For No One

«For No One» –en español: «Para nadie»– es una canción escrita por Paul McCartney (aunque se atribuye a Lennon/McCartney) que aparece originalmente en el séptimo álbum de los Beatles, Revolver. La canción termina abruptamente, así como la relación que describe. El título original de la canción fue Why Did It Die? ("¿Por qué eso murió?"). McCartney estaba por entonces de novio con la actriz Jane Asher, con quién rompería dos años después.

Escritura y grabación de la canción
"For No One" fue compuesta tras una pelea de Paul McCartney con su novia en ese entonces, Jane Asher, durante un viaje de esquí a los Alpes suizos a inicios de 1966. Destaca por ajustarse a lo esencial y sin mayores arreglos, tanto en la letra como en la música. El estilo barroco característico parece que fue inspirado por la madre de Asher, una profesora de música que le enseñó a McCartney las piezas de Johann S. Bach y Joseph Haydn.

Se grabó los días 9, 16 y 19 de mayo de 1966. Paul cantó, tocó el piano y el bajo, mientras Ringo tocó la batería y la tamborina. El solo de corno francés fue interpretado por Alan Civil. Paul quería incluir este instrumento porque siempre le había gustado, por lo que habló con George Martin y éste quiso traer al mejor intérprete posible. Cuando Civil terminó de interpretar el excelente solo, Paul se atrevió a decirle que estaba bien, pero que podía hacerlo mejor. Finalmente, fue esa primera toma la que se utilizó.

La canción es notable por su sonido pop barroco y un contenido triste y nostálgico, en el que su autor narra que ha comprobado que su relación amorosa se termina. La parte instrumental está dominada por los sencillos acordes del piano de McCartney.

Es una de las pocas canciones de The Beatles en las que no participan del todo en los instrumentos o vocales John Lennon y George Harrison, al ser grabada evitando la dinámica habitual de grupo. Esta tendencia individualista de McCartney resultaría poco aceptada por sus compañeros de banda en años posteriores.

I Want to Tell You

" I Want to Tell You " es una canción del grupo de rock inglés The Beatles de su álbum Revolver de 1966 . Fue escrita y cantada por George Harrison , el guitarrista principal de la banda. Después de " Taxman " y " Love You To ", fue la tercera composición de Harrison grabada para Revolver . Su inclusión en el LP marcó la primera vez que se le asignaron más de dos canciones en un álbum de los Beatles, un reflejo de su continuo crecimiento como compositor junto a John Lennon y Paul McCartney .

Al escribir "I Want to Tell You", Harrison se inspiró en su experimentación con la droga alucinógena LSD . La letra aborda lo que luego denominó "la avalancha de pensamientos que son tan difíciles de escribir, decir o transmitir".  En combinación con el mensaje filosófico de la canción, el riff tartamudo de guitarra de Harrison y la disonancia que emplea en la melodía reflejan las dificultades para lograr una comunicación significativa. La grabación marcó la primera vez que McCartney tocó su parte de bajo después de que la banda había completado la pista rítmica de una canción, una técnica que se convirtió en algo común en las grabaciones posteriores de los Beatles.

Entre los críticos musicales y los biógrafos de los Beatles, muchos escritores han admirado la actuación del grupo en la pista, en particular el uso de McCartney del melisma vocal al estilo indio . Harrison interpretó "I Want to Tell You" como canción de apertura durante su gira japonesa de 1991 con Eric Clapton . Una versión grabada durante esa gira aparece en su álbum Live in Japan . En el homenaje del Concierto para George en noviembre de 2002, un año después de la muerte de Harrison, la canción se usó para abrir la parte occidental del evento, cuando fue interpretada por Jeff Lynne . Ted Nugent , los Smithereen , Thea Gilmore y los Melvinse encuentran entre los otros artistas que han hecho una versión de la pista.

Antecedentes e inspiración
George Harrison escribió "I Want to Tell You" a principios de 1966, año en el que su composición maduró en términos de contenido y productividad.  Como compositor secundario de John Lennon y Paul McCartney en los Beatles , Harrison comenzó a establecer su propia identidad musical a través de su absorción en la cultura india,  así como la perspectiva que obtuvo a través de su experiencias con la droga alucinógena dietilamida del ácido lisérgico (LSD).  Según el autor Gary Tillery, la canción fue el resultado de un "surgimiento creativo" que Harrison experimentó a principios de 1966.  Durante el mismo período, a los Beatles se les había otorgado un tiempo inusualmente largo libre de compromisos profesionales debido a su decisión . rechazar A Talent for Loving como su tercera película para United Artists . Harrison usó este tiempo para estudiar el sitar indio y, como Lennon, para explorar cuestiones filosóficas en su composición mientras se preparaba para grabar el próximo álbum de la banda, Revolver .

En su autobiografía, I, Me, Mine , Harrison dice que "I Want to Tell You" aborda "la avalancha de pensamientos que son tan difíciles de escribir, decir o transmitir".  Los autores Russell Reising y Jim LeBlanc citan la canción, junto con " Rain " y " Within You Without You ", como un ejemplo temprano de que los Beatles abandonaron las declaraciones "tímidas" en sus letras y en su lugar adoptaron un tono urgente, con la intención de canalizar algunos conocimientos esenciales, las epifanías psicológicas y/o filosóficas de la experiencia con LSD" a sus oyentes.  Escribiendo en The Beatles Anthology, Harrison comparó la perspectiva inspirada por tomar la droga con la de "un astronauta en la luna, o en su nave espacial, mirando hacia atrás a la Tierra. Estaba mirando hacia atrás a la Tierra desde mi conciencia".

