Obviously 5 Believers

" Obviamente 5 creyentes " (también conocida como " Obviamente cinco creyentes " ) es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan , que fue lanzada como la última pista de la cara tres de su álbum doble Blonde on Blonde (1966), y fue el lado B del lanzamiento del sencillo " Just Like a Woman " para lanzamientos en Estados Unidos y algunos otros países. La canción fue escrita por Dylan y producida por Bob Johnston. Fue grabado en Columbia Music Row Studios , en las primeras horas de la mañana de una sesión del 9 al 10 de marzo de 1966. Se grabaron cuatro tomas, aunque las dos primeras estaban incompletas. Ha sido interpretado como un blues .canción sobre la soledad, y los críticos notaron similitudes en la melodía y la estructura con " Chauffeur Blues " de Memphis Minnie . La voz de Dylan y la maestría musical de la banda en la pista han recibido elogios de la crítica, aunque los principales comentaristas consideran que la pista es una de las canciones menores de Blonde on Blonde .

En 2010, la canción se incluyó en The Original Mono Recordings . Take 3 se incluyó en la edición de lujo de The Bootleg Series Vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 (2015), y las cuatro tomas se incluyeron en la edición de coleccionista de ese álbum. Dylan interpretó por primera vez "Obviously 5 Believers" en un concierto en vivo en Palm Desert, California, el 15 de mayo de 1995. En total, ha tocado la canción en un concierto 40 veces, la más reciente en 1997.

Antecedentes y grabación
En octubre de 1965, Bob Dylan comenzó las sesiones de grabación de su séptimo álbum de estudio en Nueva York.  Su sexto álbum, Highway 61 Revisited , había sido lanzado el 30 de agosto de ese año. Las sesiones de octubre incluyeron a miembros de los Hawks , con quienes Dylan había estado de gira después de su actuación en el Newport Folk Festival en julio. Sin embargo, después de varias sesiones, Dylan aceptó la sugerencia de su productor Bob Johnston de trasladar la grabación a Nashville. Dos músicos de las sesiones de Nueva York se unieron a las grabaciones de Nashville: Al Kooper y Robbie Robertson . Johnston reunió a los principales músicos de sesión para tocar en las grabaciones. Dylan había producido una versión preliminar de "Obviously 5 Believers" el 7 de marzo.

"Obviously 5 Believers" se grabó en las primeras horas de la mañana de la sesión de Nashville del 9 al 10 de marzo de 1966 con el título provisional "Black Dog Blues". Sean Wilentz siente que la canción está impulsada por la guitarra de Robertson, la armónica de Charlie McCoy y la percusión de Ken Buttrey . Dylan cantó y tocó la guitarra, también acompañado por Kooper (órgano), Wayne Moss (guitarra eléctrica), Hargus "Pig" Robbins (piano) y Henry Strzelecki (bajo eléctrico). Después de un colapso inicial, Dylan se quejó con la banda de que la canción era "muy fácil, hombre" y que no quería dedicarle mucho tiempo.Se grabaron cuatro tomas. La toma 4 se usó como la quinta pista en la cara tres de Blonde on Blonde , Fue la cara B del sencillo de " Just Like a Woman " para lanzamientos en Estados Unidos y algunos otros países. En 2010 se incluyó en The Original Mono Recordings . La toma 3 se incluyó en la edición de lujo de The Bootleg Series Vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 (2015), [20] y las cuatro tomas se incluyeron en la edición de coleccionista de ese álbum.

Composición e interpretación lírica
Philippe Margotin y Jean-Michel Guedson describen "Obviously 5 Believers" como "una canción de amor con blues sobre la soledad". La canción es similar en melodía y estructura a " Chauffeur Blues " de Memphis Minnie , que también fue una inspiración para " Leopardo-Skin Pill-Box Hat " en Blonde on Blonde . En 1995, el autor George White señaló que el arreglo de "Obviously 5 Believers" tiene similitudes con la canción de Bo Diddley "She's Fine, She's Mine", pero el crítico Michael Gray sugiere que esto se debe a que ambas canciones estaban en deuda . a grabaciones de blues anteriores. también pensó que Dylan se basa en modismos de blues anteriores a su descubrimiento del género a mediados de la década de 1950, y señala que tanto "Obviously 5 Believers" como "Pledging My Time" de Blonde on Blonde" tienen letras que comienzan con el "ritual Delta blues invocación de 'temprano en la mañana ". Marqusee, sin embargo, sintió que estas dos composiciones de Dylan estaban "más allá de la categoría". Son composiciones alusivas, repetitivas, irregularmente abstractas que desafían la reducción". Otras imágenes de blues utilizadas en la canción incluyen a una mujer que se ha ido, un perro negro ladrando y una madre que trabaja duro. La canción también tiene a lo que Gill se refiere como "referencias aparentemente arbitrarias a 'quince malabaristas'... y el '

