Blonde on Blonde

Blonde on Blonde es el séptimo álbum de estudio del cantautor estadounidense Bob Dylan , lanzado como álbum doble el 20 de junio de 1966 por Columbia Records . Las sesiones de grabación comenzaron en Nueva York en octubre de 1965 con numerosos músicos de acompañamiento, incluidos miembros de la banda de acompañamiento en vivo de Dylan, los Hawks . Aunque las sesiones continuaron hasta enero de 1966, solo produjeron una pista que llegó al álbum final: " One of Us Must Know (Sooner or Later) ". Por sugerencia del productor Bob Johnston , Dylan, el teclista Al Kooper y el guitarrista Robbie Robertson se trasladaron a losestudios de la CBS enNashville, Tennessee . Estas sesiones, complementadas por algunos de los mejores músicos de sesión de Nashville, fueron más fructíferas y en febrero y marzo se grabaron todas las canciones restantes del álbum.

Blonde on Blonde completó la trilogía de álbumes de rock que Dylan grabó en 1965 y 1966, comenzando con Bringing It All Back Home y Highway 61 Revisited . Los críticos a menudo clasifican a Blonde on Blonde como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. Combinando la experiencia de los músicos de sesión de Nashville con una sensibilidad literaria modernista , se ha descrito que las canciones del álbum operan a gran escala musicalmente, mientras que presenta letras que un crítico llamó "una mezcla única de lo visionario y lo coloquial".  Fue uno de los primeros álbumes dobles de la música rock.

El álbum alcanzó el puesto número nueve en la lista Billboard 200 en los EE. UU., donde finalmente obtuvo la certificación de doble platino, y alcanzó el número tres en el Reino Unido. Blonde on Blonde generó dos sencillos que fueron éxitos entre los veinte primeros en los EE. UU.: " Rainy Day Women nº12 & 35 " y " I Want You ". Dos canciones adicionales, " Just Like a Woman " y " Visions of Johanna ", han sido nombradas entre las mejores composiciones de Dylan y se incluyeron en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone .

En 1999, el álbum fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy y ocupó el puesto 38 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone en 2020.

Sesiones de grabación

Antecedentes
Después del lanzamiento de Highway 61 Revisited en agosto de 1965, Dylan se dispuso a contratar una banda de gira. El guitarrista Mike Bloomfield y el teclista Al Kooper habían respaldado a Dylan en el álbum y en el controvertido debut eléctrico de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965 . Sin embargo, Bloomfield decidió no hacer una gira con Dylan, prefiriendo permanecer con Paul Butterfield Blues Band . Después de acompañarlo en conciertos a fines de agosto y principios de septiembre, Kooper le informó a Dylan que no deseaba seguir de gira con él. Gerente de Dylan, Albert Grossman, estaba en el proceso de establecer un calendario de conciertos agotador que mantendría a Dylan en la carretera durante los próximos nueve meses, recorriendo los EE. UU., Australia y Europa. Dylan se puso en contacto con un grupo que actuaba como Levon and the Hawks, formado por Levon Helm de Arkansas y cuatro músicos canadienses: Robbie Robertson , Rick Danko , Richard Manuel y Garth Hudson . Se habían unido como banda en Canadá, apoyando al rockero estadounidense Ronnie Hawkins . Dos personas habían recomendado fuertemente a los Hawks a Dylan: Mary Martin, la secretaria ejecutiva de Grossman, y el cantante de blues John Hammond, Jr. , hijo del productor discográfico.John Hammond , que había firmado a Dylan con Columbia Records en 1961; los Hawks habían respaldado al joven Hammond en su álbum de 1965 So Many Roads .

Bob Dylan ensayó con los Hawks en Toronto el 15 de septiembre, donde tocaron en una residencia local en Friar's Club, y el 24 de septiembre hicieron su debut en Austin, Texas . Dos semanas después, animado por el éxito de su actuación en Texas, Dylan llevó a los Hawks al Estudio A de Columbia Records en la ciudad de Nueva York. Su tarea inmediata era grabar un single de éxito como continuación de " Positively 4th Street ", pero Dylan ya estaba dando forma a su próximo álbum, el tercero de ese año respaldado por músicos de rock.

Sesiones de Nueva York
El productor Bob Johnston , que había supervisado la grabación de Highway 61 Revisited , comenzó a trabajar con Dylan and the Hawks en Columbia Studio A, 799 Seventh Avenue, Nueva York, el 5 de octubre. Se concentraron en un nuevo arreglo de " Can You Please Crawl Out ". Your Window? ", una canción grabada durante las sesiones de Highway 61 Revisited pero no incluida en ese álbum. Se intentaron tres números más, pero ninguno progresó hasta convertirse en canciones completas. Tanto el fragmento "Jet Pilot" como "I Wanna Be Your Lover", una cuasi-parodia de " I Wanna Be Your Man " de los Beatles , finalmente aparecieron en la retrospectiva de 1985, Biograph .. También se intentaron dos tomas de "Medicine Sunday", una canción que luego se convirtió en " Temporary Like Achilles ".

El 30 de noviembre, los Hawks se unieron nuevamente a Dylan en el Estudio A, pero el baterista Bobby Gregg reemplazó a Levon Helm, quien se había cansado de tocar en una banda de acompañamiento y renunció. Comenzaron a trabajar en una nueva composición, "Freeze Out", que luego fue retitulada " Visions of Johanna ", pero Dylan no estaba satisfecho con los resultados. Una de las grabaciones del 30 de noviembre finalmente se lanzó en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack en 2005. En esta sesión, completaron "¿Puedes arrastrarte por la ventana?" La canción fue lanzada como sencillo en diciembre, pero solo alcanzó el número 58 en las listas estadounidenses.
Dylan pasó la mayor parte de diciembre en California, realizando una docena de conciertos con su banda, y luego se tomó un descanso durante la tercera semana de enero tras el nacimiento de su hijo Jesse . El 21 de enero de 1966, regresó al Estudio A de Columbia para grabar otra composición larga, " She's Your Lover Now ", acompañado por los Hawks (esta vez con Sandy Konikoff en la batería). A pesar de diecinueve tomas, la sesión no produjo grabaciones completas. Dylan no volvió a intentar la canción, pero una de las tomas descartadas de la sesión del 21 de enero finalmente apareció 25 años después en The Bootleg Series Volumes 1–3 (Rare & Unreleased) 1961–1991 .(Aunque la canción se rompe al comienzo del último verso, Columbia la lanzó como la toma más completa de la sesión. ) Desde 2015, esta misma toma descartada más otras tres están disponibles en The Bootleg Series Vol. 12: La vanguardia 1965–1966 .

Por esta época, Dylan se desilusionó de usar los Hawks en el estudio. Grabó más material en el Estudio A el 25 de enero, respaldado por el baterista Bobby Gregg, el bajista Rick Danko (o Bill Lee ),  el guitarrista Robbie Robertson, el pianista Paul Griffin y el organista Al Kooper. Se intentaron dos nuevas composiciones más: " Leopard-Skin Pill-Box Hat " y " One of Us Must Know (Sooner or Later) ". Dylan quedó satisfecho con "One of Us Must Know"; la toma del 25 de enero se lanzó como sencillo unas semanas después y posteriormente se seleccionó para el álbum.

Otra sesión tuvo lugar el 27 de enero, esta vez con Robertson, Danko, Kooper y Gregg. Dylan y su banda volvieron a grabar "Leopard-Skin Pill-Box Hat" y "One of Us Must Know (Sooner or Later)", pero Dylan no estaba satisfecho con la interpretación grabada de ninguna de las canciones. También en esta sesión, Dylan intentó una interpretación aproximada de " I'll Keep It with Mine ", una canción que ya había grabado dos veces como demo. Los músicos agregaron un respaldo tentativo en una interpretación que el biógrafo Clinton Heylin describió como "superficial". La grabación finalmente se publicó en The Bootleg Series Volumes 1–3 en 1991.