El autor Robert Rodríguez considera que la canción refleja los efectos de la búsqueda de Harrison de una mayor conciencia, en el sentido de que "cuanto más rápido y de mayor alcance llegaban sus pensamientos, mayor era la lucha por encontrar las palabras para expresarlos".  Como se reproduce en I, Me, Mine ,  la letra original de Harrison era más directa y personal, en comparación con el enfoque filosófico de la canción completa. Este último, sin embargo, ha invitado a interpretarse como una canción de amor estándar , en la que el cantante entra cautelosamente en un romance. Otra interpretación es que el tema de la falta de comunicación fue una declaración sobre la divergencia de los Beatles con respecto a su audiencia, durante una época en la que el grupo se había cansado de realizar conciertos ante los gritos de los fanáticos.

Composición

Música
"I Want to Tell You" está en la tonalidad de La mayor  y en un compás estándar de 4/4 .  Contiene un riff de guitarra descendente de registro bajo que el periodista musical Richie Unterberger describe como "circular, completo" y "típico del mod rock británico de 1966".  El riff abre y cierra la canción y se repite entre los versos.  Particularmente sobre la introducción, los silencios entre las notas sincopadas del riff crean un efecto de tartamudeo. Las anomalías métricas sugeridas por este efecto se confirman aún más en el desnivel de once compases .longitud del verso.  La parte principal de la canción consta de dos estrofas, un puente (u ocho del medio),  seguido de una estrofa, un segundo puente y la estrofa final.

   La canción trataba sobre la frustración que todos sentimos al tratar de comunicar ciertas cosas con solo
   palabras. Me di cuenta de que los acordes que conocía en ese momento simplemente no capturaban ese
   sentimiento. Se me ocurrió este acorde disonante [E7 ♭ 9] que realmente reflejaba esa sensación de
   frustración.


Según Rodríguez, "I Want to Tell You" es un ejemplo temprano de cómo Harrison "hace coincidir la música con el mensaje",  ya que los aspectos del ritmo, la armonía y la estructura de la canción se combinan para transmitir las dificultades para lograr una comunicación significativa. Como en su composición de 1965 " Think for Yourself ", la elección de acordes de Harrison refleja su interés en la expresividad armónica.  El verso comienza con una armoniosa progresión de nota de melodía EABC#-E sobre un acorde de La mayor, después de lo cual la melodía comienza un fuerte ascenso con un movimiento hacia el acorde II7 (B7).  Además de la calidad fuera de serie del riff de apertura, identifica este cambio de acorde como parte de las características desorientadoras de los versos, debido a que el cambio ocurre a la mitad del cuarto compás, en lugar de al comienzo de la medida.  La disonancia musical y emocional se intensifica con el uso de E7 ♭ 9,  un acorde con el que Harrison dijo que se topó mientras luchaba por un sonido que transmitiera adecuadamente una sensación de frustración.  Con el regreso al acorde I para el riff de guitarra, la progresión armónica a través del verso sugiere lo que el autor Ian MacDonald llama "una variante oriental de la escala de La mayor " que es "más árabe que india".

Las ocho secciones centrales presentan un contenido armónico más suave en relación con la estridente progresión sobre los versos.  La melodía abarca los acordes de si menor, séptima disminuida y mayor, junto con la mayor.  Las voces internas dentro de este patrón de acordes producen un descenso cromático de notas a través de cada semitono desde F ♯ a C ♯ . El musicólogo Walter Everett comenta sobre la idoneidad de la letra conciliadora "Tal vez lo entenderías", que cierra la segunda de estas secciones, ya que la melodía concluye con una cadencia auténtica perfecta., representando en términos musicales "un emblema natural para cualquier encuentro".

Pollack ve el outro de la canción como en parte una repetición de la introducción y en parte una salida en la forma de "un estilo de final de desvanecimiento de uno-dos-tres " . En la grabación de los Beatles, las voces del grupo en esta sección incluyen gamaks de estilo indio (interpretadas por McCartney)  en la palabra "tiempo", creando un efecto de melisma que también está presente en la pista " Love You " de Harrison Revolver . A "  y en "Rain" de Lennon.  Además de la redacción prolongada de Harrison sobre la primera línea de los versos, este detalle demuestra la sutil influencia india de la composición.

Letras
La letra de "I Want to Tell You" aborda los problemas de comunicación  y la insuficiencia de las palabras para transmitir una emoción genuina.  Escribiendo en 1969, el autor Dave Laing identificó "desesperación serena" en el "intento de contacto real total en cualquier contexto interpersonal" de la canción. El autor Ian Inglis señala que líneas como "Mi cabeza está llena de cosas que decir" y "Los juegos comienzan a arrastrarme hacia abajo" presentan en términos modernos los mismos conceptos sobre las barreras interpersonales con las que los filósofos han luchado desde el período presocrático .

MacDonald cita la letra del primer puente: "Pero si parezco actuar de manera cruel / Soy solo yo, no es mi mente / Eso es confundir las cosas", como un ejemplo de cómo Harrison aplica un enfoque filosófico oriental a las dificultades en la comunicación, al presentar como "contradicciones entre diferentes niveles del ser". En la interpretación de Laing, las entidades "yo" y "mi mente" representan, respectivamente, "ego individualista, egoísta" y "el no-yo budista, liberado de las ansiedades del tiempo histórico". En I, Me, Mine , sin embargo, Harrison afirma que, en retrospectiva, el orden de "yo" y "mi mente" debería invertirse, ya que: "Además de la lectura de Laing del mensaje de la canción, el autor y crítico Tim Riley considera que las barreras en la comunicación son los límites impuestos por el ansioso concepto occidental del tiempo, ya que Harrison, en cambio, "busca el intercambio saludable y las posibilidades ilustradas" que se ofrecen fuera de tales limitaciones.  Según Riley, "la clave trascendental" son, por lo tanto, las líneas finales de la canción: "No me importa / Podría esperar para siempre, tengo tiempo", lo que significa que el cantante se libera de la vejación y las restricciones temporales.

