconcertante que Dylan escribió y protagonizó ... entregó algunas actuaciones en vivo, incluida esta versión de la pista Time Out of Mind ".

Una versión de concierto, grabada en Los Ángeles el 16 de diciembre de 1997, apareció en varios lanzamientos de sencillos de " Love Sick " en 1998, así como en la compilación Live 1961-2000: Thirty-Nine Years of Great Concert Performances , lanzada en Japón. en 2001. En la edición de lujo de Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989–2006 (2008) se incluye una actuación del 11 de junio de 2004 del Bonnaroo Music Festival en Manchester, Tennessee .

En la cultura popular
La versión de estudio original de Dylan de la canción, así como una versión de Tom Verlaine de Television , se destacan en I'm Not There , la poco convencional película biográfica de Dylan de 2007 de Todd Haynes .

Actuaciones en vivo
Bob Dylan interpretó "Cold Irons Bound" 423 veces en el Never Ending Tour entre 1997 y 2011. El debut en vivo se produjo en el Humphrey Coliseum de Starkville, Mississippi, el 24 de octubre de 1997 y la última actuación (hasta la fecha) tuvo lugar en Braehead Arena en Glasgow, Escocia, el 9 de octubre de 2011.

"Love and Theft"

"Love and Theft" es el álbum de estudio número 31 del cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzado el 11 de septiembre de 2001 por Columbia Records . Contó con el respaldo de su banda de gira de la época, con el tecladista Augie Meyers agregado para las sesiones . Alcanzó el puesto No. 5 en el Billboard 200 y ha sido certificado Oro por la RIAA . Un lanzamiento de edición limitada incluyó dos bonus tracks en un disco separado grabado a principios de la década de 1960, y dos años más tarde, el 16 de septiembre de 2003, este álbum se remezcló con sonido envolvente 5.1.y se convirtió en uno de los 15 títulos de Dylan reeditados y remasterizados para reproducción SACD .

Antecedentes y grabación
Love and Theft fue el primer álbum que Dylan grabó con su banda de gira Never Ending Tour . Esta es una tendencia que continuaría con sus siguientes ocho álbumes de estudio. El guitarrista y multiinstrumentista Larry Campbell recuerda que Dylan le mostró los cambios de acordes de la nueva canción " Po' Boy " poco después de que la banda grabara la canción original de Dylan ganadora del Oscar " Things Have Changed " en 1999: "Eran cambios relativamente sofisticados para una canción de Bob Dylan. Ese fue el primer indicio de cómo podría ser el material: tomar elementos de la era del jazz y agregarle una sensibilidad popular".

David Kemper , el baterista de Dylan en ese momento, describió en una entrevista cómo el sonido de Love and Theft surgió de las lecciones que la banda había aprendido de Dylan: "No me di cuenta de que en realidad nos dirigíamos a alguna parte. No era lo suficientemente inteligente como para darme cuenta". : estás en la Escuela de Bob. Pero cuando entramos a grabar Love And Theft, me di cuenta entonces, porque las influencias eran realmente muy antiguas en ese disco. Proviene de la América muy temprana, allá por el cambio de siglo y la década de 1920. Y no todos en la banda estaban familiarizados con ese estilo de tocar. Y sé que las canciones que traería serían estos asombrosos ejemplos de la cultura americana temprana. Nadie que yo conozca sabe tanto sobre la música estadounidense como Bob Dylan. Pasó mucho tiempo tratando de entender y recolectando estas canciones, fue como un recurso que nunca se detiene. Siempre se le ocurrían estas canciones o artistas de los que nunca había oído hablar. Y luego, cuando entramos y grabamos Love And Theftfue como, oh Dios mío, nos ha estado enseñando esta música, no literalmente estas canciones, sino estos estilos. Y como banda, estamos familiarizados con cada uno de estos. Por eso podíamos cortar una canción al día  y el disco estaba hecho".

Como indicó Kemper, las doce canciones de "Love and Theft" se grabaron en solo 12 días en mayo de 2001 en Clinton Recording en Midtown Manhattan . Las sesiones de grabación se destacaron por su espontaneidad. Según el ingeniero Chris Shaw, “Lo que me sorprendió fue lo rápido que Dylan abandonaba un arreglo cuando estaba trabajando. Él decía: '¿Cuál es el tempo? Hagámoslo en F y bajemos el tempo y hagámoslo como una melodía de swing occidental, y quiero que el baterista toque las escobillas, no la batería.' Y de repente la canción era completamente diferente. Nada estaba escrito en piedra hasta que encontró esa clave, tempo y estilo que encajaban con esa voz y esa letra”.