Recepción crítica
Cash Box describió "Obviously 5 Believers" como "unromance rítmico y empapado de blues ". Escribiendo en Crawdaddy! , Paul Williams calificó la canción de "alegre" y elogió las interpretaciones instrumentales y vocales.  Clinton Heylin sintió que cada canción que Dylan grabó en Nashville para Blonde on Blonde dependía de la habilidad de los músicos de respaldo, pero esta canción " dependía totalmente de ellos".

La evaluación de Jon Landau fue que "la voz aquí es verdaderamente el mensaje completo y en este corte estamos escuchando a un artista de blues genuino". El guitarrista Mike Bloomfield citó la actuación de Dylan en la canción como prueba de que era un "buen cantante de blues", a diferencia de muchos otros artistas estadounidenses y británicos de la época que "simplemente escuchaban discos y los imitaban". La canción recibió una calificación de "A" del autor John Nogowski, quien destacó "una de las voces más seguras e imponentes de Dylan". La pista fue descrita por Robert Shelton como "la mejor canción de R&B del álbum", mientras que Gray la descartó como "una pista de relleno ... con una letra repetitiva y mediocre" que se parecía más a una canción de Highway 61 Revisited de Dylan que a Blonde on Blonde . El biógrafo de Dylan, Ian Bell, opinó que "los intentos de Dylan por el blues [en Blonde on Blonde ] se sienten insatisfactorios y superficiales, como si supiera que tiene cosas mejores que hacer y cosas mucho mejores que escribir... 'Obviamente 5 Believers ' es un peso falso".

Actuaciones en vivo
Dylan no tocó la canción en vivo hasta 1995, cuando la estrenó en el Teatro McCallum en Palm Desert, California, el 15 de mayo. La tocó en vivo 39 veces más antes de retirarla después de una actuación en el Charles A. Dana Center, Waltham, Massachusetts, el 12 de abril de 1997.

John Wesley Harding

John Wesley Harding es el octavo álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzado el 27 de diciembre de 1967 por Columbia Records . Producido por Bob Johnston , el álbum marcó el regreso de Dylan a la instrumentación semiacústica y la composición de canciones influenciadas por el folk después de tres álbumes de música rock líricamente abstracta y con influencias del blues . John Wesley Harding comparte muchos hilos estilísticos con la prolífica serie de sesiones de grabación caseras con The Band , y se grabó casi al mismo tiempo que la misma, lanzada en parte en 1975 como The Basement Tapes , y lanzada en forma completa en 2014 como The Bootleg Series Vol. . 11: Las cintas del sótano completas.

John Wesley Harding fue bien recibido por la crítica y vendió bien, alcanzando el número 2 en las listas de Estados Unidos y encabezando las listas del Reino Unido. Menos de tres meses después de su lanzamiento, John Wesley Harding fue certificado oro por la RIAA . " All Along the Watchtower " se convirtió en una de sus canciones más populares después de que se lanzara la interpretación de Jimi Hendrix en el otoño de 1968.

El álbum se incluyó en la "Biblioteca básica de discos" de Robert Christgau de grabaciones de los años 50 y 60, publicado en la Guía de discos de Christgau: Álbumes de rock de los setenta (1981). En 2003, ocupó el puesto 301 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos , pasando al 303 en la versión de 2012 de esa lista, luego al 337 en la versión de 2020. Fue votado como el número 203 en la tercera edición del libro de Colin Larkin All Time Top 1000 Albums (2000).

El álbum lleva el nombre del forajido de Texas John Wesley Hardin , cuyo nombre estaba mal escrito.

Sesiones de grabación
Dylan se puso a trabajar en John Wesley Harding en el otoño de 1967. Para entonces, habían pasado 18 meses desde la finalización de Blonde on Blonde . Después de recuperarse de los peores efectos de su accidente de motocicleta, Dylan pasó una cantidad considerable de tiempo grabando las sesiones informales en el sótano con The Band en West Saugerties, Nueva York . Durante ese tiempo, acumuló una gran cantidad de grabaciones, incluidas muchas composiciones nuevas. Eventualmente presentó casi todas para obtener derechos de autor, pero se negó a incluir ninguna de ellas en su próximo lanzamiento de estudio (Dylan no lanzaría ninguna de esas grabaciones al mercado comercial hasta The Basement Tapes de 1975)., momento en el que algunos de ellos habían sido pirateados, generalmente obtenidos de un conjunto fácil de encontrar de demostraciones del editor). En cambio, Dylan usó un conjunto diferente de canciones para John Wesley Harding .