Grabación
Sin título en ese momento,  "I Want to Tell You" fue la tercera composición de Harrison que los Beatles grabaron para Revolver ,  aunque su presentación inicial para una tercera contribución fue " Isn't It a Pity ".  Era la primera vez que se le permitía más de dos canciones en uno de los álbumes del grupo.  La oportunidad surgió debido a la incapacidad de Lennon para escribir material nuevo durante las semanas anteriores.  Exasperado por la costumbre de Harrison de no titular sus composiciones, Lennon lo llamó en broma "Granny Smith Part Friggin' Two" - refiriéndose al título de trabajo, derivado de la manzana Granny Smith ,  para "Love You To".  Siguiendo el comentario de Lennon, Geoff Emerick , el ingeniero de grabación de los Beatles, llamó a la nueva canción "Laxton's Superb" en honor a otra variedad de manzana .

Los Beatles grabaron la pista principal, que constaba de guitarras, piano y batería,  en EMI Studios (ahora Abbey Road Studios ) en Londres.  La sesión tuvo lugar el 2 de junio de 1966,  el día después de que Harrison conoció al músico clásico indio Ravi Shankar por primera vez y obtuvo el acuerdo de Shankar para ayudarlo a dominar el sitar.  La banda grabó cinco tomas de la canción antes de que Harrison seleccionara la tercera para seguir trabajando.  Después de la reducción a una sola pista en la cinta maestra de cuatro pistas , su actuación consistió en Harrison en la guitarra principal, tratada con un efecto Leslie , McCartney en el piano y Ringo Starr en la batería, con Lennon agregando pandereta.  Luego, el grupo superpuso las voces, con McCartney y Lennon cantando partes de armonía paralelas junto a la voz principal de Harrison.  Otras sobregrabaciones incluyeron maracas , cuyo sonido Pollack compara con una serpiente de cascabel; piano adicional, al final de las secciones del puente y sobre el acorde E7 ♭ 9 en los versos; y palmadas.

Creada durante un período en el que los Beatles habían abrazado por completo el estudio de grabación como medio de expresión artística, la grabación añadió más al mensaje detrás de la canción.  Al igual que " Eight Days a Week ", la pista terminada comienza con un fundido de entrada,  un dispositivo que, en combinación con el fundido de salida, según Rodríguez, "proporcionó un efecto circular, que combinaba perfectamente con la canción". falta de resolución".  Everett reconoce de manera similar la "impaciencia torpe de tocar con los dedos" de McCartney en el piano sobre el acorde E7 ♭ 9 como una expresión adecuada de la lucha por articular.

La sobregrabación final fue la parte de bajo de McCartney, que agregó el 3 de junio.  El proceso de grabar el bajo por separado de una pista de ritmo proporcionó una mayor flexibilidad al mezclar una canción,  y permitió a McCartney controlar la estructura armónica de la música mediante la definición de acordes.  Según lo confirmado por el historiador de grabaciones de la banda, Mark Lewisohn ,  "I Want to Tell You" fue la primera canción de los Beatles en tener el bajo superpuesto en una pista dedicada en la grabación.  Esta técnica se convirtió en un lugar común en el trabajo posterior de los Beatles.  Durante la sesión del 3 de junio, la canción pasó a llamarse temporalmente "I Don' que había sido la respuesta de Harrison a una pregunta del productor George Martin sobre cómo quería llamar a la pista.  El título final se decidió el 6 de junio, durante una sesión de remezclas y copia de cintas para el álbum.

Lanzamiento y recepción
El sello Parlophone de EMI lanzó Revolver el 5 de agosto de 1966,  una semana antes de que los Beatles comenzaran su última gira por América del Norte .  "I Want to Tell You" se secuenció en la cara dos del LP entre la canción de Lennon sobre un médico de Nueva York que administraba dosis de anfetaminas a sus pacientes adinerados,  " Doctor Robert " y " Got to Get You into My Life ", que McCartney dijo que escribió como "una oda a la marihuana ".  Para la versión norteamericana de Revolver , sin embargo,Capitol Records omitió "Doctor Robert", junto con otras dos pistas escritas por Lennon;  como resultado, el lanzamiento estadounidense de once canciones reforzó el nivel de contribución de McCartney  y de Harrison.

Según el biógrafo de los Beatles, Nicholas Schaffner , las composiciones de Revolver de Harrison, " Taxman ", que abrieron el álbum, la música india , al estilo "Love You To" y "I Want to Tell You", lo establecieron como compositor dentro de la banda.  Al recordar el lanzamiento en la edición de 2004 de The Rolling Stone Album Guide , Rob Sheffield dijo que Revolver mostraba una diversidad de emociones y estilos que iban desde la "música más bonita" de los Beatles hasta "la más aterradora", entre las que "I Want to Tell You" representó a la banda en "su momento más amistoso". Al comentar sobre la inclusión sin precedentes de tres de sus canciones en un álbum de los Beatles, Harrison le dijo a Melody Maker en 1966 que se sentía en desventaja por no tener un colaborador, como lo estaban Lennon y McCartney entre sí.  Agregó: "cuando estás compitiendo contra John y Paul, tienes que ser muy bueno para estar en la misma liga".