Por su parte, Dylan se interesó en trabajar con Chris Shaw cuando escuchó que Shaw había comenzado con los primeros discos de Public Enemy . Dylan elogió el trabajo de Shaw como ingeniero durante una conferencia de prensa en Roma para promocionar "Love and Theft" en 2001: después de quejarse de que los productores anteriores habían estropeado la grabación de su voz, se le preguntó si sentía que era difícil de grabar. su voz en el estudio. Dylan hizo referencia a Shaw cuando respondió: "No lo creo. En este disco en particular teníamos a un joven que sabía cómo hacerlo". Posteriormente, Dylan emplearía a Shaw para diseñar y mezclar sus álbumes Modern Times (2006) y Rough and Rowdy Ways .(2020), así como varias pistas que no pertenecen al álbum.

Contenido
El álbum continuó el regreso artístico de Dylan después de Time Out of Mind de 1997 y recibió una recepción aún más entusiasta. El título del álbum aparentemente se inspiró en el libro del historiador Eric Lott Love & Theft: Blackface Minstrelsy and the American Working Class, que se publicó en 1993. " Love and Theft se convierte en sus Fables of the Reconstruction " , tomando prestado el título de un álbum de REM . ", escribe Greg Kot en el Chicago Tribune (publicado el 11 de septiembre de 2001), "los mitos, misterios y folclore del sur como telón de fondo para uno de los mejores álbumes de rock de raíces jamás realizados".

La pista de apertura, "Tweedle Dee & Tweedle Dum", incluye muchas referencias a los desfiles en Mardi Gras en Nueva Orleans, donde los participantes están enmascarados y "decididos a recorrer todo el camino" de la ruta del desfile, a pesar de estar intoxicado. "Llega como una tormenta, los tambores galopan sobre el horizonte al alcance del oído, los riffs de guitarra cortan con destreza concisa mientras se desarrolla una historia sobre un par de vagabundos", escribe Kot. "Termina en muerte y prepara el escenario para un álbum poblado por pícaros, estafadores, marginados, apostadores, pistoleros y forajidos, muchos de ellos sin nada que perder, algunos de ellos locos, todos ellos esencialmente estadounidenses.

Son el tipo de personajes retorcidos e instantáneamente memorables que uno encuentra en los westerns de John Ford , las road novels de Jack Kerouac , pero, sobre todo, en las canciones de blues y country de los años veinte, treinta y cuarenta. Este es un recorrido por la música estadounidense (jump blues, blues lento, rockabilly, baladas de Tin Pan Alley , Country Swing) que evoca la expansión, el fatalismo y el humor subversivo del texto sagrado de Dylan, la Antología de la música folclórica estadounidense de Harry Everett Smith , la voces pre-rock de Hank Williams, Charley Patton y Johnnie Ray , entre otros, y el humor ultraseco de Groucho Marx .

Cuando Dylan le ofreció la canción, Sheryl Crow luego grabó una versión up-tempo de " Mississippi " para The Globe Sessions , lanzada en 1998, antes de que Dylan la volviera a interpretar para Love and Theft . Posteriormente, las Dixie Chicks lo convirtieron en un pilar de sus giras Top of the World , Vote for Change y Accidents & Accusations .

Como señala el crítico musical Tim Riley , "el canto de Dylan en Love and Theft cambia ingeniosamente entre humilde e irónico... 'No soy tan genial ni tan indulgente como parezco', canta en 'Floater', que es hilarante o aterrador, y probablemente un poco de ambos".

" Love and Theft es, como implica el título, una especie de homenaje", escribe Kot, " y nunca más que en ' High Water (for Charley Patton )', en la que Dylan dibuja un amplio retrato de la raza racial del Sur". historia, con el anónimo cantante de blues como símbolo de la riqueza cultural de la región y las arraigadas crueldades sociales. El retumbar de los tambores y los gemidos de los coros sugieren que las cosas van de mal en peor. "Es difícil ahí fuera", dice Dylan con voz ronca. .' La muerte y la demencia ensombrecen el disco, atemperadas por la ternura y el perverso humor negro".

"' Po' Boy ', compuesta para guitarra con patrones de jazz de acordes lounge, 'casi suena como si hubiera sido grabada alrededor de 1920'", dice Riley. "Te deja colgando al final de cada puente, deja que la banda puntúe el rastro de palabras que ha metido en sus líneas, lo que le da un encanto reacio".