No se sabe cuándo se escribieron realmente estas canciones, pero ninguna de ellas ha aparecido en las docenas de grabaciones subterráneas que han aparecido desde entonces. Robbie Robertson , el guitarrista y compositor principal de The Band, recordó que "fue una especie de capricho que Bob fue a Nashville . Y allí, con solo un par de muchachos, grabó esas canciones". Esas sesiones tuvieron lugar en el otoño de 1967 y requirieron menos de doce horas en tres períodos en el estudio.

Dylan estaba una vez más grabando con una banda, pero la instrumentación era muy escasa. Durante la mayor parte de la grabación, la sección rítmica del baterista Kenneth A. Buttrey y el bajista Charlie McCoy fueron los únicos que apoyaron a Dylan, quien manejó todas las partes de armónica, guitarra, piano y voz. "No salí intencionalmente con algún tipo de sonido suave", dijo Dylan en 1971. "Me hubiera gustado... más guitarra de acero, más piano. Más música... No me senté y planeé ese sonido".

La primera sesión, celebrada el 17 de octubre en el Estudio A de Columbia, duró solo tres horas, con Dylan grabando tomas maestras de "I Dreamed I Saw St. Augustine", "Drifter's Escape" y "The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest". . Dylan regresó al estudio el 6 de noviembre, grabando tomas maestras de "All Along the Watchtower", "John Wesley Harding", "As I Went Out One Morning", "I Pity the Poor Immigrant" y "I Am a Lonesome Hobo". ". Dylan regresó para una última sesión el 29 de noviembre, completando todo el trabajo restante.

En algún momento entre la segunda y la tercera sesión, Dylan se acercó a Robertson y al teclista/saxofonista Garth Hudson para proporcionar sobregrabaciones en las pistas básicas, pero como recordó Robertson: "Hablamos sobre hacer algunas sobregrabaciones, pero realmente me gustó cuando lo escuché". y realmente no podía pensar bien en sobregrabarlo. Así que terminó saliendo de la forma en que él lo trajo".

Dylan había llegado a Nashville con un conjunto de canciones similares a las composiciones febriles pero concisas que surgieron de The Basement Tapes . Se les daría un sonido austero que él y su productor Bob Johnston pensaron que simpatizaban con su contenido. Johnston recuerda que "se alojaba en el Ramada Inn allí, me tocó sus canciones y sugirió que usáramos el bajo, la guitarra y la batería en el disco. Dije que estaba bien, pero también sugerí que agregáramos una guitarra de acero, que es cómo llegó Pete Drake a estar en ese disco". La sesión final rompió con el statu quo al emplear a Pete Drakeen las dos últimas grabaciones. Cortadas entre las 9 p. m. y las 12 de la noche, "I'll Be Your Baby Tonight" y "Down Along the Cove" serían las únicas dos canciones con la guitarra de acero con pedal ligero de Drake.

John Wesley Harding fue el último LP de Dylan que se publicó simultáneamente en formato monofónico (CL 2804) y estereofónico (CS 9604). A mediados del año siguiente, la mayoría de los LP de Dylan se lanzarían únicamente en estereofónico.

El 1 de noviembre de 2019, Dylan lanzó varias tomas nuevas de este álbum y Nashville Skyline en The Bootleg Series, vol. 15: Viajando a través de 1967–1969.

Embalaje
La fotografía de portada de John Wesley Harding muestra a un Dylan entrecerrando los ojos flanqueado por los hermanos Luxman y Purna Das , dos bengalíes Baul , músicos indios traídos a Woodstock por el manager de Dylan, Albert Grossman . Detrás de Dylan está Charlie Joy, un albañil y carpintero local.

Tras el lanzamiento del álbum, circularon rumores de que los rostros de los Beatles estaban escondidos en la portada en los nudos del árbol. Cuando la revista Rolling Stone se puso en contacto con él en 1968, el fotógrafo de la portada del álbum, John Berg , "reconoció su presencia, pero se mostró reacio a hablar de ello". [10] Sin embargo, en una entrevista de 1995, Berg aclaró que aunque las imágenes parecen parecerse a los Beatles, esto no fue hecho intencionalmente, ni él era consciente del parecido hasta que se le señaló después del lanzamiento del álbum: "Más tarde , recibí una llamada de Rolling Stone Revista en San Francisco. Alguien había descubierto pequeños dibujos de Los Beatles y la mano de Jesús en el tronco del árbol. Bueno, tenía una prueba de la cubierta en mi pared, así que fui y la volteé boca abajo y efectivamente. . . ¡Jajaja! Quiero decir, si quisieras verlo, podrías verlo. Estaba tan asombrado como cualquiera".