El crítico del álbum de Melody Maker escribió que "las personalidades individuales de los Beatles ahora se muestran alto y claro" y admiró la combinación de motivos de guitarra y piano y armonías vocales de la canción.  En su revisión conjunta en Record Mirror , Richard Green encontró la pista "Bien escrita, producida y cantada" y elogió el canto armónico, mientras que Peter Jones comentó sobre la efectividad de la introducción y concluyó: "La deliberadamente desafinada los sonidos en el fondo son de nuevo muy distintivos. Agrega algo a un número fuertemente romántico". Maureen Cleave de The Evening Standardexpresó su sorpresa de que Harrison hubiera escrito dos de las mejores pistas del álbum, en "Taxman" y "I Want to Tell You", y describió a esta última como una "buena canción de amor".

En Estados Unidos, debido a la controversia en torno a la observación de Lennon de que los Beatles se habían vuelto más populares que el cristianismo , las críticas iniciales de Revolver fueron relativamente tibias.  Mientras comentaba sobre este fenómeno en septiembre de 1966, el crítico de KRLA Beat describió "I Want to Tell You" como "inusual, recientemente melódica e interesante" y lamentó que, al igual que con canciones como " She Said She Said " y " Yellow Submarine ", se le estaba negando el reconocimiento que merecía.

Evaluación retrospectiva y legado
Escribiendo en la edición conmemorativa de Harrison de Rolling Stone , en enero de 2002, Mikal Gilmore reconoció su incorporación de la disonancia en "I Want to Tell You" como "revolucionaria en la música popular" en 1966. Gilmore consideró que esta innovación era "quizás más originalmente creativo" que el estilo vanguardista que Lennon y McCartney tomaron de Karlheinz Stockhausen , Luciano Berio , Edgar Varese e Igor Stravinsky e incorporaron al trabajo de los Beatles durante el mismo período.  Según el musicólogo Dominic Pedler, el E7 ♭El acorde 9 que Harrison introdujo en la canción se convirtió en "uno de los más legendarios de todo el catálogo de los Beatles".  Hablando en 2001, Harrison dijo: "Estoy muy orgulloso de eso, ya que literalmente inventé ese acorde... John más tarde lo tomó prestado en I Want You (She's So Heavy) : sobre la línea. Me está volviendo loco.

En su descripción general de "I Want to Tell You", Alan Pollack destaca el riff de guitarra descendente de Harrison como "uno de esos grandes patrones de ostinato de todos los tiempos que establece el tono de toda la canción desde el principio".  El productor y músico Chip Douglas ha declarado que basó el riff de guitarra del éxito de 1967 de los Monkees " Pleasant Valley Sunday " en la canción de los Beatles. Neil Innes de Bonzo Dog Doo-Dah Band (y más tarde de Rutles ) recuerda estar en Abbey Road Studios mientras los Beatles grababan "I Want to Tell You" y su banda trabajaba en un vodevil de los años 20.canción titulada "Mi hermano hace los ruidos para el cine sonoro".  Innes dijo que escuchó a los Beatles reproducir "I Want to Tell You" a todo volumen y luego apreció, en palabras del periodista musical Robert Fontenot, "cuán fuera de su alcance, creativamente".  Desde entonces, Innes ha incluido su recuerdo de este episodio en su espectáculo teatral.

Got to Get You into My Life

«Got to Get You into My Life» –en español: «Quiero que entres en mi vida»– es una canción del grupo británico The Beatles, escrita por Paul McCartney (acreditada como Lennon/McCartney), que apareció en el álbum Revolver. Fue lanzada como sencillo en los Estados Unidos en 1976, una década después que en Inglaterra, seis años después de la separación de la banda y por último diez años después del lanzamiento del álbum Revolver. Este fue un sencillo que fue lanzado como promoción para el álbum Rock 'n' Roll Music, en Estados Unidos donde fue n.° 7 en el Billboard Hot 100, y el último sencillo entre los 10 primeros hasta 1995 con "Free as a Bird".

La canción fue un tributo a la música soul de Memphis inspirada por Stax Records, que utiliza extensivamente una instrumentación de vientos; aunque tiene el formato de una canción de amor, McCartney ha revelado que la canción fue una oda al acto de fumar marihuana.

"Oda al porro"
En el libro Paul McCartney: Many Years from Now, de Barry Miles, McCartney revela que la canción se refiere a la marihuana; "Realmente es una oda al porro".

  "Got to Get You into My Life" fue una canción que escribí cuando recién había sido introducido al porro;...
   Así que es realmente una canción sobre eso, no es sobre una persona.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es el octavo álbum de estudio de la banda británica de rock, The Beatles. Publicado el 26 de mayo de 1967, es a menudo citado por la crítica como una de sus mejores obras y uno de los discos más influyentes de todos los tiempos.​ Continuando con la maduración artística de la banda vista en Revolver (1966), se alejó bastante del pop rock convencional de la época e incorporó elementos poco comunes y muy divergentes entre sí a su música, como música india, música psicodélica, music hall, e influencias sinfónicas. ​Se dice que este álbum es una respuesta al aclamado Pet Sounds del grupo The Beach Boys publicado en 1966, y considerado por la crítica como otro de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Durante las sesiones de Sgt. Pepper's, la banda logró mejorar la calidad en la producción de su música, mientras que experimentaban con nuevas técnicas de grabación; entre ellas, la idea por parte del productor George Martin de incluir una orquesta. La portada del álbum, extensamente aclamada e imitada; fue diseñada por los artistas Peter Blake y Jann Haworth, a partir de un dibujo de Paul McCartney.