El álbum se cierra con " Sugar Baby ", una balada larga, parecida a un canto fúnebre, destacada por su imaginería evocadora y apocalíptica y su escasa producción empapada de eco. Elogiándolo como "un final del que estar orgulloso", Riley señala que "Sugar Baby" está "basado en un riff encantadoramente simple que se vuelve aprensivo".

En una entrevista de Rolling Stone con Mikal Gilmore , el propio Dylan resumió los temas del álbum como "negocios, política y guerra, y tal vez un interés amoroso".

Lanzamiento y promoción
Aunque no se lanzaron sencillos del álbum, Dylan apareció en un comercial de 30 segundos con la canción "Tweedle Dee & Tweedle Dum" que apareció en línea el 28 de agosto de 2001 y en las cadenas de televisión a partir del 3 de septiembre de 2001. El anuncio, dirigida por Kinka Usher , muestra a Dylan en un tenso juego de póquer con el mago Ricky Jay y el escritor de Dharma & Greg , Eddie Gorodetsky . El escenario de póquer fue idea de Dylan y, según Usher, solo le hizo una petición al director: "Él dijo: 'Sabes, simplemente no quiero que sea corporativo'. Y le aseguré que no estaba iba a hacer eso, lo iba a rodar como una pequeña película. Sé que está muy contento con él".

Dylan también accedió a lo que, para él, fue una cantidad inusual de entrevistas con la prensa para promocionar el álbum. El 23 de julio de 2001 participó en una conferencia de prensa en el Hotel de la Ville de Roma con reporteros de Austria, Gran Bretaña, Dinamarca, Finlandia, Alemania, Holanda, Italia, Noruega, Suecia y Suiza.  También fue entrevistado por Edna Gundersen para USA Today , Robert Hilburn para Los Angeles Times  y Mikal Gilmore para Rolling Stone .Todas estas entrevistas aparecieron poco antes o poco después del lanzamiento del álbum el 11 de septiembre de 2001.

Embalaje
La portada del álbum presenta una fotografía en blanco y negro de Dylan, luciendo un bigote delgado como un lápiz, que fue tomada en el estudio por Kevin Mazur. La contraportada presenta un retrato en blanco y negro de Dylan tomado por el fotógrafo David Gahr . Mazur también tomó la foto de la portada interior del álbum de Dylan y la banda Love and Theft (incluido el organista Augie Meyers ). La dirección de arte del álbum se atribuye a Geoff Gans.

Recepción y legado
El álbum ganó el Premio Grammy al Mejor Álbum Folclórico Contemporáneo en la 44ª Entrega Anual de los Premios Grammy . Fue nominado a Álbum del año y la canción "Honest with Me" fue nominada a Mejor interpretación vocal masculina de rock .

En una brillante reseña de su columna "Guía del consumidor" publicada por The Village Voice , Robert Christgau escribió: "Si Time Out of Mind fuera su álbum de muerte, no lo fue, pero ya sabes cómo habla la gente, este es su álbum de inmortalidad". Más tarde, cuando The Village Voice realizó su encuesta anual de críticos Pazz & Jop , Love and Theft encabezó la lista, el tercer álbum de Dylan en lograrlo. También encabezó la lista de Rolling Stone . Que incluyó a Love and Theft como uno de los mejores 50 álbumes de 2001. Kludge lo clasificó en el número ocho en su lista de mejores álbumes de 2001.

En 2003, el álbum ocupó el puesto 467 en los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone , subió al número 385 en la actualización de 2012 y cayó al número 411 en la actualización de 2020 de la lista. La ​​revista Newsweek lo declaró el segundo mejor álbum de su década. En 2009, la revista Glide lo clasificó como el álbum número uno de la década. Entertainment Weekly lo puso en su lista de "lo mejor de" de finales de la década, diciendo: "El predecible e impredecible poeta del rock recibió el nuevo milenio con un clásico instantáneo campechano y bluesero".