La escasez de material nuevo y el lento progreso de las sesiones contribuyeron a la decisión de Dylan de cancelar tres fechas de grabación adicionales. Seis semanas después, Dylan le confió al crítico Robert Shelton : "Oh, estaba realmente deprimido. Quiero decir, en diez sesiones de grabación, hombre, no conseguimos una sola canción... Fue la banda. Pero verás, no lo hice". No lo sé. No quería pensar eso".

Mudarse a Nashville
Reconociendo la insatisfacción de Dylan con el progreso de las grabaciones, el productor Bob Johnston sugirió que trasladaran las sesiones a Nashville . Johnston vivía allí y tenía una amplia experiencia trabajando con músicos de sesión de Nashville. Recordó cómo el mánager de Dylan, Albert Grossman, se mostró hostil a la idea: "Grossman se me acercó y me dijo: 'Si alguna vez vuelves a mencionar Nashville a Dylan, te vas'. Le dije: '¿Qué quieres decir?' Él dijo: 'Me escuchaste. Tenemos algo en marcha aquí'". A pesar de la oposición de Grossman, Dylan estuvo de acuerdo con la sugerencia de Johnston, y se hicieron los preparativos para grabar el álbum en el A Studio de Columbia en Music Row de Nashville en febrero de 1966.

Además de Kooper y Robertson, que acompañaron a Dylan desde Nueva York, Johnston reclutó al armonicista, guitarrista y bajista Charlie McCoy , al guitarrista Wayne Moss , al guitarrista y bajista Joe South , y al baterista Kenny Buttrey . A pedido de Dylan, Johnston quitó los deflectores, particiones que separaban a los músicos para que hubiera "un ambiente adecuado para un conjunto". Buttrey atribuyó el sonido distintivo del álbum a la reorganización del estudio de Johnston, "como si estuviéramos en un escenario estrecho, en lugar de tocar en un gran salón donde estás a noventa millas de distancia". Dylan tenía un piano instalado en su habitación de hotel de Nashville que Kooper tocaría para ayudar a Dylan a escribir letras. Luego, Kooper les enseñaba las melodías a los músicos antes de que Dylan llegara a las sesiones.

En la primera sesión de Nashville, el 14 de febrero, Dylan grabó con éxito "Visions of Johanna", que había intentado varias veces en Nueva York. También se grabó una toma de " 4th Time Around " que se incluyó en el álbum y una toma de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" que no se incluyó.

El 15 de febrero, la sesión comenzó a las 6:00 p. m., pero Dylan simplemente se sentó en el estudio a trabajar en sus letras mientras los músicos jugaban a las cartas, dormían la siesta y conversaban. Finalmente, a las 4 am, Dylan llamó a los músicos y describió la estructura de la canción. Dylan contó y los músicos cayeron, mientras intentaba su épica composición " Sad Eyed Lady of the Lowlands ".". Kenny Buttrey recordó: "Si notas ese disco, esa cosa después del segundo coro comienza a construirse y construirse como un loco, y todos lo están alcanzando porque pensamos, Hombre, esto es todo... Esto va a ser el último coro y tenemos que poner todo lo que podamos. Y tocó otro solo de armónica y volvió a bajar a otro verso y la dinámica tuvo que volver a bajar a una especie de sensación de verso ... Después de unos diez minutos de esto, nos estamos partiendo de risa el uno al otro, en lo que estábamos haciendo. Quiero decir, alcanzamos el punto máximo hace cinco minutos. ¿A dónde vamos desde aquí?" La canción terminada registró 11 minutos, 23 segundos, y ocuparía todo el cuarto lado del álbum.

La siguiente sesión comenzó de manera similar: Dylan pasó la tarde escribiendo letras y la sesión continuó hasta la madrugada del 17 de febrero, cuando los músicos comenzaron a grabar " Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again ". Después de varias revisiones musicales y comienzos en falso, la decimocuarta toma fue la versión seleccionada para el álbum.

Sesiones de grabación en Nashville
La mayoría de los relatos sobre la grabación de Blonde on Blonde , incluidos los de los estudiosos de Dylan Clinton Heylin y Michael Gray , coinciden en que hubo dos bloques de sesiones de grabación: del 14 al 17 de febrero y del 8 al 10 de marzo de 1966. Esta cronología es basado en los registros y archivos mantenidos por Columbia Records.

Dylan and the Hawks realizaron conciertos en Ottawa, Montreal y Filadelfia en febrero y marzo, y luego Dylan reanudó la grabación en Nashville el 8 de marzo. En esa fecha, Dylan y los músicos grabaron la toma de " Absolutely Sweet Marie " que Dylan seleccionado para el álbum. El historiador Sean Wilentz observó que "con el sonido de 'Sweet Marie', Blonde on Blonde entró total y sublimemente en lo que ahora se considera rock and roll clásico". El mismo día vio las exitosas tomas de " Just Like a Woman ", y " Pledge My Time ", esta última "impulsada por los gritos de guitarra de Robertson".

Según Wilentz, la última sesión de grabación, del 9 al 10 de marzo, produjo seis canciones en 13 horas de estudio.  El primer tema que se grabó a satisfacción de Dylan fue " Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine ", cuando McCoy reforzó con trompeta una frase musical que Dylan tocó con su armónica, cambiando radicalmente el sonido de la canción. Dylan y su banda grabaron rápidamente "Temporary Like Achilles". La atmósfera de la sesión comenzó a "volverse vertiginosa" alrededor de la medianoche cuando Dylan tocó "Rainy Day Women nº12 & 35" en el piano. Johnston recordó haber comentado; "Eso suena como la maldita banda del Ejército de Salvación ". Dylan respondió; "¿Puedes conseguir uno?"Luego, Johnston telefoneó al trombonista Wayne Butler, el único músico adicional requerido, y Dylan y la banda, con McCoy nuevamente en la trompeta, tocaron una versión animada de la canción.

En rápida sucesión, Dylan y los músicos grabaron " Obviamente 5 creyentes " y una última toma de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" con la guitarra principal de Robertson. La sesión concluyó con " I Want You " en la que, como señala Wilentz, "las rápidas semicorcheas de Wayne Moss en la guitarra" son un elemento impresionante de la grabación.

Desacuerdo sobre las fechas de grabación de Nashville
Al Kooper, que tocó los teclados en todas las pistas de Blonde on Blonde , ha cuestionado la versión convencional de que hubo dos bloques de sesiones de grabación en Nashville. En comentarios en el sitio web de Michael Gray, Kooper escribió: "Solo hubo UN viaje a Nashville para Robbie y yo, y todas las pistas se cortaron en esa visita", afirmando que Dylan simplemente se rompió para un concierto excepcional. Charlie McCoy estuvo de acuerdo con la versión de Kooper. Wilentz analizó la grabación de Blonde on Blonde en su libro Bob Dylan in America, concluyendo que la versión documentada "oficial" se ajusta al calendario de giras conocido de Dylan, y señala que cinco de las ocho canciones grabadas por primera vez después de "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again", pero ninguna de las grabadas antes, incluye un medio ocho. sección: la primera incursión extensa de Dylan como escritor en esa estructura convencional".

Mezcla
Dylan mezcló el álbum en Los Ángeles a principios de abril, antes de partir en la etapa australiana de su gira mundial de 1966 . Wilentz escribe que fue en este punto que se hizo "obvio que la riqueza de las sesiones de Nashville no podía caber en un solo LP ",  y que habían "producido suficiente material sólido para exigir una configuración extraña". álbum doble , el primero de su tipo en la música popular contemporánea". Según el productor Steve Berkowitz, quien supervisó la reedición de los LP de Dylan en mono como The Original Mono Recordingsen 2010, Johnston le dijo que trabajaron cuidadosamente en la mezcla mono durante unos tres o cuatro días, mientras que la mezcla estéreo se terminó en unas cuatro horas.