Pasó 27 semanas en la cima del UK Album Chart en el Reino Unido;​ y alcanzó el primer lugar del Billboard 200 de Estados Unidos, manteniéndose ahí durante 15 semanas.​

De forma fundamental, el álbum es la cumbre del rock psicodélico junto con The Piper at the Gates of Dawn de Pink Floyd y el génesis de lo que hoy conocemos como álbum conceptual, que inmediatamente después de salir a la venta se convirtió en un ícono de la cultura popular y en una de las principales influencias creativas y técnicas de una enorme cantidad de artistas. La portada del álbum es considerada un obra de arte en sí misma y un hito del posmodernismo. Obtuvo también cuatro Premios Grammy en 1968, incluido el de mejor álbum del año, siendo el primer ábum de rock en conseguir este premio.​ Es uno de los álbumes más vendidos de la historia, con 32 millones de ventas estimadas;​ y también se ha convertido en el segundo álbum más vendido en la historia del Reino Unido.​ Innovador en muchos sentidos, desde su estructura hasta sus técnicas de grabación, fue agregado al Registro Nacional de la Grabación de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por ser «cultural, histórica, o estéticamente significativo».

En 2003, Rolling Stone lo situó en el número 1 de su lista «500 Greatest Albums of All Time», mientras que en el 2020, fue colocado en el puesto 24.

Antecedentes
En 1966, The Beatles estaban ya cansados de las giras y de la presión de la Beatlemanía. Durante la gira por Filipinas, el grupo fue invitado por la primera dama del país Imelda Marcos a un desayuno en el Palacio de Malacañan. La invitación fue rechazada cortésmente por el mánager del grupo Brian Epstein, debido a la política de The Beatles de no aceptar invitaciones presidenciales. Sin embargo, el régimen presidencial se ofendió bastante con este rechazo, por lo que el grupo tuvo que escapar del país en medio de disturbios.

Sumado a eso, al empezar la gira por Estados Unidos a mediados de 1966, The Beatles fueron recibidos por organizaciones religiosas extremadamente molestas,17​ provocadas por una declaración de Lennon en marzo,18​ en la cual este opinaba que «The Beatles eran más populares que Jesucristo», mientras que la popularidad del cristianismo estaba decayendo.​ El odio por The Beatles de parte de las sectas religiosas estadounidenses llegó hasta el punto de amenazar con dispararles y también quemando álbumes del grupo en las afueras de los estadios, tal como lo recordaría Lennon:

   En la noche del concierto en algún lugar del sur (Memphis), alguien prendió un petardo mientras estábamos
   en concierto. Había amenazas de dispararnos, y el Ku Klux Klan estaba quemando nuestros álbumes afuera 
   Alguien había encendido un petardo y todos los miembros del grupo nos miramos  los unos a los otros, porque
   pensábamos que a alguno de nosotros nos habían disparado. Fue muy desagradable.

Debido a los escándalos vividos, al finalizar la gira de 1966 en los Estados Unidos, en un 29 de agosto 1966, decidieron dar su último concierto oficial en el Candlestick Park en San Francisco.​ El distanciamiento entre el grupo y sus fanáticos aumentaba cada vez más,​ y Lennon comentaría:

   Estamos hartos de hacer música ligera para gente ligera, y también estamos hartos de tocar para esa gente.

Incluso Paul McCartney, quien anteriormente era el más entusiasta con la gira, decidió que «ya era suficiente».

Después del retorno del grupo al Reino Unido, se originaron rumores que aseguraban que la banda había decidido separarse, aunque serían posteriormente desmentidos por Epstein. Después de eso, los cuatro Beatles se tomaron unas vacaciones de casi dos meses, en las cuales cada miembro se embarcó en sus proyectos personales; en 1966 George Harrison viajó a la India por seis semanas para perfeccionar su forma de tocar con el sitar, bajo la tutela de Ravi Shankar; mientras que McCartney y George Martin colaboraron en la banda sonora de la película Luna de miel en familia.​ También en el mismo año, Lennon actuó en la película Cómo gané la Guerra en Almería, España, componiendo en ese lugar los primeros versos de «Strawberry Fields Forever».​ Además, asistió a varias galerías de arte; de hecho, en la Galería Indica de Londres, conocería a su futura esposa Yoko Ono. El baterista Ringo Starr usó las vacaciones para pasar más tiempo con su esposa y con su primer hijo Zak.​

En noviembre, durante el vuelo de retorno desde Estados Unidos hacia Londres junto con el roadie de la banda, Mal Evans, a McCartney se le ocurrió la idea de crear una banda ficticia que sustituyera a The Beatles, pero este la plasmaría en una canción.​ Meses más tarde, esta canción inspiraría la idea conceptual de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.​ Después, cuando los cuatro miembros se juntaron en los estudios Abbey Road, fueron bastante claros con el productor George Martin:

   Lennon: «Es muy simple. Estamos cansados de tocar en público. Pero esto nos da un nuevo comienzo, ¿no lo
   ves?».
   McCartney: «No podemos estar tranquilos en escena por culpa de todos esos gritos. Tratamos de tocar
   canciones en directo [de Revolver], pero hay overdubs tan complicados que nunca lo pudimos hacer. Ahora
   podemos grabar lo que queramos, ya no nos importará que tan complicado sea. Queremos poner el listón muy
   alto, y hacer el mejor álbum que jamás hayamos hecho».
   Lennon: «Lo que queremos decir, es que si dejamos las giras, podremos grabar música que no tendremos que
   interpretar en vivo, y eso significa que podemos crear algo de lo que nunca nadie ha oído hablar, un nuevo
   tipo de música con nuevos tipos de sonidos».​

Así que el 24 de noviembre de 1966 se dispusieron a grabar la primera canción prevista para estar en el álbum, «Strawberry Fields Forever», aunque esto no fue así, ya que esta canción sería lanzada como sencillo.