En una lista de 2020 de "Los 10 mejores álbumes de Bob Dylan" en la revista Far Out , Love and Theft ocupó el séptimo lugar. Un artículo que acompaña a la lista caracterizó el álbum como uno en el que "Dylan se convierte en un historiador y muestra la música que lo conmueve. Es otro asunto arraigado y que se siente capaz de despertar los fantasmas de la música del pasado por sí solo". Un artículo de 2020 en el sitio web de Ultimate Classic Rock también colocó a Love and Theft en el séptimo lugar en el panteón de Dylan, señalando que "toca como un desván de canciones y temas que Dylan y otros dejaron atrás a lo largo de los años" y que evoca "espíritus musicales desaparecidos hace mucho tiempo del otro cambio de siglo".La revista Glide también colocó a Love and Theft en el séptimo lugar en una lista completa que clasifica todos los álbumes de Dylan, escribiendo que "Dylan aquí atrae a los lectores a través de un grupo de canciones tradicionales estadounidenses" y que "cada canción recupera y renueva un subgénero que influyó en la carrera de Dylan".  Ian O'Riordan, en un artículo de 2021 en el Irish Times , clasificó el álbum en sexto lugar de los 39, elogió la batería de David Kemper y citó " Lonesome Day Blues " como su canción favorita.

Johnny Cash , en una entrevista de 2001 con The New York Times , lo nombró como el mejor álbum de Dylan.

El crítico Jake Cole, en un artículo de Spectrum Culture de 2021 que celebraba el vigésimo aniversario del álbum, se refirió a él como el trabajo más ecléctico de Dylan "desde el rock tormentoso de 'Lonesome Day Blues' hasta el magnífico número lounge de baile lento 'Moonlight', que apunta directamente en la última fase del Great American Songbook de Dylan de la década de 2010. En ese sentido, ' Love and Theft'podría ser lo más cerca que Dylan estuvo de capturar el espíritu de su elogiada gira Rolling Thunder Revue en el estudio. Si ese roadshow se concibió como una forma de hurgar en la tradición popular y alimentarla con algún tipo de revivalismo interpretativo, este álbum codifica ese enfoque en una gira libre de blues, jazz, country y folk, todo envuelto en una forma de rock. tan rústico que incluso el roots rock suena moderno en comparación con él".

Acusaciones de plagio
Love and Theft generó controversia cuando se señalaron algunas similitudes entre la letra del álbum y el libro Confessions of a Yakuza del escritor japonés Junichi Saga . Traducido al inglés por John Bester , el libro es una biografía de uno de los últimos jefes tradicionales de Yakuza en Japón. En el artículo publicado en el Diario, una línea de "Floater" ("No soy tan genial o indulgente como parezco") se remontó a una línea en el libro, que decía "No soy tan genial o indulgente como podría haber sonado". Otra línea de "Floater" es "Mi viejo, es como un señor feudal". Una línea en el primer capítulo del libro dice: "Mi viejo se sentaría allí como un señor feudal". Sin embargo, cuando se le informó de esto, la reacción del autor Saga fue la de haber sido honrado en lugar de abusado por el uso de líneas de su trabajo por parte de Dylan.

Lista de canciones
Todas las canciones escritas y compuestas por Bob Dylan.

 -   1 «Tweedle Dee & Tweedle Dum»   4:46
 -   2 «Mississippi»   5:21
 -   3 «Summer Days»   4:52
 -   4 «Bye and Bye»   3:16
 -   5 «Lonesome Day Blues»   6:05
 -   6 «Floater (Too Much to Ask)»   4:59
 -   7 «High Water (For Charley Patton)»   4:04
 -   8 «Moonlight»   3:23
 -   9 «Honest with Me»   5:49
 - 10 «Po' Boy»   3:05
 - 11 «Cry a While»   5:05
 - 12 «Sugar Baby»   6:40
   
Disco extra (edición limitada)   
   
 -   1 «I Was Young When I Left Home» (Grabada el 22 de diciembre de 1961)   5:24
 -   2 «The Times They Are a-Changin'» (Versión alternativa, grabada el 23 de octubre de 196323​)   2:56
   

Personal
 - Bob Dylan: guitarra, piano y voz
 - Larry Campbell: guitarra, banjo, mandolina y violín
 - Charlie Sexton: guitarra
 - Tony Garnier: bajo
 - Augie Meyers: acordeón, órgano Hammond B3 y órgano Vox
 - David Kemper: percusión
 - Clay Meyers: bongos

Mi Rosalia...

Mississippi

" Mississippi " es una canción country - rock de tempo medio del cantautor estadounidense Bob Dylan que aparece como la segunda pista de su álbum de 2001 Love and Theft . La canción se grabó originalmente durante las sesiones de Time Out of Mind (sesiones de demostración en el otoño de 1996; sesiones oficiales del álbum en enero de 1997), pero finalmente se dejó fuera del álbum. Dylan volvió a grabar la canción de Love and Theft en mayo de 2001.