Rainy Day Women #12 & 35

" Rainy Day Women #12 & 35 " (a veces denominada erróneamente " Everybody Must Get Stoned "  ) es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan . La canción fue escrita por Dylan y producida por Bob Johnston . Inicialmente se lanzó en forma editada como sencillo en marzo de 1966, alcanzando el número 7 en el Reino Unido y el número 2 en la lista de Estados Unidos. Una versión más larga de "Rainy Day Women #12 & 35" es la pista de apertura de su séptimo álbum de estudio, Blonde on Blonde (1966), y ha aparecido en varios álbumes recopilatorios.

La canción, grabada en el estudio de Nashville de Columbia Records , presenta una estridente pista de acompañamiento de una banda de música . Ha habido mucho debate sobre el significado del título y del coro recurrente, "Todo el mundo debe drogarse". Esto ha hecho que la canción sea controvertida, siendo etiquetada por algunos comentaristas como "una canción de drogas". La canción recibió elogios de los críticos musicales , varios de los cuales destacaron la naturaleza lúdica de la pista. Dylan ha interpretado la canción en vivo en concierto 963 veces, entre 1969 y 2016.

Antecedentes y grabación
Unas semanas después del lanzamiento de su sexto álbum de estudio Highway 61 Revisited (1965), Bob Dylan comenzó a grabar su próximo álbum el 5 de octubre de 1965 en Columbia Studio A , Nueva York. El productor fue Bob Johnston , quien supervisó todas las sesiones de grabación posteriores de Highway 61 Revisited en el mismo estudio. Después de sesiones improductivas en noviembre de 1965 y enero de 1966, Johnston sugirió que Dylan trasladara el lugar de su próxima sesión de grabación a Nashville, Tennessee . Johnston contrató a músicos de sesión experimentados, incluidos Charlie McCoy , Wayne Moss ,Kenneth Buttrey y Joe South , para tocar con Dylan. A ellos se unieron Robbie Robertson y Al Kooper , quienes habían tocado en sesiones anteriores.

Paul Williams describió "Rainy Day Women #12 & 35" como "un sonido, un conjunto de sonidos, creados en el momento, moldeados por el momento, al igual que el método de composición de canciones de Dylan se reforma en cada momento de su carrera". La ​​canción es notable por su arreglo de banda de música y el controvertido estribillo "Todo el mundo debe drogarse". Kooper, que tocó los teclados en Blonde on Blonde , recordó que cuando Dylan inicialmente hizo una demostración de la canción a los músicos de apoyo en el estudio de Columbia en Nashville, Johnston sugirió que "sonaría muy bien al estilo del Ejército de Salvación ". Cuando Dylan preguntó cómo encontrarían a los trompetistas en medio de la noche, McCoy, que tocaba la trompeta, hizo una llamada telefónica y llamó a un trombón.

La pista fue grabada en Columbia Music Row Studios en Nashville en la madrugada del 10 de marzo de 1966. En el relato del biógrafo de Dylan Howard Sounes , la atmósfera musical caótica de la pista fue lograda por los músicos tocando de manera poco ortodoxa y en instrumentos desconocidos. McCoy cambió del bajo a la trompeta. El baterista Kenny Buttrey instaló su bombo en dos sillas y lo tocó con un mazo de timbales . Moss tocaba el bajo, mientras que Strzelecki tocaba el órgano de Kooper. Kooper tocaba una pandereta. El productor Bob Johnston recordó, "todos nosotros caminando, gritando, jugando y cantando". Después de un ensayo, la canción fue grabada en una sola toma. El guitarrista Robertson se perdió la grabación porque había salido del estudio para comprar cigarrillos.

Sean Wilentz , quien escuchó las cintas de estudio completas para investigar su libro sobre Dylan, escribió que la charla antes de la toma es "si no seriamente golpeada, ciertamente animada y animada". Antes de la toma, el productor Bob Johnston le preguntó a Dylan por el título de la canción y Dylan respondió: "Aquí hay una mula de pelo largo y un puercoespín". Johnston dijo: "Es la única vez que escuché a Dylan reírse de verdad, reírse a carcajadas... dando vueltas por el estudio, marchando en esa cosa".

Sounes citó a Moss recordando que para grabar "Rainy Day Women", Dylan insistió en que los músicos de apoyo debían estar intoxicados. Un empleado del estudio fue enviado a un bar irlandés para obtener "cócteles Leprechaun". En el relato de Sounes, Moss, Hargus "Pig" Robbins y Henry Strzelecki afirmaron que también fumaron una "enorme cantidad" de marihuana y "quedaron bastante agotados". Sounes declaró que algunos músicos, incluido McCoy, permanecieron sin intoxicarse. Esta versión de los hechos ha sido cuestionada por los estudios de Wilentz y Sanders sobre la realización de Blonde on Blonde . Según Wilentz, tanto McCoy como Kooper insistieron en que todos los músicos estaban sobrios y que el manager de Dylan,, no habría permitido marihuana o bebida en el estudio. En apoyo de este relato, Wilentz señaló que esa noche se grabaron otras tres pistas en el estudio de Nashville, todas las cuales aparecieron en el álbum final. McCoy recordó el incidente de los "cócteles de duende" como relacionado con una sesión de grabación diferente varios años después.

La canción está grabada como un blues de doce compases , aunque la letra no es típica del género blues . Sin embargo, el patrón de una introducción repetida ("Te apedrearán cuando...") y la conclusión "... No me sentiría tan solo / Todo el mundo debe drogarse") en cada estrofa recuerda un blues . formato. Según el estudioso de la música Timothy Koozin, Dylan "exagera la vulgaridad musical con una figura cromática descendente" que está fuera de lugar en un blues de doce compases, y sirve para "formar una representación mimética de hundirse en un estupor 'colocado' ".

Composición e interpretación lírica
En la biografía de Dylan de Robert Shelton , Shelton dijo que Phil Spector le dijo que la inspiración para la canción vino cuando Spector y Dylan escucharon a Ray Charles cantar " Let's Go Get Stoned " en una máquina de discos en Los Ángeles. Spector dijo que "se sorprendieron al escuchar una canción tan libre, tan explícita", refiriéndose a su coro de "drogarse" como una invitación a disfrutar del alcohol o los narcóticos. De hecho, la canción de Charles fue lanzada en abril de 1966, después de que se grabara "Rainy Day Women". Tanto los Coasters como Ronnie Milsap lanzaron versiones en 1965; la versión de Coasters era una cara By comercialmente sin éxito, y el periodista Daryl Sanders sugirió que podría haber sido la versión de Milsap, la cara B de "Never Had It So Good".

Después de grabar Blonde on Blonde , Dylan se embarcó en su "gira mundial" de 1966 . En una conferencia de prensa en Estocolmo el 28 de abril de 1966, se le preguntó a Dylan sobre el significado de su nuevo sencillo, "Rainy Day Women". Dylan respondió que la canción era sobre "lisiados y orientales y el mundo en el que viven... Es una especie de cosa mexicana, muy protesta... y una de las cosas más protestantes contra las que he protestado en mis años de protesta. "

Shelton afirma que, a medida que la canción subía en las listas, se volvió controvertida como una "canción de drogas"; en consecuencia, la canción fue prohibida por algunas estaciones de radio estadounidenses y británicas. Menciona que la revista Time , el 1 de julio de 1966, escribió: "En la jerga cambiante de múltiples niveles de los adolescentes, 'drogarse' no significa emborracharse sino drogarse... un 'día lluvioso'". mujer', como cualquier yonqui  sabe, es un cigarrillo de marihuana". Dylan respondió a la controversia anunciando, durante su actuación del 27 de mayo de 1966 en el Royal Albert Hall de Londres, "Nunca he escrito ni escribiré una canción sobre drogas".