Inspiración y concepto
Cuando The Beatles habían dejado las giras en directo, Lennon ironizó con los hechos diciendo que «envíen cuatro figuras de cera  eso satisfará a la gente».

A principios de febrero de 1967, a McCartney se le ocurriría la idea de grabar un álbum que representara el concierto de una banda ficticia, Este álter ego de The Beatles les daría la libertad para experimentar con su música hasta el límite.

McCartney también diría que:

  Pensé, dejemos de ser nosotros. Creemos un álter ego [...] no íbamos a ser nosotros haciendo toda esa
   música, no íbamos a ser The Beatles, sería otra banda completamente diferente, así que fuimos capaces de
   perder nuestras identidades en esto.

George Martin también opinaría sobre la banda ficticia:

   El Sargento Pepper no apareció hasta que estábamos en mitad de la grabación del álbum.

   Era solo una canción de Paul, nada del otro mundo [...] pero cuando la terminamos, Paul dijo, '¿Por qué no
   hacemos el álbum como si la Banda Pepper realmente existiera, y como si el Sargento Pepper estuviera
   haciendo el álbum?'.

   Me encantó la idea, desde ese momento el Pepper tuvo vida propia.

Estéticamente, los cuatro Beatles también cambiaron de manera radical, Cada miembro cambio absolutamente su look portando temporalmente un bigote que los caracterizó a ambos. Lennon adelgazó mucho y empezó a usar sus conocidos lentes además de cambiar su peinado a uno más corto dándole un poco de forma con el tiempo, aunque la verdad se veía más viejo y dio un cambio radical a su apariencia anterior de 1966, McCartney se cortó más el cabello y lo solía llevar despeinado además de portar su bigote aunque igualmente se le veía un poco más delgado de lo que estaba anteriormente pero lo que más se notó fue el cambio notorio de sus rasgos faciales, algo que luego se convertiría en todo un mito de Paul está muerto, Harrison se dejó crecer la cabellera y se le veía un poco más cambiado de la cara, seguramente por las drogas y sus adicciones. Starr no cambió mucho, simplemente tenía el cabello más despeinado pero destacó igualmente su bigote. Adentrándose en el papel de la banda de Sgt. Pepper's. Se habían dejado crecer las patillas y el bigote, y sus peinados cambiaron, lo cual influyó ciertamente en la cultura hippie.​ Los clásicos trajes que usaban, fueron reemplazados por psicodélicos uniformes militares inspirados en la época eduardiana.​ Según McCartney la banda fue nombrada así para «alterar nuestras identidades, liberarnos y divertirnos». Además, el nombre de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band está ligado a la tendencia estadounidense de ponerles «nombres largos» a sus grupos, como Quicksilver Messenger Service o Big Brother and the Holding Company.​ Por lo que sobre la base de la idea de McCartney de Sgt. Pepper's, The Beatles decidieron darle a su álter ego un «nombre largo».

Trama
El álbum comienza con el sonido de una orquesta afinando sus instrumentos, para luego dar paso a la canción «Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band», la cual presenta a la banda misma y a su líder ficticio Billy Shears (interpretado por Ringo Starr).

El roadie Neil Aspinall sugirió que esta canción funcionara como el compère del propio álbum.

Inmediatamente después de terminar la canción de obertura, suenan voces coreando el nombre de Billy Shears, dando comienzo a la canción «With a Little Help from My Friends», cantada por el mismo líder, quien responde preguntas planteadas por su propia audiencia.​ Un reprise de la canción que le da el título al álbum aparece como la penúltima canción del álbum, idea también concebida por Aspinall, como una especie de canción de despedida.​

Sin pausa alguna, comienza el llamado clímax del álbum, «A Day in the Life».​ Sin embargo, la banda abandonó el concepto original exceptuando las dos primeras canciones y al reprise de la primera, por lo que la trama del álbum se termina convirtiendo en una narración enmarcada.​ De hecho, el propio Lennon reconoció que las canciones que escribió para el álbum no tienen nada que ver con el concepto de Sgt. Pepper's, y señaló que ninguna de las otras canciones lo hicieron, diciendo que «cualquiera de las otras canciones [de Sgt. Pepper's] podrían estar en cualquier otro álbum».​ A pesar de las declaraciones de Lennon, el álbum ha sido ampliamente señalado como un temprano e innovador ejemplo de un álbum conceptual.​

Grabación
Las sesiones de Sgt. Pepper's comenzaron a finales de noviembre de 1966 con una serie de canciones que formarían un álbum temáticamente unido por las infancias de los cuatro Beatles, concepto ideado por Lennon. El resultado inicial de estas grabaciones se convertirían en «Strawberry Fields Forever», «When I'm Sixty-Four» y «Penny Lane». Una pieza grabada entre las tomas de «Penny Lane», es «Carnival of Light». Se trata de un collage sonoro vanguardista de catorce minutos de duración aproximados,​ lleno de samples e instrumentos distorsionados. No obstante, «Strawberry Fields Forever» y «Penny Lane» serían lanzadas como un sencillo doble lado A en febrero de 1967, debido a que EMI estaba presionando a Martin para lanzar material nuevo.​ Una vez que el sencillo fue lanzado, el concepto que estaba siendo trabajado se abandonó en favor de la idea de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de McCartney,​ y siguiendo la práctica usual del grupo, el sencillo no fue incluido en el LP (decisión de la cual Martin posteriormente se lamentaría).