La portada del álbum también se destaca por sus notas, escritas por el mismo Dylan. Las notas del transatlántico cuentan la historia de tres reyes y tres personajes (Terry Shute, Frank y la esposa de Frank, Vera), incorporando detalles de las canciones del álbum.

Fechas de lanzamiento
Se han reclamado fechas de lanzamiento contradictorias para John Wesley Harding . Las notas del transatlántico de la caja mono de Dylan establecen el 17 de diciembre de 1967 como la fecha original de lanzamiento. En las notas de portada del undécimo volumen de Dylan Bootleg Series se reproduce un artículo de Al Aronowitz para The New York Times , fechado el 23 de diciembre de 1967, en el que afirma que John Wesley Harding sería lanzado "dentro del próximas dos semanas". Las ediciones de CD originales de las décadas de 1980 y 1990 tienen el año de copyright de 1968. La edición del 20 de enero de Billboard informó sobre la "respuesta de gran éxito" al LP, diciendo: "En las tiendas menos de una semana, se informa que el disco vendió más de 250.000 copias".

En la edición del 3 de febrero de 1968 de Melody Maker , el álbum fue reseñado y anunciado para su lanzamiento en Gran Bretaña el 23 de febrero. Se ubicó por primera vez allí el 2 de marzo, en el número 25, antes de lograr una racha de 13 semanas en el número 1.

El álbum fue relanzado como uno de los 15 títulos de Dylan remasterizados para Hybrid SACD el 16 de septiembre de 2003, y fue reeditado nuevamente como parte de The Original Mono Recordings el 10 de octubre de 2010.

Legado
“Le pedí a Columbia que lo lanzara sin publicidad y sin bombo, porque esta era la temporada del bombo”, dijo Dylan. Clive Davis instó a Dylan a sacar un sencillo, pero incluso entonces Dylan se negó, prefiriendo mantener el perfil discreto del álbum.

En un año en que la psicodelia dominaba la cultura popular, John Wesley Harding , de temática agraria, era visto como reaccionario. El crítico Jon Landau escribió en Crawdaddy! revista, "Para que un álbum de este tipo sea lanzado en medio de Sgt. Pepper , Their Satanic Majesties Request , After Bathing at Baxter's , alguien debe haber tenido mucha confianza en lo que estaba haciendo... Dylan parece no sentir la necesidad de responder a las tendencias predominantes en la música pop. Y él es el único artista pop importante de quien se puede decir esto".

La estatura crítica de John Wesley Harding ha seguido creciendo. Todavía en 2000, Clinton Heylin escribió: " John Wesley Harding sigue siendo uno de los álbumes más perdurables de Dylan. Nunca Dylan había construido un álbum como álbum de manera tan consciente. Acapulco' y 'Clothesline Saga', Dylan logró en menos de seis semanas construir su colección oficial ejecutada con la mayor perfección".

El álbum fue remasterizado y relanzado en 2003 utilizando una nueva tecnología, SACD .

Si bien la leyenda dice que Dylan grabó a John Wesley Harding después de terminar las sesiones de The Basement Tapes con miembros de The Band , varios biógrafos y discógrafos han argumentado que el rollo final de grabaciones en el sótano en realidad es posterior a la primera sesión de John Wesley Harding .

Independientemente de cuándo ocurrió realmente esta sesión, la Banda acompañó a Dylan durante al menos una actuación en los meses posteriores a John Wesley Harding . Después de enterarse del fallecimiento de Woody Guthrie (dos semanas antes de la primera sesión de John Wesley Harding ), Dylan se puso en contacto con Harold Leventhal , el viejo amigo y manager de Guthrie, y extendió una pronta aceptación de cualquier invitación para cualquier espectáculo conmemorativo que pudiera planearse. El memorial se produjo el 20 de enero de 1968, con un par de espectáculos en el Carnegie Hall de Nueva York . Compartiendo cartel con sus contemporáneos folk como Tom Paxton , Judy Collins y el hijo de Guthrie, Arlo ., Dylan dio sus primeras actuaciones públicas en veinte meses, respaldado por The Band (anunciados entonces como los Crackers). Tocaron solo tres canciones ("Grand Coulee Dam", "Dear Mrs. Roosevelt" y " I Ain't Got No Home "), y pasarían otros dieciocho meses antes de que Dylan volviera a actuar en concierto.