Según el crítico de Dylan, Clinton Heylin , Dylan estaba decidido a usar un "juego de palabras bastante tonto", la idea de ser drogado físicamente por cometer un pecado, en lugar de ser drogado con una "medicina poderosa", para evitar ser prohibido en la radio. Dadas sus connotaciones del Antiguo Testamento , Heylin argumentó que el respaldo de la banda del Ejército de Salvación se vuelve más apropiado. Heylin sugirió además que el título de la canción es una referencia bíblica, tomada del Libro de los Proverbios , "que contiene una gran cantidad de edictos por los que uno podría realmente ser apedreado". Sugirió que el título "Rainy Day Women #12 & 35" se refiere al capítulo 27 de Proverbios, versículo 15 (en la Biblia King James ).): "Un goteo continuo en un día muy lluvioso y una mujer contenciosa son similares".

El crítico de Dylan, Andrew Muir, sugirió que el estado de ánimo de paranoia evocado por la frase recurrente "te apedrearán" es una referencia a la reacción hostil de la audiencia de Dylan a su nuevo sonido . "Dylan estaba 'siendo drogado' por el público de todo el mundo por pasar del folk al rock", escribió Muir, quien también sugirió que los versos aparentemente sin sentido de "Rainy Day Women" se pueden escuchar como ecos de los conflictos sociales y políticos en los EE. UU. Muir, "Te apedrearán cuando intentes conservar tu asiento" evoca la negativa de los negros a trasladarse a la parte trasera del autobús durante la lucha por los derechos civiles . Para Muir, "Te apedrearán y luego dirán que eres valiente / Te apedrearán cuando estés en tu tumba".Masters of War " y otras "canciones antimilitaristas que lamentaban el desperdicio de jóvenes enviados para ser mutilados o asesinados".  Koozin interpreta la canción como dirigida a los medios de comunicación y "cualquier otra fuerza autoritaria en la sociedad que oprime y nubla la mente del individuo con falsedades". Comenta que hay una desconexión entre la atmósfera jovial de la pista y la "seriedad del tema". David Yaffe sintió que era "la ecuación entre fumar y una lapidación pública que lo hizo dylanesco".

Según Heylin, Dylan "finalmente explicó" la canción cuando habló con el locutor de radio de Nueva York Bob Fass en 1986: "'Todo el mundo debe drogarse' es como cuando vas contra la corriente... es posible que en diferentes momentos te encuentres en una situación desafortunada y, por lo tanto, hacer lo que crees a veces ... algunas personas simplemente se ofenden por eso. Puedes mirar a través de la historia y encontrar que las personas se han ofendido con las personas que tienen un punto de vista diferente sobre las cosas ".

En una entrevista de 2012 en Rolling Stone , Mikal Gilmore le preguntó a Dylan si le preocupaban las interpretaciones "equivocadas" de sus canciones, y agregó: "Por ejemplo, algunas personas todavía ven a "Rainy Day Women" codificada para drogarse". Dylan respondió: " No me sorprende que algunas personas lo vean de esa manera. Pero estas son personas que no están familiarizadas con el Libro de los Hechos .”

Comentarios críticos
Cash Box describió la versión del sencillo como un "blueser alegre, honky-tonk-ish ensayado en un estilo contagioso y afable por el cantante". Sandy Gardiner de The Ottawa Journal escribió que la canción era "buena para reír... título loco y la canción es aún más cursi" y sintió que podría tener éxito comercial a pesar de ser "una tontería".

Al revisar la versión del álbum, Ralph Gleason del San Francisco Examiner dio la bienvenida a la canción como "cómica, satírica ... con su sentimiento de blues tradicional de Ma Rainey, sus letras salvajes". La crítica de London Life , Deirdre Leigh, disfrutó de la canción como "alegre, sin complicaciones y tan descaradamente sin sentido", In Crawdaddy! , Williams opinó que la canción era "brillante en su simplicidad: en cierto modo, es la respuesta de Dylan a los gatos tensos que buscan mensajes". Craig McGregor del Sydney Morning Heraldsintió que, como algunas otras pistas del álbum, la canción era olvidable y escribió que "despojada de sus implicaciones de drogas, la canción es una pieza banal de tontería musical".

En su libro de 1990 Bob Dylan, Performing Artist , Williams escribió que "la combinación de fiesta de borrachos / sonido de reunión de avivamiento de la canción es maravillosa", y resultó de la "química musical única" entre Dylan, los músicos y el productor. Mike Marqusee disfrutó de la pista como "una sola vez maravillosa, incluso en el catálogo de Dylan". Del mismo modo, John Nogowski lo consideró como "un delicioso golpe de locura... refrescante". Neil Spencer le dio a la canción una calificación de 4/5 estrellas en un suplemento de Dylan de la revista Uncut en 2015.

En 2013, los lectores de Rolling Stone votaron "Rainy Day Women #12 & 35" como la tercera peor de las canciones de Dylan. Andy Green de la revista escribió que "hoy muchos fanáticos sienten que es el único momento débil en Blonde on Blonde, por lo demás impecable ". El mismo año, Jim Beviglia incluyó la canción en su clasificación de las "mejores" de Dylan; sugiriendo que intentar analizar el significado detrás de la pista en profundidad no tenía sentido, y que "la canción solo quiere que los oyentes se diviertan mientras la escucha". En 2015, la canción ocupó el puesto 72 en la lista de los "100 Las mejores canciones de Bob Dylan". 

Actuaciones en vivo y versiones de portada
Según su sitio web oficial, Dylan ha interpretado "Rainy Day Women #12 & 35" en vivo 963 veces. La primera actuación fue en el Festival de la Isla de Wight el 31 de agosto de 1969, y la más reciente fue en Desert Trip en Indio, California el 14 de octubre de 2016. Un día antes, fue la primera canción que actuó en concierto, en Las Vegas , tras el anuncio de que había sido galardonado con el Premio Nobel de Literatura . Durante la gira mundial de Dylans en 1978 , la canción se interpretó como un instrumento y, a principios de la década de 2000, se interpretó en lo que Trager describió como un estilo de "roadhouse blues". Yaffe creía que, si bien Dylan sonaba deliberadamente "drogado" en la grabación de estudio original, sus actuaciones en vivo varias décadas después se realizaron con una voz "más parecida a un bluesman canoso que a un drogadicto".

La primera versión de "Rainy Day Women #12 & 35" fue grabada poco después de la original por el productor de Blonde on Blonde Johnston y varios músicos de la sesión de grabación de Dylan. Fue lanzado en 1966 por Columbia Records en el álbum Moldy Goldies: Colonel Jubilation B. Johnston and His Mystic Knights Band and Street Singers .

Visions of Johanna

" Visions of Johanna " es una canción escrita e interpretada por Bob Dylan en su álbum de 1966 Blonde on Blonde . Varios críticos han aclamado "Visions of Johanna" como uno de los mayores logros de Dylan en la escritura,   elogiando la alusión y la sutileza del lenguaje. Rolling Stone incluyó "Visions of Johanna" en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos . En 1999, Sir Andrew Motion , poeta laureado del Reino Unido , la catalogó como la mejor canción lírica jamás escrita.

Dylan grabó la canción por primera vez en la ciudad de Nueva York en noviembre de 1965, bajo el título provisional de "Freeze Out", pero no quedó satisfecho con los resultados. Cuando las sesiones de grabación de Blonde on Blonde se mudaron a Nashville en febrero de 1966, Dylan intentó la composición nuevamente con diferentes músicos y decidió lanzar esta interpretación. Todas las versiones alternativas de la canción se han lanzado oficialmente, pero algunas solo en un conjunto de coleccionistas de edición limitada: muchas de ellas son tomas descartadas de estudio de noviembre de 1965 o posteriores , y otras dos son presentaciones en vivo de su gira mundial de 1966 .