La primera canción del álbum en ser grabada fue «When I'm Sixty-Four», un viejo tema de los tiempos del Cavern, el 16 de diciembre, aunque en un momento se tenía la intención de lanzarla como lado B de «Strawberry Fields Forever». El grupo no grabaría ninguna canción del álbum, hasta el 19 de enero de 1967, momento en el que se comenzó a grabar «A Day in the Life».​ La canción que le da el nombre al álbum, comenzó a ser grabada el 1 de febrero, terminándola ese mismo día. El 3 de febrero, el grupo volvió a trabajar en «A Day in the Life», en una sesión con duración similar a la del día anterior. Tanto McCartney como Starr regrabarían sus instrumentos, destacando que el desempeño en la batería de Starr en esta grabación sería posteriormente muy reconocido.​

   Convencimos a Ringo para que tocara tom-toms [en «A Day in the Life»]. Es sensacional. A él normalmente
   no le gustaba tocar como baterista guía, por decirlo así, pero lo preparamos para que lo hiciera. Luego le
   dijimos 'Vamos, eres asombroso, esto sonará realmente bien', y en efecto, lo fue.


El estudio dos de los Abbey Road Studios, lugar en el que se grabaron la mayoría de las canciones del álbum.
La banda volvería a trabajar en el álbum el 8 de enero, en «Good Morning, Good Morning», la primera composición de Lennon en ser grabada.​ En el día posterior, se grabaría otra canción nueva: «Fixing a Hole». Cabe destacar la particularidad de que esta sesión de grabación, fue la primera en hacerse en dependencias diferentes a los de Abbey Road Studios, siendo en esta ocasión reemplazados por los Regent Sound Studios.​ En el 10 de febrero ocurriría una de las sesiones más significativas, día en el que retomaron «A Day in the Life», y grabando en esta sesión, la orquesta que rellena los veinticuatro compases. El costo de esta sesión serían 364 libras esterlinas y 10 chelines, algo excesivo para la época​ (5.640 libras esterlinas en el 2014).​ Por si fuera poca la extravagancia, el grupo le pidió a los miembros de la orquesta que vistieran algún disfraz junto a sus trajes formales.​ Martin recordaría: «Dejé el estudio a las una en punto y al volver encontré a uno de los músicos, David McCallum (el padre del actor del mismo nombre) usando una nariz de payaso; y a Erich Gruenberg, el violinista principal, usando una pata de gorila en su mano derecha. Todos estaban usando sombreros graciosos y sorpresas de fiestas. ¡Yo simplemente me senté y me puse a reír!».

En el 13 y 14 de febrero, se graba «Only a Northern Song», una composición de Harrison. Sin embargo, el propio Harrison decidió dejarla de lado para grabar otra canción (aunque sería retomada igualmente el 20 de abril).​ En el 17 y 20 de febrero, se grabaría la primera de varias sesiones de «Being for the Benefit of Mr. Kite!».​ Martin quería añadir calíopes y órganos de vapor, para darle a la canción un auténtico sonido de circo, sin embargo, ninguno de los instrumentos requeridos pudieron ser encontrados.​ Debido a esto, el grupo buscó cintas que fueran de utilidad en la biblioteca de EMI. De esta manera, se extrajeron cintas de algunos calíopes, fueron cortadas y ordenadas aleatóriamente, y finalmente fueron reunidas o puestas al reverso. Sin embargo, a pesar de que diecinueve fragmentos de sonido fueron unidos, no serían añadidos a la canción hasta varios días después.

Para fines de febrero, se grabarían dos canciones nuevas, «Lovely Rita», y «Lucy in the Sky with Diamonds». Durante marzo, se grabaron las canciones «Getting Better», «She's Leaving Home», «Within You Without You», utilizando en esta última varios músicos indios. Además, otras canciones ya grabadas fueron pulidas, mientras que para finales del mes, se grabó «With a Little Help from My Friends». El reprise de la canción que abre el álbum, fue grabada en el 1 y 20 de abril en dos sesiones distintas, separadas por un pequeño descanso durante el cual McCartney viajó a los Estados Unidos.​ El álbum fue finalizado el 21 de abril, día en el que se grabó, en una sesión larga y desordenada, la broma que aparece al final del álbum.​ Geoff Emerick, ingeniero de sonido de EMI, estima que se ocuparon 700 horas en la grabación del LP, más de 30 veces que el tiempo ocupado en el primer álbum de los Beatles, Please Please Me.​ El costo final de la grabación fueron 25.000 libras esterlinas aproximadamente (más de 46.000 libras esterlinas de hoy en día).

Instrumentación y efectos
McCartney ha afirmado constantemente que la gran influencia en la realización —ya sea instrumental o técnica— de Sgt. Pepper's fue el álbum Pet Sounds de The Beach Boys. Emerick observó que Pet Sounds era escuchado constantemente en el estudio de los Beatles por lo que él y los demás miembros de la producción pudieron captar el sonido que el grupo quería lograr.​ Además, llevó a McCartney a desarrollar un nuevo estilo de tocar el bajo, centrado en la melodía y no en el ritmo, estilo que prevalecería en muchas de sus grabaciones posteriores. George Martin también aseguraría que «sin Pet Sounds, Sgt. Pepper's no habría existido Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds».​

Al ser los artistas más exitosos de EMI, y una de las bandas más populares de ese momento, The Beatles tenían un acceso casi ilimitado a la tecnología de los Abbey Road Studios.​ Todas las piezas de Sgt. Pepper's, junto a otras canciones serían grabadas y editadas en sonido monoaural y estereofónico, mediante una grabadora de cuatro pistas.​ Como en sus álbumes precedentes, Sgt. Pepper's se grabó haciendo uso de una técnica llamada «reducción de mezclas», en la cual las canciones se grababan en una grabadora de cuatro pistas, que luego se mezclaban para ser incluidas en una de las cuatro pistas de una segunda grabadora principal. Eso le permitió a los ingenieros de sonido darle más libertad al grupo para grabar sus cada vez más complejas canciones.