Descrita por tener belleza y seriedad, la canción presenta una progresión de acordes pop y tiene un riff y un tema lírico similar a " Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again ". Ha sido incluido en antologías en cada reedición de The Essential Bob Dylan desde 2010 y con frecuencia se ubica en las listas de críticos de las mejores canciones de Dylan. Como gran parte de la producción de Dylan del siglo XXI, "Mississippi" fue producida por Dylan bajo el seudónimo de Jack Frost .

Antecedentes y grabación
"Mississippi" fue la última pista grabada para Love and Theft , y según el baterista David Kemper , se agregó casi como una ocurrencia tardía. Como explicó Kemper en una entrevista con la revista Uncut : "Pensamos que habíamos terminado con Love And Theft , y luego un amigo de Bob le pasó una nota y dijo: 'Oh, sí, me olvidé de esto: 'Mississippi'". Y luego hizo un comentario: '¿Alguna vez trajeron la versión que hicimos en las sesiones de Lanois ?' Y ellos dijeron: 'Sí, aquí lo tenemos'. Y él dijo: "Escuchémoslo". Entonces lo pusieron en los parlantes grandes y dije: '¡Maldita sea, suéltalo'! Pero éramos solo Tony Garnier y yo ,no estaba en eso, y Charlie Sexton no estaba en eso. Entonces todos dijimos, 'Espera un minuto. Y Daniel es productor en él. Volvamos a grabarlo'. Así que hicimos nuestra versión".

Dylan ha expresado en múltiples ocasiones su descontento con las versiones grabadas para Time Out of Mind . En declaraciones a Rolling Stone sobre por qué la volvió a grabar para Love and Theft , Dylan dijo: "La canción estaba prácticamente intacta melódica, lírica y estructuralmente, pero Lanois no la vio. Pensó que era vulgar. La quitó. la ruta de la polirritmia afro-percusiones multi rítmicas, ese tipo de cosas. La polirritmia tiene su lugar, pero no funciona para letras con forma de cuchillo que intentan transmitir majestuosidad y heroísmo... En la interpretación que estás escuchando, el bajo está tocando un ritmo de tresillo, y eso se suma a todo el multi ritmo que necesitas, incluso en una canción de tempo lento. Sin embargo, creo que Lanois es un excelente productor ".

Dylan indicó en otra entrevista que sentía que podía volver a grabar la canción precisamente porque las versiones anteriores no se habían filtrado y no circulaban entre los coleccionistas piratas : "Me han criticado por no poner mis mejores canciones en ciertos discos pero es porque Considero que la canción aún no está lista. No ha sido grabada correctamente. Con todos mis discos, queda una gran cantidad de material que, por una variedad de razones, no llega al corte final... Excepto en este álbum, para el que volvimos a grabar la canción 'Mississippi'. Teníamos eso en Time Out Of Mind .álbum. No se grabó muy bien, pero gracias a Dios nunca salió, así que lo volvimos a grabar. Pero algo así nunca hubiera sucedido hace diez años. Probablemente todos habrían escuchado la pésima versión y yo nunca la habría vuelto a grabar. Me alegro por una vez de haber tenido la oportunidad de hacerlo".

La versión Love and Theft de "Mississippi" se interpreta en la tonalidad de do mayor . La ​​grabación es notable por la parte de bajo de Tony Garnier, uno de los pocos casos de una línea de bajo ascendente en todo el catálogo de Dylan (junto con " Like a Rolling Stone ").

Personal
Además de Dylan, la canción cuenta con Larry Campbell en la mandolina y la guitarra slide, Charlie Sexton en la guitarra, Augie Meyers en el órgano, Tony Garnier en el bajo y David Kemper en la batería.

Recepción
Un artículo de USA Today de 2015 que clasificó "todas las canciones de Bob Dylan" colocó a "Mississippi" en primer lugar (justo por delante de " Visions of Johanna " y " Like a Rolling Stone "). Un artículo que acompaña a la lista señaló que todas las mejores canciones de Dylan tratan sobre "esa marcha inexorable hacia el final", pero que Dylan nunca estuvo "tan melancólico por los años desperdiciados, el amor perdido y la soledad como lo está en 'Mississippi'" .