Numerosos artistas han grabado versiones de la canción, incluidos Grateful Dead , Marianne Faithfull , Chris Smither y Robyn Hitchcock .

Grabación
Clinton Heylin sitúa la escritura de "Visions of Johanna" en el otoño de 1965, cuando Dylan vivía en el Hotel Chelsea con su esposa embarazada Sara . Heylin señala que "en este hotel déclassé... las tuberías de calor todavía tosen", refiriéndose a una línea de la canción. Greil Marcus informa que cuando la canción se lanzó por primera vez, "la historia era que la canción había sido escrita durante el gran apagón de la costa este del 9 de noviembre de 1965 ".

Dylan grabó esta canción por primera vez, respaldado por The Hawks , en el estudio de grabación de CBS New York, el 30 de noviembre de 1965, anunciando su nueva composición con las palabras: "Esto se llama 'Freeze Out'". Andy Gill señala que este título provisional captura el "aire de suspensión nocturna en el que se esbozan los cuadros en verso... llenos de susurros y murmullos". Según Marcus, Dylan presentó la canción en presentaciones en vivo en 1966 con las palabras "Parece un Freeze Out". En una presentación en vivo temprana en diciembre de 1965 en San Francisco, Dylan también sugirió un posible título como "Alcatraz to the 9th Power Revisited".

Algunas de las grabaciones de Nueva York fueron aceleradas y contienen en el quinto verso la línea adicional "Él examina el código del ruiseñor". El historiador Sean Wilentz , para su libro Dylan In America , escuchó atentamente las cintas de estudio completas de las sesiones de Blonde on Blonde , y describe cómo Dylan guió a los músicos de apoyo de Nueva York a través de catorce tomas, tratando de explicar cómo quería que tocaran "Visions of Johanna". . En un momento, Dylan dice: "No es rock duro , lo único que es duro es Robbie ". Al analizar la evolución de la canción en la sesión de grabación de Nueva York, Wilentz escribe que Dylan "calma las cosas,—y todavía no está bien". El 30 de noviembre se grabaron varias tomas completas de la canción  , incluida una con un ritmo de rock uptempo, que contenía acompañamiento de clavicémbalo, y otra con un tempo similar a una marcha, que fue lanzado en The Bootleg Series Vol. 7: No Direction Home: The Soundtrack en 2005.

"Visions of Johanna" encajó cuando Dylan fue persuadido por su productor, Bob Johnston , para trasladar las sesiones de grabación a Nashville, Tennessee . Durante su primer día en el estudio de CBS Nashville, el 14 de febrero de 1966, se grabó la versión Blonde on Blonde de la canción. En una entrevista con Andy Gill, Al Kooper dijo que él y el guitarrista Robbie Robertson se volvieron sensibles a los matices de la voz de Dylan. Kooper agregó que "es muy importante lo que está haciendo el bajo de Joe South en eso"; Kooper lo describió como "esta parte de bajo palpitante ... rítmicamente asombrosa". Otros músicos de acompañamiento fueron Charlie McCoy , guitarra, Wayne Moss , guitarra, y Kenneth Buttrey en batería.

Actuaciones en vivo y tomas descartadas de estudio
Dylan interpretó por primera vez "Visions of Johanna" en público el 4 de diciembre de 1965 en el Berkeley Community Theatre . En este concierto estuvo presente Joan Baez , quien creyó que la letra se refería a ella. Ella dijo: "Él acababa de escribir 'Visions of Johanna', lo que me sonaba muy sospechoso... nunca la había interpretado antes y Neuwirth le dijo que yo estaba allí esa noche y él la interpretó". Heylin sugiere que si Dylan la interpretó para alguien esa noche, fue para Allen Ginsberg , quien también estaba presente. Heylin argumenta que Dylan consideraba a Ginsberg como una influencia importante en su composición en este momento, y estaba ansioso por mostrar la canción al poeta Beat .

Se han lanzado todas las versiones en vivo de la canción grabada durante la gira de 1966 de Dylan por Inglaterra. La interpretación de Dylan de la canción en el Royal Albert Hall de Londres el 26 de mayo de 1966 apareció en Biograph , lanzado en 1985. Cameron Crowe le preguntó por las notas de Biograph cómo podía recordar las palabras de una canción tan compleja en presentación en vivo, Dylan respondió: "Podía recordar una canción sin escribirla porque era muy visual". Una interpretación de la canción grabada en el Manchester Free Trade Hall el 17 de mayo de 1966 fue lanzada en The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966 en 1998. Además, una interpretación de la canción del 6 de mayo de 1966, grabada en Belfast, se incluyó en Live 1962-1966: Rare Performances From The Copyright Collections , lanzada en 2018.

El 11 de noviembre de 2016, Legacy Recordings lanzó una caja de 36 CD, The 1966 Live Recordings , que comprende todas las grabaciones conocidas de la gira de conciertos de 1966 de Bob Dylan. Las grabaciones comienzan con el concierto en White Plains, Nueva York, el 5 de febrero de 1966, y terminan con el concierto del Royal Albert Hall en Londres el 27 de mayo. El conjunto contiene 18 presentaciones en vivo de "Visions of Johanna", todas con Solo de Dylan en guitarra acústica. (La actuación del 26 de mayo de 1966 se incluyó en el álbum publicado por separado The Real Royal Albert Hall 1966 Concert ).

Las sesiones de grabación de estudio de "Visions of Johanna" se publicaron en su totalidad en la edición de coleccionista de 18 discos de The Bootleg Series vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 el 6 de noviembre de 2015, con lo más destacado de las tomas descartadas del 30 de noviembre de 1965 que aparecen en las versiones de 6 y 2 discos de ese álbum. La versión de 18 discos contiene 14 tomas de "Visions of Johanna" grabada en Nueva York el 30 de noviembre de 1965 y 4 tomas de la canción grabada en Nashville el 14 de febrero de 1966, siendo la última la versión Blonde on Blonde . de la cancion.

Interpretación
Al notar cuán popular sigue siendo "Visions of Johanna" entre los "Dylanófilos incondicionales", Andy Gill sugiere que es la calidad enigmática de la canción la responsable de su popularidad: "siempre al borde de la lucidez, pero permaneciendo impermeable al desciframiento estricto". Gill escribe que la canción comienza contrastando a dos amantes, la carnal Louise y "la más espiritual pero inalcanzable" Johanna. En última instancia, para Gill, la canción busca transmitir cómo el artista se ve obligado a seguir esforzándose por perseguir una visión esquiva de la perfección.

Clinton Heylin ha descrito lo que él interpreta como las extrañas circunstancias que rodean la canción. Escrita en la época del matrimonio de Dylan con Sara Lownds, Heylin la describe como "una de las canciones más extrañas jamás escritas por un hombre que acaba de casarse y disfruta de una breve luna de miel en la ciudad". Notando que la canción es una elegía para un amante pasado, Heylin especula que "es terriblemente tentador ver a Johanna como su musa", quien, en la canción, "no está aquí". Para Heylin, el triunfo de la canción radica en "la forma en que Dylan logra escribir sobre los sentimientos más incipientes de una manera tan vívida e inmediata".

El crítico de Dylan Michael Gray también elogia la sutileza de la canción. Gray reconoce que es difícil decir de qué "trata" esta canción, ya que es a la vez indefinible y precisa. Para Gray, su principal logro radica en la forma en que confunde categorías, utilizando el lenguaje para ser a la vez serio y frívolo, delicado y tosco, y mezclando "neofilosofía abstracta y fraseología figurativa".