   Desde los días de Revolver, siempre se nos pedía hacer lo imposible, así que supimos que la palabra «no» no
   existía en el vocabulario de los Beatles.

Buenos días, gracias amigo mío por seguir deleitándonos con los Beatles. Un abrazo.
 

With a Little Help from My Friends

«With a Little Help from My Friends» (en español: «Con una pequeña ayuda de mis amigos») es una canción escrita por John Lennon y Paul McCartney y acreditada a la dupla Lennon-McCartney. Escrita mayormente por Lennon, forma parte del álbum de The Beatles Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de 1967. Fue cantada por el baterista Ringo Starr. La canción fue tres veces número uno en los registros musicales británicos para sencillos y se situó en el puesto número 304 en la lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", publicada por la revista Rolling Stone.

Orígenes
Lennon y McCartney insistieron en que Ringo cantara la canción, incluyendo la alta nota del final. John terminó de escribir a mediados de marzo de 1967. Ringo se sentía inseguro para cantar la nota alta final, pero George, John y Paul lo animaron durante toda la sesión para que lo haga, y finalmente lo hizo, celebrando con whisky en la madrugada de marzo de 1967.

La canción aparentemente es una conversación entre el cantante y un grupo de gente. Por ejemplo, en el fragmento "Would you believe in a love at first sight/Yes I'm certain that it happens all the time", los otros tres Beatles cantan la primera línea, y Starr contesta en la siguiente.

La banda acabó de grabar la canción el día en el que posaron para la cubierta del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band".

Un título preliminar para la canción fue "Bad finger Boogie", esto debido a que Lennon la compuso al piano tocando sin el dedo índice, que se había lastimado. Posteriormente la banda antes conocida como The Iveys, tomó este nombre como inspiración, Badfinger, con el que alcanzó fama internacional.

Esta canción fue escrita en la casa de Londres en Weybridge de John, probablemente entre el 23 y 29 de marzo de 1967, a pesar de que algunas partes del inicio y el final fueron grabadas dos meses antes. "With a Little Help from My Friends" era en realidad la última canción compuesta para el álbum. ​Debido a que Ringo era concebido obligatoriamente como centro de atención, ya que era la voz principal, la canción era simple con notas no muy altas, fácil de cantar, atractiva y con la personalidad de Ringo. Paul tuvo en mente lanzar a Ringo como Billy Shears a modo de imitación para la singularidad del álbum, y la canción es a la vez un homenaje al estilo afable de Ringo, y una admisión astuta de la idea que Ringo "necesitaba de la ayuda de sus amigos a menudo en la banda".

Grabación
La grabación para esta canción fue un asunto relativamente simple, a partir de la sesión de toda la noche del 29 de marzo de 1967, después el trabajo se completó en Good Morning Good Morning y se añadieron los efectos del órgano en la mitad de Being for the Benefit of Mr. Kite. Al día siguiente, después de la sesión fotográfica para el famosísimo Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, terminaron añadiendo algunos instrumentos y detalles.

La última nota de la canción, apoyada en la palabra "friends", fue la nota más alta que Ringo haya grabado. Al comienzo tuvo dificultad para llegar a la nota, pero luego de varios intentos y con el apoyo de los otros tres Beatles finalmente lo logró.

Getting Better

«Getting Better» –en español: «Mejorando»– es una canción escrita por el grupo inglés The Beatles compuesta principalmente por Paul McCartney, con la colaboración de John Lennon. Apareció en el álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", el 1 de junio de 1967. Getting Better da realmente la impresión de haber sido escrita por dos voces, una diciendo claramente que todo está mejorando, mientras que la otra dice que no podían ya ir a peor. El optimismo de Paul se contraponía al realismo e ironía de John.

Creación
La inspiración para esta canción vino de la mente de McCartney mientras paseaba a su perra Martha en compañía del periodista Hunter Davies, en Primrose Hill. Estaba empezando la primavera, y era el primer día del año en el que verdaderamente el día estaba soleado. Conforme la mañana pasaba y el clima se hacía cada vez más cálido, Paul comenta que el clima "está cada vez mejor" ( "its getting better" ). Esta frase hace reír a Paul, ya que lo hace recordar a Jimmie Nicol, baterista que sustituyó a Ringo en la gira de 1964, mientras éste era operado. Nicol, que no hablaba mucho con los chicos, tocó en directo habiendo ensayado una sola vez. Conforme los conciertos fueron pasando, después de cada uno, los tres Beatles restantes le preguntaban como iba todo. La respuesta siempre era la misma "It's Getting Better" (va mejorando). No pasan más de diez días hasta que llega Starr con sus camaradas para regresar a su batería. La frase sin embargo había marcado ya a Paul y los otros Beatles, volviéndose un tipo de broma entre ellos. Y quedaba como un buen título para una canción, como McCartney comenta a John después.

Estructura musical
La canción esta grandemente basada en un acorde repetitivo de sol agudo producido por la guitarra de John Lennon y un pianet tocado por George Martin, golpeando las cuerdas con un mazo. Harrison por su parte toca la tambura, un instrumento indio que genera un acompañamiento rítmico, aunque sin producir notas claramente definidas, además de sonidos de palmadas y los bongós que toca Ringo Starr. Tenemos por tanto una canción innovadora, un tanto experimental y novedoso para el estilo original de The Beatles.