Spectrum Culture la incluyó en una lista de "Las 20 mejores canciones de los años 2000 de Bob Dylan". En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Peter Tabakis escribió que la canción ha sido "examinada, seleccionada, investigada y discutida desde su lanzamiento oficial en ' Love and Theft ' . Algunos insisten en que es simplemente la historia enamorada de un vagabundo descarriado. Otros sugieren una lectura más política, que se remonta a la plaga moral de la esclavitud estadounidense y las contradicciones fundamentales de nuestros Documentos Fundacionales". Tabakis también señaló que "tanto los diletantes como los académicos están de acuerdo en un hecho indiscutible: 'Mississippi' ocupa un lugar destacado como una de las composiciones más complejas, melódicas e impresionantes de Dylan en una carrera repleta de ellos".

En su libro Bob Dylan All the Songs: The Story Behind Every Track , los autores Philippe Margotin y Jean-Michel Guesdon la sintetizan como una canción pesimista contada desde el punto de vista de un narrador "que lamenta haber venido a Mississippi y es prisionero de su propio pasado". Describen el arreglo de Love and Theft como "más country rock" que las versiones que Dylan grabó para Time Out of Mind . También elogian el canto de Dylan como confiado y emotivo y califican el resultado final como "uno de los triunfos de Love and Theft ".

En su libro Bob Dylan, Performing Artist: 1986-1990 and Beyond, Mind Out of Time , el estudioso de Dylan Paul Williams escribe que "'Mississippi' es una canción hermosa y poderosa, una especie de ancla para el álbum. Puedo creer fácilmente que la letra y la melodía pretenden transmitir majestuosidad y heroísmo. La interpretación de la canción por parte de Dylan transmite estos sentimientos con mucho encanto, humor y empatía".

"Mississippi" ocupó el puesto 19 en una lista de Paste de "Las 42 mejores canciones de Bob Dylan". En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Cameron Wade escribió: "Quizás la canción más querida del último regreso de Dylan, 'Mississippi', es Dylan haciendo lo que mejor sabe hacer. Animado por un sonido country recién adoptado y uno de los temas más pegadizos". melodías que ha escrito alguna vez, 'Mississippi' se remonta al clásico Dylan y temas de la música folk: amores perdidos hace mucho tiempo, viajes a través del campo abierto y la figura mítica del vagabundo. Cada línea suena como un dicho popular o un proverbio country que Dylan debe haber recogido a lo largo de las décadas entrecruzando América".

En 2009, Rolling Stone nombró a "Mississippi" como la decimoséptima mejor canción de la década, llamándola "Una canción de amor de vagabundos que parece resumir toda la carrera de Dylan, y un clásico incoherente que se ubica a la altura de ' Tangled Up in Blue ' ". Rolling Stone también incluyó la canción en el puesto n.º 260 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos , en el puesto 4 de su lista de "Las 25 mejores canciones de Bob Dylan del siglo XXI", y en el número 21 en su lista de las "100 mejores canciones de Bob Dylan".

El crítico de Ultimate Classic Rock , Matthew Wilkening, calificó a "Mississippi" como la mejor canción que Dylan grabó entre 1992 y 2011. American Songwriter la incluyó en el puesto 25 en su lista de "las 30 mejores canciones de Bob Dylan".

Un artículo de Guardian de 2021 lo incluyó en una lista de "80 canciones de Bob Dylan que todos deberían conocer".

Stereogum publicó un artículo para coincidir con el 80 cumpleaños de Dylan el 24 de mayo de 2021 en el que se pidió a 80 músicos que nombraran su canción favorita de Dylan. Courtney Marie Andrews seleccionó "Mississippi" y señaló que el "narrador de la canción es a la vez sabio e ingenuo, pero acepta su condición anterior. Ha llegado al otro lado, pero eso no significa que no se arrepienta. Este tipo de la escritura aprovecha de manera brillante las infinitas complejidades de la condición humana. En lo que respecta a la composición de baladas, esta canción pertenece a las baladas folk atemporales como ' Danny Boy ' o " Red River Valley ". Ni siquiera es necesario nombrar su autoría: la canción habla del tiempo".

Actuaciones en vivo
Entre 2001 y 2012, Dylan tocó la canción 76 veces en el Never Ending Tour. El debut en vivo ocurrió en Jackson County Fairgrounds en Central Point, Oregon el 9 de octubre de 2001 y la última actuación (hasta la fecha) tuvo lugar en el Wells Fargo Center en Filadelfia, Pensilvania el 19 de noviembre de 2012.