Robert Shelton llamó a "Visions of Johanna" una de las principales obras de Dylan. Escribe que la técnica de Dylan de arrojar "imágenes que se deslizan" evoca "una mente que flota río abajo"; estas "visiones no secuenciales" son el registro de una conciencia fracturada. Shelton argumenta que la canción explora una búsqueda desesperada para alcanzar un ideal, las visiones de Johanna, y sin embargo, sin esta búsqueda, la vida no tiene sentido. Sugiere que Keats explora la misma paradoja en su " Oda a una urna griega ".

Mike Marqusee sitúa la canción en la ciudad de Nueva York, "un paisaje urbano parpadeante, eléctrico y fantasmal". Dylan se describe a sí mismo varado en una niebla de desapego que proporciona un refugio y, al mismo tiempo, le duele una claridad penetrante: una respuesta inmediata que es "demasiado concisa y demasiado clara". Para Marqusee, Dylan describe su situación, suspendido entre la libertad y la esclavitud, pero hambriento de una experiencia auténtica. Johanna y Louise son objetos de deseo y anhelo. "Es su elusividad e irrealidad ese es el punto".

El guitarrista y crítico Bill Janovitz también enfatiza la calidad urbana e irreal de "Visions of Johanna", calificándola de "epopeya en expansión". "El viaje lleva a Dylan a través de lofts, el tren D, un museo, lotes baldíos y fragmentos de conversaciones escuchadas, así como una discusión con un 'niño perdido', que 'se toma a sí mismo tan en serio' y que es ' tan inútil y todo/murmurando una pequeña charla en la pared'". Para Janovitz, esto "posiblemente podría ser un golpe a un crítico".

El crítico literario Christopher Ricks , en su estudio de la obra de Dylan, señala el efecto emocional de estas mismas líneas:

Seguro que tiene mucho descaro para ser tan inútil y todo eso.
Murmurando una pequeña charla en la pared mientras estoy en el pasillo

Ricks escribe que la frase "y todo" convierte un estado de ánimo de impotencia en una sensación de "agresión e ira desconcertada".

Tratando de desentrañar el misterio de la canción, Greil Marcus escribe que la canción se ocupa de cuestiones internas, más que externas: "Línea por línea, 'Blowin' in the Wind' es piadosa o falsamente inocente, ¿no es obvio que quienquiera que haya escrito "Sí, ¿y cuántos mares debe navegar una paloma blanca / antes de dormir en la arena?" ya sabe la respuesta, suponiendo que él, o cualquier otra persona, realmente se atreva a preocuparse por una pregunta tan valiosa. 'Visions of Johanna' hace diferentes tipos de preguntas, tales como: ¿Dónde estás? ¿Quién eres? ¿Qué haces aquí? Evocando el ambiente urbano y drogado de la canción, Marcus escribe sobre "Gente que vaga de un rincón a otro de un desván, drogada, borracha, medio despierta, profundamente dormida, sin sentido para el próximo aliento, y mucho menos para el siguiente paso".

Legado
La canción ha sido descrita por varios críticos como una obra maestra. En 2004, la revista Rolling Stone colocó la canción en el puesto 404 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos ,  comentando que Dylan "nunca sonó más solo que en esta canción de siete minutos". balada, cortada en una sola toma el día de San Valentín de 1966". (Cuando Rolling Stone actualizó su lista en 2010, la canción cayó al No. 413, y luego subió al No. 317 en 2021). En 1999, el Poeta Laureado de Gran Bretaña, Andrew Motion, la eligió como su candidata a la mejor letra de canción jamás escrita. Motion elogió "la concentración y la sorpresa" de las letras de Dylan y dijo que, aunque se distanció de algunas de las opiniones del cantante sobre las mujeres, la "raspa de su ira" era parte de su grandeza. En 2017, el International Observer nombró a la canción como la segunda mejor jamás grabada, afirmando: "Dylan, de 24 años, estaba comenzando a darse cuenta de que no importaba cuántas canciones perfectas escribiera, no podría lograr la inmortalidad a través de su arte. como tal vez creyó una vez, porque incluso si la gente todavía estuviera escuchando la música en 500 años, él todavía estaría muerto". En una entrevista con The Independent en 1992, el músico británico de culto Robyn Hitchcock describió la canción diciendo "es más o menos la razón por la que soy cantante". Al comentar sobre la canción en una entrevista de 1985, Dylan dijo: "Todavía canto esa canción de vez en cuando. Todavía se destaca ahora como lo hizo entonces, tal vez incluso más de alguna manera extraña".

I Want You

" I Want You " es una canción grabada por Bob Dylan en 1966. Grabado en la madrugada del 10 de marzo de 1966, la canción fue la última grabada para el álbum doble de Dylan, Blonde on Blonde . Fue publicado como sencillo en junio, poco antes del lanzamiento del álbum.

Hubo tres tomas completas de "I Want You", con la toma final y una sobregrabación de guitarra que comprende al maestro. La sesión de grabación se publicó en su totalidad en la edición de coleccionista de 18 discos de The Bootleg Series vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 en 2015, y la penúltima toma de la canción también apareció en las versiones de 6 y 2 discos de ese álbum.

Dylan interpretó "I Want You" como una balada lenta durante su gira mundial de 1978, como se escuchó en Bob Dylan at Budokan , lanzado en 1979. Dylan también revisó la canción en 1987 en una gira conjunta con Grateful Dead ; su versión fue lanzada en 1989 en el álbum Dylan and the Dead .

Letras
Sean Wilentz ve numerosos fracasos documentados en los primeros borradores de las letras; "diputados preguntándole su nombre... líneas sobre padres que bajan abrazándose y sobre sus hijas que lo menosprecian porque no es su hermano". Finalmente Dylan llega a la fórmula correcta. El aspecto sentimental de la canción se explicó parcialmente en una entrevista de 1966: "No son solo palabras bonitas para una melodía o poner melodías en las palabras... Son las palabras y la música juntas puedo escuchar el sonido de lo que quiero". decir."

Andy Gill observó que la tensión de la canción se logra a través del equilibrio de la "dirección directa" del coro, la frase repetida "Te quiero" y un extraño elenco de personajes "demasiado numerosos para habitar los tres minutos de la canción cómodamente", incluyendo un empresario de pompas fúnebres culpable , un organillero solitario , padres llorones, madres, salvadores durmientes, la reina de picas y "un niño bailarín con su traje chino". Gill informa que "el niño bailarín" ha sido interpretado como una referencia a Brian Jones de The Rolling Stones , y su entonces novia Anita Pallenberg . Clinton Heylinestá de acuerdo en que esto puede tener fundamento porque el niño bailarín afirma que "el tiempo estaba de su lado", como una referencia a " Time Is On My Side ", el primer éxito estadounidense de los Stones.

Recepción
Cash Box describió la canción como una "súplica de romance empapada de blues y de ritmo medio con un riff rítmico infeccioso y repetitivo" que consideró un "candidato a éxito de taquilla seguro".

Leopard-Skin Pill-Box Hat

" Leopard-Skin Pill-Box Hat " es una canción de Bob Dylan , de su álbum de 1966 Blonde on Blonde .  Al igual que muchas otras canciones de Dylan del período 1965-1966,  la canción presenta una letra surrealista y juguetona con un acompañamiento de blues eléctrico .

Letras
Las letras de Dylan ridiculizan cariñosamente a una " víctima de la moda " femenina que usa un sombrero pastillero de piel de leopardo . El sombrero pastillero era un sombrero de mujer de moda en los Estados Unidos desde principios hasta mediados de la década de 1960, el más famoso usado por Jacqueline Kennedy . Dylan cruza satíricamente la imagen de alta costura de este accesorio con material de piel de leopardo, percibido como más vulgar y de bajo costo. La canción también fue escrita y lanzada después de que los sombreros pastilleros estuvieran en el apogeo de la moda.