Cuando 1967 llegó a su fin, el estilo de vida de Dylan se volvió más estable. Su esposa, Sara, había dado a luz a su hija, Anna, a principios de ese verano. Se había reconciliado con sus padres separados. Una larga negociación de contrato terminó en un nuevo acuerdo lucrativo, lo que le permitió a Dylan quedarse con Columbia Records . Si bien los medios nunca perderían interés, Dylan mantuvo un perfil lo suficientemente bajo como para mantenerlo fuera del centro de atención.

Después de su aparición en el concierto conmemorativo de Woody Guthrie, 1968 vería poca o ninguna actividad musical de Bob Dylan . Sus canciones continuaron siendo una presencia importante, apareciendo en álbumes emblemáticos de Jimi Hendrix , The Byrds y The Band, pero el propio Dylan no lanzaría ni interpretaría música adicional. También hubo muy poca actividad de composición de canciones.

"Un día estaba a medio paso y las luces se apagaron", recordaría Dylan diez años después. "Y desde ese momento, tuve más o menos amnesia... Me tomó mucho tiempo llegar a hacer conscientemente lo que solía hacer inconscientemente".

Por esta época, también hubo cambios importantes en la vida privada de Dylan: su padre murió de un ataque al corazón , lo que llevó a Dylan a regresar a Hibbing para asistir al funeral. Poco después, el 30 de julio de 1968, Sara dio a luz a su tercer hijo, Samuel Isaac Abram.

Listado de canciones
Las duraciones de las pistas citadas aquí son las de la versión remasterizada lanzada el 16 de septiembre de 2003 y relanzada el 1 de junio de 2004. Las versiones anteriores difieren. Todas las canciones están escritas por Bob Dylan .

Lado uno

 -   1.   "John Wesley Harding"   2:58
 -   2.   "As I Went Out One Morning"   2:49
 -   3.   "I Dreamed I Saw St. Augustine"     3:53
 -   4.   "All Along the Watchtower"      2:31
 -   5.   "The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest"     5:35
 -   6.   "Drifter's Escape"   2:52

Lado dos

 -   1.   "Dear Landlord"      3:16
 -   2.   "I Am a Lonesome Hobo"       3:19
 -   3.   "I Pity the Poor Immigrant"          4:12
 -   4.   "The Wicked Messenger"      2:02
 -   5.   "Down Along the Cove"     2:23
 -   6.   "I'll Be Your Baby Tonight"       2:34

Personal
 - Bob Dylan  – guitarra acústica, armónica, piano, voz

músicos adicionales
 - Kenneth A. Buttrey  - batería
 - Pete Drake  : guitarra de pedal de acero en "Down Along the Cove" y "I'll Be Your Baby Tonight"
 - Charlie McCoy  - bajo

Producción y diseño
 - John Berg - foto de portada
 - Charlie Bragg - ingeniería
 - Bob Johnston  – producción

continuación .... John Wesley Harding


John Wesley Harding

«John Wesley Harding» es una canción del músico estadounidense Bob Dylan, publicada en el álbum de estudio homónimo.

Historia
Dylan comentó a Jann Wenner en una entrevista con Rolling Stone en 1969 que la canción «comenzó como una larga balada. Iba a escribir una balada de... quizás como uno de esos viejos vaqueros... ya sabes, una verdadera balada larga. Pero a mitad de la segunda estrofa, me cansé. Tenía una melodía, y no quería gastar la melodía; era una agradable pequeña melodía, de modo que compuse una tercera estrofa y la grabé».​

El biógrafo Clinton Heylin comentó que Dylan había tenido un interés bien documentado en vaqueros forajidos, incluyendo Jesse James y Billy el Niño,​ y en el pasado comentó que su canción popular favorita era «John Hardy», cuyo personaje en la vida real asesinó a otro hombre en 1893 durante un juego.​ John Wesley Harding fue otro forajido de finales del siglo XIX.​ Dylan indicó que escogió a John Wesley Hardin como protagonista por encima de otros malvados porque su nombre «encajaba en el tempo» de la canción. Dylan añadió la ge al final del apellido Hardin por error.​

La canción fue grabada en dos únicas tomas el 6 de noviembre de 1967 en el estudio A de los Columbia Music Row Studios de Nashville.​ Aunque ambas tomas fueron consideradas para el álbum, al final fue elegida la segunda toma.