Otras versiones
Finalmente, se lanzaron tres tomas descartadas de la canción de las sesiones de Time Out of Mind en el álbum pirata "oficial" de Dylan de 2008 Tell Tale Signs: Rare and Unreleased 1989-2006 (dos versiones en los discos generalmente lanzados y una en un disco adicional incluido con el Edición de lujo del álbum). Dos de estos son versiones de banda completa, mientras que uno presenta solo a Dylan y al productor Daniel Lanois en la guitarra.

Bye and Bye

" Bye and Bye " es una canción escrita e interpretada por el cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzada en 2001 como la cuarta pista de su álbum Love and Theft . Como ocurre con la mayor parte de la producción del siglo XXI de Dylan, él mismo produjo la canción bajo el seudónimo de Jack Frost .

Composición y grabación
Musicalmente, "Bye and Bye" es lo que Oliver Trager llama una "balada tranquila y cadenciosa... algo que uno esperaría de Leon Redbone o, de una era anterior, Bing Crosby . Algunos dylanólogos han rastreado la fuente musical de 'Bye and Bye". ' a 'Having Myself a Time', una canción popularizada por Billie Holiday y escrita por Leo Robin y Ralph Rainger ".

Líricamente, sin embargo, "Bye and Bye" parece tener preocupaciones más oscuras. Según Trager nuevamente: "Bye and Bye" lentamente da paso a los sentimientos de un acosador aterrador. Como escribió Richard Harrington en su reseña de The Washington Post del 16 de septiembre de 2001 sobre Love and Theft :

En "Bye and Bye", Dylan canta "El futuro para mí ya pasó / Fuiste mi primer amor, serás el último". Tómalo literalmente y se trata de un deseo obsesivo por una mujer en particular. Pero también se trata de la música de raíces estadounidenses y el aprecio permanente de Dylan por ella, y la inspiración de ella, a lo largo de medio siglo".
La canción está interpretada en clave de La mayor .

Recepción crítica
En su libro Bob Dylan All the Songs: The Story Behind Every Track , los autores Philippe Margotin y Jean-Michel Guesdon discuten la canción en relación con el jazz y la ven como una prefiguración de la exploración de Dylan a mediados de la década de 2010 del Great American Songbook : "Después del rockabilly al estilo del tema anterior " Summer Days ", Dylan revisita el repertorio de jazz con 'Bye and Bye', que fácilmente habría encontrado su lugar en la lista de canciones de Shadows in the Night , lanzado en 2015. Con la voz de un crooner, guitarras swing, ritmo con escobillas, contrabajo y órgano, Dylan y sus músicos crean una pieza soberbia. El compositor siempre ha admirado a Frank Sinatra , y aquí lo demuestra".

Referencias culturales
La línea "Te voy a bautizar en fuego para que no peques más" es una paráfrasis del Evangelio de Mateo , versículo 3:11.

El verso "Ni siquiera estoy familiarizado con mis propios deseos" es una paráfrasis de uno de los versos de Rosalind en el Acto 1, Escena III de Como gustéis de William Shakespeare ( " Suplico a vuestra gracia, permítanme el conocimiento de mi culpa, ten paciencia conmigo: si de mí mismo tengo inteligencia o tengo conocimiento de mis propios deseos, si eso no lo sueño o no estoy frenético, como confío que no lo estoy, entonces, querido tío, nunca tanto como en un pensamiento no nacido Ofendí a su alteza").

El historiador Richard F. Thomas ve la línea "Estableceré mi gobierno a través de la guerra civil" como una referencia a las guerras civiles romanas que provocaron la transición de la república al imperio (con Dylan hablando en primera persona como Julio César ). Las referencias a la Antigua Roma se volverían cada vez más frecuentes en los álbumes posteriores de material original de Dylan.

Actuaciones en vivo
Dylan interpretó la canción por primera vez en vivo en el Wiltern Theatre de Los Ángeles, California, el 17 de octubre de 2002 y la última vez que la interpretó fue exactamente tres años después, el 17 de octubre de 2005, en el Globe Arena de Estocolmo, Suecia . Habiendo tocado la canción solo 78 veces en total, es una de las canciones en vivo menos interpretadas de Love and Theft .

Moonlight

" Moonlight " es una canción escrita e interpretada por el cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzada en 2001 como la octava pista de su álbum Love and Theft . Es una de varias canciones del álbum que hace un guiño al género de balada pop anterior al rock . Como la mayoría de la producción de Dylan del siglo XXI, él mismo produjo la canción bajo el seudónimo de Jack Frost .