Algunos periodistas y biógrafos de Dylan han especulado que la canción fue inspirada por Edie Sedgwick , una actriz y modelo asociada con Andy Warhol . Se ha sugerido que Sedgwick también fue una inspiración para otras canciones de Dylan de la época, particularmente algunas de Blonde on Blonde .

Influencias
La canción se asemeja melódica y líricamente a "Automobile Blues" de Lightnin' Hopkins ,  con la línea de apertura de Dylan de "Bueno, veo que tienes tu nuevo sombrero pastillero de piel de leopardo", haciéndose eco de "Te vi montando" de Hopkins. 'round in your brand new car", y la línea repetida de "... brand new leopard-skin-pit-box hat", descendiendo melódicamente de la misma manera que el estribillo de Hopkins "... in your brand new fast car" . La referencia de Dylan a "la puerta del garaje" en el verso final de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" también puede ser una alusión al automóvil de la canción de Hopkins.

En 2013, el grupo experimental de hip-hop Death Grips lanzó una canción titulada "Puedes pensar que te ama por tu dinero, pero sé lo que realmente te ama porque es tu nuevo sombrero pastillero de piel de leopardo" que lleva el nombre de las últimas líneas de la canción.

Sesiones de grabación
Dylan comenzó a incluir "Leopard-Skin Pill-Box Hat" en sus conciertos en vivo con los Hawks a finales de 1965, y la canción fue una de las primeras composiciones que intentaron Dylan y los Hawks cuando en enero de 1966 entraron en los estudios de grabación de Columbia en Ciudad de Nueva York para grabar material para el álbum Blonde on Blonde . La canción se intentó el 25 de enero (2 tomas) y el 27 de enero (4 tomas), pero ninguna grabación se consideró satisfactoria. Una de las tomas del 25 de enero se publicó en 2005 en The Bootleg Series Vol. 7: Sin dirección a casa: la banda sonora .

Frustrado por la falta de progreso con los Hawks en las sesiones de Nueva York (solo una canción, " One of Us Must Know (Sooner or Later) ", se había realizado con éxito), Dylan se mudó a Nashville, Tennessee , en febrero de 1966. donde la noche del primer día de grabación (14 de febrero) se dedicó a "Leopard-Skin Pill-Box Hat". En la sesión estuvieron presentes Charlie McCoy ( guitarra y bajo ), Kenny Buttrey ( batería ), Wayne Moss (guitarra), Joseph A. Souter Jr. (guitarra y bajo), Al Kooper ( órgano ), Hargus Robbins ( piano ) yJerry Kennedy (guitarra). Ese mismo día, Dylan y la banda habían logrado tomas satisfactorias de " Fourth Time Around " y " Visions of Johanna " (que se incluyeron en el álbum), pero no se grabó ninguna de las 13 tomas de "Leopard-Skin Pill-Box Hat". el 14 de febrero fueron del agrado de Dylan. Dylan pronto dejó Nashville para tocar en algunos conciertos con los Hawks. Regresó en marzo para una segunda serie de sesiones. Una versión satisfactoria de "Leopard-Skin Pill-Box Hat" fue finalmente lograda en la madrugada del 10 de marzo de 1966 por Dylan junto con Kenny Buttrey, Henry Strzelecki en el bajo y Robbie Robertson de los Hawks en la guitarra principal (aunque el propio Dylan toca la guitarra solista en la canción'

Las sesiones de grabación se publicaron en su totalidad en la edición de coleccionista de 18 discos de The Bootleg Series vol. 12: The Cutting Edge 1965–1966 el 6 de noviembre de 2015, con lo más destacado de las tomas descartadas del 14 de febrero de 1966 que aparecen en las versiones de 6 y 2 discos de ese álbum.

Most Likely You Go Your Way (And I'll Go Mine)

" Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine " es una canción escrita y grabada por Bob Dylan para su álbum de 1966 Blonde on Blonde . La canción fue lanzada como sencillo dos veces durante su carrera, una en 1974, que alcanzó el número 66 en la lista de Estados Unidos, y nuevamente en 2007, apareciendo en el número 51 en la lista del Reino Unido.

Grabación
Grabado en Columbia Music Row Studios en Nashville, Tennessee , el 9 de marzo de 1966, la pista instrumental presenta a miembros del A-Team de músicos de estudio, incluidos Charlie McCoy en la trompeta, Kenny Buttrey en la batería, Jerry Kennedy , Joe South , y Wayne Moss a la guitarra, Hargus "Pig" Robbins al piano, Bill Aikins al órgano y Henry Strzelecki al bajo, junto con el guitarrista Robbie Robertson .

Actuaciones en vivo
"Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine" ganó una visibilidad significativa cuando fue con frecuencia la canción de apertura y bis del concierto en el Bob Dylan and The Band 1974 Tour . Una de esas actuaciones se incluyó más tarde ese año como la primera pista del álbum en vivo resultante, Before the Flood . Lanzado como sencillo, alcanzó el número 66 en el Billboard Hot 100 . Cash Box dijo que es un "rockero natural con un estilo más pesado y contemporáneo" y que "la interpretación musical eléctrica de la banda es el respaldo perfecto para el vocalmente intenso Dylan". Según su sitio web oficial, Dylan ha interpretado la canción más de 300 veces, y las actuaciones más recientes se produjeron en la etapa de otoño de 2021 de su gira mundial Rough and Rowdy Ways .

Absolutely Sweet Marie

Absolutely Sweet Marie es una canción del cantautor estadounidense Bob Dylan , que fue lanzada en la tercera cara del álbum doble y séptimo álbum de estudio de Dylan, Blonde on Blonde (1966). La canción fue escrita por Dylan y producida por Bob Johnston . Fue grabado alrededor de la 1:00 am del 8 de marzo de 1966 en Columbia Studio B , Nashville. Algunos comentaristas han interpretado que la canción trata sobre la frustración sexual.

La canción ha recibido elogios de la crítica; Rolling Stone colocó la pista en el puesto 78 en su ranking de 2015 de las 100 mejores canciones de Dylan. Dylan interpretó por primera vez "Absolutely Sweet Marie" en concierto en la primera noche de su gira Never Ending , en Concord, California , el 7 de junio de 1988. En total, ha tocado la canción en concierto 181 veces, la más reciente en 2012. Más tarde se incluyó en The Original Mono Recordings (2010) y aparecieron versiones alternativas en The Bootleg Series Vol. 12: La vanguardia 1965–1966 (2015). George Harrison interpretó la canción para The 30th Anniversary Concert Celebration (1993).

Antecedentes y grabación
Según el periodista Daryl Sanders, Al Kooper (en la foto de 2009) proporcionó un "riff de órgano inolvidable que mejoró la canción y le dio su gancho melódico principal".
El sexto álbum de estudio de Bob Dylan , Highway 61 Revisited , fue lanzado en agosto de 1965. Bob Johnston había producido todas menos las dos primeras de las seis sesiones de grabación, y fue nuevamente el productor cuando comenzó la grabación del próximo álbum de Dylan el 5 de octubre. 1965, en Columbia Studio A , Nueva York. Otras sesiones en Nueva York tuvieron lugar el 30 de noviembre y el 21, 25 y 27 de enero de 1966.  Johnston sugirió un cambio de ubicación a Nashville, después de que las sesiones de enero fueran improductivas. Robbie Robertson y Al Kooper, quienes habían tocado en sesiones anteriores, se unieron a músicos de sesión experimentados de Nashville, incluidos Joe South , Charlie McCoy , Wayne Moss y Kenneth Buttrey , para sesiones en Columbia Studio B , inicialmente el 14 de febrero de 1966.