I Dreamed I Saw St. Augustine

"I Dreamed I Saw St. Augustine" es una canción de Bob Dylan que se lanzó originalmente en su álbum de 1967 John Wesley Harding . Fue grabada en la primera sesión de John Wesley Harding el 17 de octubre de 1967. Ha sido versionada por muchos artistas, incluida Joan Baez en su álbum de Dylan Any Day Now , así como por Vic Chesnutt , Eric Clapton , John Doe , Thea Gilmore , Adam Selzer y Dirty Projectors . Además, Jimi Hendrixen un momento tuvo la intención de hacer una versión de esta canción, pero sintió que era demasiado personal para Dylan y en su lugar hizo una versión de una canción diferente del álbum, " All Along the Watchtower ".

"Soñé que vi a St. Augustine" es una balada pensativa. Al igual que el resto del álbum de John Wesley Harding , la música de "I Dreamed I Saw St. Augustine" utiliza un acompañamiento musical sobrio y discreto. Los instrumentos principales son una guitarra acústica y una batería. La letra describe un sueño enigmático y sujeto a interpretación. Sin embargo, la letra transmite un profundo sentimiento de culpa, así como una visión de fe, rectitud, miedo y traición. El sentimiento de culpa prevalece particularmente en el verso final:


El pareado de apertura de la canción parafrasea la canción "Joe Hill", que comienza con las líneas "Soñé que vi a Joe Hill anoche", de Alfred Hayes y Earl Robinson . "Joe Hill" era una canción popular escrita como tributo al organizador sindical Joe Hill , quien fue visto por sus partidarios como un mártir después de que fuera declarado culpable de un asesinato sin motivo basado en pruebas débiles. La referencia es irónica, ya que la canción parece negar la existencia de mártires modernos para conducir a la humanidad hacia la salvación.

El san Agustín del título se ha relacionado a menudo con san Agustín de Hipona , aunque san Agustín de Hipona no fue martirizado, sino que murió poco antes del saqueo vándalo de Hipona. Sin embargo, fue un filósofo que escribió sobre el mal y la culpa, definió el concepto del pecado original y, por lo tanto, la culpa última de la humanidad, y podría haberse visto a sí mismo como un martirizado en el sentido de ser asesinado por su propia pecados. En el sueño revelado en la canción, San Agustín viste una capa de oro macizo, que puede significar los excesos mundanos de la humanidad y la Iglesia Católica o la propia riqueza espiritual de San Agustín. También lleva una manta, que puede ser un signo de ascetismo o de su compasión. St. Augustine busca "las mismas almas / que ya han sido vendidas", una referencia a la comercialización del yo interior de la humanidad, un motivo que se repetirá en canciones posteriores del álbum como " Dear Landlord ". y " La balada de Frankie Lee y Judas Priest ". Les dice a "vosotros reyes y reinas dotados" que "ningún mártir hay entre vosotros ahora", pero los consuela con el conocimiento de que, sin embargo, no están solos. Pero el sueño termina cuando el narrador se da cuenta de que él mismo está entre los que dieron muerte a San Agustín, iniciando sus sentimientos de culpa al ver ahora el error de sus caminos. Una interpretación de la canción es que San Agustín es un sustituto del propio Dylan, quien había sido visto como un profeta o mesías, estuvo a punto de "martirizarse" en un accidente de motocicleta unos meses antes de que se escribiera la canción. pero en todo caso había llegado demasiado tarde ya que la humanidad (incluido él mismo) ya había vendido su alma a muchas tentaciones. Otra posible interpretación es que Dylan se ve a sí mismo como uno de los que "lo mataron", una referencia a la responsabilidad por la muerte de Jesús, la máxima expresión de la culpa personal.

En una encuesta de artistas de 2005 publicada por Mojo , "I Dreamed I Saw St. Augustine" figuraba como la canción nº76 más grande de Bob Dylan de todos los tiempos.

Dylan tocó la canción en vivo, en un arreglo de vals lento, en el Festival de la Isla de Wight en 1969, una actuación incluida en Isle of Wight Live , parte de la edición de lujo de 4 CD de The Bootleg Series Vol. 10: Otro autorretrato (1969–1971) . También tocó la canción en vivo en Rolling Thunder Revue en la década de 1970, como se puede escuchar en la caja The Rolling Thunder Revue: The 1975 Live Recordings , y con Heartbreakers en la década de 1980, pero rara vez ha interpretado la canción en vivo desde entonces.