Composición y grabación
El estribillo de la canción, "¿No te reunirás conmigo solo a la luz de la luna?"  probablemente se inspiró en la grabación de 1928 de la familia Carter de la canción de Joseph Augustine Wade "Meet Me By the Moonlight", aunque el resto de la letra y la melodía son de Dylan. Según el estudioso de Dylan, Tony Attwood, la canción ve a Dylan "tocando con acordes que rara vez usó antes, acordes del tipo que bien podríamos encontrar en las canciones populares estadounidenses de las décadas de 1920 y 1930".

En una entrevista con la revista Uncut , el ingeniero/mezclador Chris Shaw recordó que la canción fue grabada completamente en vivo en el estudio: "Es realmente hermosa, y creo que la toma que está en el disco es la segunda toma, todo es completamente en vivo. voces y todo, ni una sola sobregrabación, sin edición, todo fluyó a la vez, y fue un momento realmente hermoso". La canción se interpreta en la tonalidad de si bemol mayor .

Recepción
En un artículo de USA Today de 2015 que clasificó "todas las canciones de Bob Dylan", "Moonlight" ocupó el puesto 28 (de 359). Fue la segunda canción mejor calificada de Love and Theft en la lista (solo detrás de Mississippi , que ocupó el primer lugar).

Stephen Thomas Erlewine de AllMusic lallama una "canción antorcha" que es "igualmente cautivadora" que cualquiera de los temas más animados del álbum y señaló que, musicalmente, Dylan "no había sonado tan natural o vital desde que estaba con The Band , y incluso entonces, esos discos nunca fueron tan relajados y fáciles" como este.

Spectrum Culture incluyó la canción en una lista de las 20 mejores canciones de Dylan del siglo XXI. En un artículo que acompaña a la lista, el crítico Kevin Korber observó que aquellos que parecían sorprendidos cuando Dylan se adentró en el Great American Songbook a partir de 2015 con su álbum Shadows in the Night "puede que no hayan escuchado ' Love and Theft'.durante bastante tiempo, o de lo contrario habrían recordado que 'Moonlight' hizo bastante obvia la inevitabilidad de un giro a la izquierda tan artístico. La mayor parte del álbum se siente deliberadamente anticuado, como si Dylan estuviera imbuyendo los géneros y estilos musicales que amaba con una nueva vida, y esto lleva esa idea al extremo. Es una canción de antorcha de jazz, del tipo que habría sido un éxito para cualquier cantante de big band en los años 40. Sin embargo, llamar a 'Moonlight' un tributo directo sería un error; después de todo, ¿cuándo ha sido Bob Dylan realmente sencillo?".

La cantante Maria Muldaur , que conoce a Dylan desde la década de 1960, se inspiró para grabar un álbum completo dedicado a las canciones de amor de Dylan después de escuchar "Moonlight" por primera vez. "Tenía progresiones de melodías tan vibrantes y jazzísticas y letras muy hermosas", dijo en una entrevista con el Arizona Daily Star . "Era muy seductora e increíblemente romántica. Casi sonaba como el tipo de canción que esperarías que Bing Crosby cantara en un balcón en la década de 1930. Cada línea era como una pintura impresionista diferente que pintaba este paisaje idealista y romántico. ".

Referencias culturales
La línea "Doctor, abogado, jefe indio..." es una referencia a una canción de 1945 con ese nombre de Hoagy Carmichael y Paul Francis Webster .

La línea "¿Por quién doblan las campanas..." es una referencia a un famoso poema de John Donne , al que Dylan había hecho referencia previamente en su canción de 1997 " Standing in the Doorway ".

En la cultura popular
La actriz y cantante Rita Wilson hace referencia a la canción en su sencillo de 2020 "I Wanna Kiss Bob Dylan", que incluye las líneas: "¿Serían largos sus besos como sus canciones de seis minutos en Time Out of Mind / I want to kiss Bob Dylan / In una puerta de pie en la luz de la luna".

Actuaciones en vivo
Entre 2001 y 2008, Dylan tocó la canción 101 veces en el Never Ending Tour . Una versión en vivo realizada en Chicago el 7 de marzo de 2004 estuvo disponible para su transmisión en el sitio web oficial de Dylan en marzo de 2004. El debut en vivo ocurrió en Key Arena en Seattle, Washington el 6 de octubre de 2001 y la última presentación (hasta la fecha) tuvo lugar en Brady Theatre en Tulsa, Oklahoma el 27 de agosto de 2008.