"Absolutely Sweet Marie" se grabó alrededor de la 1:00 am del 8 de marzo de 1966, durante la décima sesión del álbum, que había comenzado a las 9:30 pm la noche anterior; fue la única canción tocada durante la sesión.  Dylan cantó y tocó la armónica, acompañado por Robertson, Moss, South y Mac Gayden (guitarras eléctricas); McCoy (guitarra acústica); Kooper (órgano); Hargus "Pig" Robbins (piano); Henry Strzelecki (bajo eléctrico); y Buttrey (batería). Un ensayo fue seguido por una toma completa; un falso comienzo; una segunda toma completa; y una grabación de parte de la canción (un "inserto"). La sesión terminó alrededor de las 4:00 am. La segunda de las tomas completas fue lanzada en Blonde on Blonde , el séptimo álbum de estudio de Dylan, el 20 de junio de 1966. El LP fue el primer álbum doble de rock , y apareció "Absolutely Sweet Marie". como la tercera de cinco pistas en el tercer lado. La primera toma completa fue lanzada en The Bootleg Series Vol. 12: La vanguardia 1965-1966 en 2015.

Composición e interpretación lírica
"Absolutamente dulce Marie" fue escrita por Dylan en el estudio. La letra manuscrita de la sesión refleja en gran medida las versiones grabadas, además de varios cambios en el primer verso. La letra original omite la "puerta del ferrocarril" que se encuentra en la primera línea de la versión publicada, y aunque el registro del estudio muestra la canción como "¿Dónde estás esta noche, dulce Marie?", la línea no aparece en la letra escrita o la primera toma. El puente de la canción , que se refiere a un "capitán de barco fluvial" que conoce el destino del narrador, tampoco está en la letra original, aunque hay una nota que dice "todos conocen mi destino". Oliver Trager señala que las posibles inspiraciones para el nombre de la canción han incluido "todo, desde un tipo de galleta hasta una famosa 'Fat Lady' de carnaval y una canción popular del siglo XIX de Percy French  ... ('Mountains of the Mourne')". Philippe Margotin y Jean-Michel Guedson describen la canción como una "canción de rock de medio tiempo", con similitudes con el sonido de la invasión británica . La percusión de Buttrey ocupa un lugar destacado en la pista; el organista Kooper comentó que "el ritmo es asombroso, y eso es lo que hace que la pista funcione".

El narrador de la canción está encarcelado. En Vanity Fair , Mike Hogan escribió que la canción trataba sobre "estar a merced de una mujer mucho más fuerte". El periodista Paul Williams considera que "todo el álbum trata sobre la sexualidad y el poder", y nombra "Absolutely Sweet Marie" como una de varias canciones de Blonde on Blonde refiriéndose al "poder y la confusión de la conexión sexual, los misterios y las frustraciones y recompensas del encuentro sexual (siempre atado al problema o miedo a ser incomprendido)".El crítico Andy Gill y Trager interpretan la canción como una frustración sexual, citando las líneas en las que el narrador se refiere a "tocar mi trompeta" después de mencionar "se vuelve tan difícil, ya ves". Gill señala que las imágenes utilizadas en la canción, como los ferrocarriles, habían adquirido una connotación sexual en las canciones; "caballos blancos" en el tradicional " She'll Be Coming 'Round the Mountain ", y " See That My Grave Is Kept Clean " de Blind Lemon Jefferson , son una "imagen blues de la potencia sexual". El erudito de inglés Louis Renza comentó que la canción de Dylan "sin duda trata de insinuaciones sexuales de principio a fin".

La canción presenta rimas en mosaico al estilo del poeta Robert Browning y como se usa en algunas canciones de Tin Pan Alley . El estudioso de la literatura Jim Curtis escribió que "Absolutely Sweet Marie" "tiene una estrofa de cinco versos que rima ababb, donde las rimas a son consistentemente rimas en mosaico. Por lo tanto, en la primera estrofa Dylan rima 'Jump it/trumpet' y en la segunda estrofa 'medio enfermo/tráfico'". El estudioso de la música Larry Starr escribió sobre "Absolutely Sweet Marie" que era "probablemente la menos convencional de las canciones de Blonde on Blonde desde un punto de vista formal". Destacó cómo la música bridge se presenta dos veces, con letras diferentes y un "comienzo repentino y sorprendente en un acorde desafinado".

Durante una entrevista de 1991 publicada en el libro de Paul Zollo Songwriters on Songwriting (1997), Dylan da una idea de cómo ve la canción en su explicación de una línea sobre un "ferrocarril amarillo":


La canción contiene la frase "Para vivir fuera de la ley debes ser honesto". Jonathan Lethem señala una línea muy similar del guionista Stirling Silliphant en la película de 1958 The Lineup : "Cuando vives fuera de la ley, tienes que eliminar la deshonestidad"; sin atribución, Lethem imagina que Dylan "lo escuchó... lo limpió un poco y lo insertó en" esta canción. Esta posible alusión también es señalada por Trager.

Recepción crítica
El crítico de The Sun-Herald dio una visión negativa de lo que llamaron "canciones pop" en Blonde on Blonde , mencionando "Absolutely Sweet Marie" y otras pistas, descartándolas con el comentario de que "las palabras elegantes tienden a ocultar el hecho de que no hay nada allí en absoluto".

El biógrafo de Dylan, Robert Shelton , encontró la pista "pegadiza y brillante, provocada por una gran proclamación de órgano  ... El sonido del conjunto de la banda es apretado, sobre una percusión insistente". Michael Gray escribió que "las palabras son transportadas por un mar de rica música roja, balanceándose con un ritmo elegante y muy distintivo". Gray elogió la interpretación vocal de Dylan como una de las mejores, y considera que la entrega de la línea que concluye cada estrofa tiene "tanta variedad alerta en la entrega como sería humanamente pero felizmente posible". Trager escribió que la canción es "un elixir para aquellos que encontraban las canciones de Dylan de mediados de los 60 un poco adustas  ..., salto rápido completo con una serie de líneas memorables que podrían ser el koan de cualquiera ". Un crítico de Runcorn Weekly News describió "Absolutamente dulce Marie" como una "verdadera joya". Curtis elogió cómo "la disciplina y dominio verbal para crear estructuras tan estables para sus sorprendentes imágenes. Las tensiones entre sus imágenes surrealistas e impredecibles y sus formas tradicionales y predecibles en estrofa producen los efectos extraordinarios a los que respondimos tan intensamente".

Rolling Stone colocó la pista en el puesto 78 en su clasificación de 2015 de las 100 mejores canciones de Dylan, calificándola de "una carta de amor críptica que monta un teclado eléctrico de goma de mascar y una guitarra de blues-rock brillante". El autor John Nogowski destacó el "solo de armónica salvaje" de la mitad de la canción y calificó la canción como "A". En 1991, Dylan dijo de la canción: "Ha madurado bien... Es como vino añejo".

Actuaciones en vivo y lanzamientos posteriores
Dylan interpretó por primera vez "Absolutely Sweet Marie" en vivo en un concierto en la primera noche de su Never Ending Tour , en Concord, California , el 7 de junio de 1988. Según el sitio web oficial de Dylan, ha tocado la canción en vivo. 181 veces, más recientemente en 2012. La pista se incluyó en álbumes llamados Bob Dylan's Greatest Hits 2 en los Países Bajos y Alemania Occidental en 1967, con "Marie" escrita incorrectamente como "Mary" en la portada y la etiqueta. El mismo error ortográfico ocurrió en otros lanzamientos en diferentes formatos de Greatest Hits 2 de Bob Dylan en Francia, India y Yugoslavia. La canción fue incluida en The Original Mono Recordings (2010) y versiones alternativas aparecieron en The Bootleg Series Vol. 12: La vanguardia 1965–1966 (2015).