The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest

" The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest " es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan que fue lanzada como la quinta pista de su octavo álbum de estudio John Wesley Harding (1967). La pista fue escrita por Dylan y producida por Bob Johnston . Fue grabado en una sola toma el 17 de octubre de 1967 en Columbia Studio A en Nashville . La letra de la canción se refiere a dos amigos, Frankie Lee y Judas Priest. Lee le pide a Priest un préstamo de dinero. Sacerdote ofrece el dinero libremente. Lee lo pasa en un burdel durante 16 días, luego muere de sed en los brazos de Priest. Los comentaristas han sugerido que la canción se refiere a la relación de Dylan con su manager Albert Grossman .Loa sus negociaciones contractuales con su discográfica. La canción recibió una recepción crítica en gran medida negativa.

Antecedentes y grabación
El séptimo álbum de estudio de Dylan, Blonde on Blonde , fue lanzado en junio de 1966. En julio de 1966, Dylan tuvo un accidente de motocicleta y pasó el siguiente año y medio recuperándose en su casa en Woodstock y escribiendo . canciones  Desde alrededor de junio de 1967 hasta octubre de ese año, grabó 138 canciones con miembros del grupo The Hawks (más tarde conocido como The Band ); algunas de las grabaciones se publicaron en The Basement Tapes en 1975.

Según el biógrafo de Dylan, Clinton Heylin , todas las canciones de John Wesley Harding , el octavo álbum de estudio de Dylan, fueron escritas y grabadas durante un período de seis semanas a fines de 1967. Con un hijo nacido a principios de 1966 y otro a mediados de 1967, Dylan se había asentado en la vida familiar.

"The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest" se grabó en una sola toma durante la primera sesión de grabación de John Wesley Harding el 17 de octubre de 1967 en Columbia Studio A, Nashville . El productor fue Bob Johnston . Dylan habla, en lugar de cantar, la letra, y toca la guitarra y la armónica. Lo acompañan Charlie McCoy al bajo y Kenneth Buttrey a la batería; ambos habían sido parte de la cohorte más grande de músicos que tocaron en Blonde on Blonde . Dylan le dijo al entrevistador Jann Wennerque había estado buscando un sonido similar al álbum de Gordon Lightfoot The Way I Feel , en el que también habían tocado McCoy y Buttrey. La canción fue lanzada como la quinta pista de John Wesley Harding el 27 de diciembre de 1967. En 1968 se publicó como la pista principal de un sencillo EP en Portugal, [16] y se incluyó en la caja recopilatoria The Original Mono Recordings (2010).

Interpretación lírica
La canción tiene 11 versos y es la pista más larga de John Wesley Harding . Según los autores Philippe Margotin y Jean Michel Guedson, la letra se refiere a dos amigos, Frankie Lee y Judas Priest. Lee le pide a Priest un préstamo de dinero. Sacerdote ofrece el dinero libremente. Lee lo pasa en un burdel durante 16 días, luego muere de sed en los brazos de Priest. El estudioso del inglés Homer Hogan ve a Priest como un amigo insincero que tienta a Lee con una visión falsa, lo que lleva a una conclusión en la que Lee es "destruido en lugar de transformado". Después de la muerte de Lee, un "niño vecino" que parece estar involucrado en la muerte de Lee, murmura que "no se revela nada". Hogan argumenta que Dylan invoca varios mitos a través de la canción, incluida "la historia básica del héroe poseído por Dios sacrificado por el sacerdote y el renacimiento del héroe en un niño", así como temas cristianos, incluidos los de un pecador que busca la salvación, de una traición de Judas , de la tentación de Cristo , y de un demonio disfrazado de ángel.

La canción termina con una moraleja, diciéndole al oyente:

esa casa al otro lado de la calle.

AJ Weberman interpretó la canción como una parábola de la relación de Dylan con su manager Albert Grossman .  El biógrafo de Dylan, Robert Shelton , describió la canción como "un cuento cómico al estilo de una balada fronteriza" y especuló que Lee podría representar a Dylan y Priest al negocio de la música. El crítico Andy Gill considera que los primeros versos, donde Lee considera que la oferta de dinero de Priest tiene un paralelismo con las discusiones contractuales de Dylan con Columbia poco antes de la grabación del álbum.

El poeta Allen Ginsberg recordó que Dylan le dijo durante conversaciones en 1968 que su objetivo era escribir líneas más cortas que avanzaran en la narrativa de la canción. Ginsberg sintió que esto era evidente en algunos de los trabajos de Dylan de ese período, por ejemplo, en " I Shall Be Released " y "The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest" (que Ginsberg llamó una "fuerte balada lacónica"). , donde, según Ginsberg, "no habría desperdicio de lenguaje, ni aliento desperdiciado. Todas las imágenes debían ser funcionales en lugar de ornamentales". Hogan argumenta que la canción "requiere liberación interior si queremos permitirnos responder plenamente", pero que a través de la entrega de Dylan en un "style" y, lo que es más importante, "la magia del mito", Dylan ayuda al oyente a alcanzar ese estado de liberación.

Recepción crítica e influencia
Peter Johnson de Los Angeles Times criticó la pista por estar "plagada de clichés", y agregó: "Como si eso no fuera lo suficientemente malo, Dylan ofrece tres viejas lecciones de la canción". Johnson sintió que, si bien Dylan había usado previamente clichés de manera inventiva, "en este álbum no tienen nada de lo que alimentarse más que ellos mismos". Si bien señaló que la canción estaba entre las favoritas de algunos de los fanáticos de Dylan, el periodista Mike Marqusee descartó la canción como "una alegoría artificial que provoca y desconcierta, pero finalmente aburre". En el Chicago Tribune, Ross Baker sintió que la calidad de la composición de Dylan había disminuido, y escribió: "Nos dio retratos fantásticos y memorables antes ... Ahora tenemos imágenes incompletamente aburridas como ... Frankie Lee y Judas Priest ... a quien es imposible cuidar". sobre en lo más mínimo". Margotin y Guedson escribieron que "la interpretación no está a la altura. La parte de guitarra carece de rigor". Gill lo llamó la pista "más aburrida" de John Wesley Harding : se refiere al verso final como una "moraleja blanda".

Jim Beviglia clasificó la canción en el puesto 20 en su libro de 2013 Counting Down Bob Dylan: His 100 Finest Songs , refiriéndose a ella como "una de las canciones más desconcertantes que Bob Dylan haya lanzado jamás" y "la pista más disfrutable al instante" de John Wesley Harding .

La canción fue la inspiración para el nombre de la banda inglesa de heavy metal Judas Priest .

Actuaciones en vivo
Según su sitio web oficial, Dylan tocó la canción en vivo 30 veces en conciertos entre 1987 y 2000.

Dear Landlord

" Dear Landlord " es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan . Fue grabado el 29 de noviembre de 1967 en Columbia Recording Studios, Nashville, producido por Bob Johnston . La canción fue lanzada en el álbum de Dylan John Wesley Harding el 27 de diciembre de 1967. Es un blues de piano que ha sido interpretado como una dirección a su entonces manager Albert Grossman .

Antecedentes y grabación
La canción es un blues de piano y fue la primera canción de piano de Dylan desde " Ballad of a Thin Man " (1965). Fue grabado el 29 de noviembre de 1967 en Columbia Recording Studios, Nashville, producido por Bob Johnston , y fue la última canción grabada por John Wesley Harding . Fue lanzado como la séptima pista del álbum, el 27 de diciembre de 1967.

Composición e interpretación lírica
La letra de la canción "Por favor, no pongas precio a mi alma" ha sido interpretada como una súplica a su manager Albert Grossman , quien también era su casero en ese momento, o quizás a su audiencia. En 1971, Dylan dijo que no tenía en mente a Grossman cuando compuso la canción, pero "solo más tarde, cuando la gente dijo que la canción podría haber sido escrita para Grossman, pensé que podría haber sido... es una canción abstracta".  El académico de música Mike Jones considera la canción como una "advertencia de Dylan para Grossman de que no debe ser subestimado". : 201  El biógrafo de Dylan, Anthony Scaduto , había sugerido que la pista era la mente de Dylan dirigiéndose a su cuerpo.

Recepción crítica
En Crawdaddy (mayo de 1968), Jon Landau elogió la canción, aunque su objetivo no estaba claro, por "no depender de gestos exagerados sino una declaración simple y directa", y señaló que "la estructura melódica de la canción es uno de los más sofisticado que Dylan jamás haya ideado". : 130  Paul Williams describió la canción como la "interpretación más sincera" de Dylan en el álbum, : 243  y escribió positivamente sobre las contribuciones de los tres músicos, calificando la forma de tocar el piano de Dylan como "ardiente" y opinando que el bajista Charlie McCoy y el baterista Kenneth Buttrey"tomar la energía de la canción y correr con ella", sin preocuparse de que la música no se ajuste a ningún idioma musical en particular. : 244  Allan Jones de Uncut calificó como "Estimado propietario" con 4 de 5 estrellas en 2015.

Una lista de 2009 de American Songwriter calificó la canción como la 30ª mejor de Dylan, pero Jim Beviglia la clasificó solo en el puesto 186.

Actuaciones en vivo
Hasta abril de 2022, Dylan había interpretado "Dear Landlord" en vivo seis veces. Primero tocó la canción en vivo el 25 de octubre de 1992 y más recientemente la incluyó por un corto tiempo en sus presentaciones en vivo en 2003.