Tis a Pity She Was a Whore

" ' Tis a Pity She Was a Whore " es una canción del músico inglés David Bowie , lanzada el 17 de noviembre de 2014 como cara B de " Sue (Or in a Season of Crime) ". Tomando la influencia de la obra de John Ford de 1633 'Tis Pity She's a Whore , la canción de art rock enfrenta letras oscuras y violentas contra un ritmo rítmico. Bowie grabó la pista como demostración a mediados de 2014 en el estudio de su casa en la ciudad de Nueva York. La canción, junto con "Sue", fue regrabada para el vigésimo sexto y último álbum de estudio de Bowie, Blackstar (2016). La nueva versión cuenta con la banda de acompañamiento de aquellas sesiones: el saxofonista Donny McCaslin ,Jason Lindner , el bajista Tim Lefebvre y el baterista Mark Guiliana . A diferencia del original, la nueva versión está influenciada por el hip hop , mientras que los críticos compararon la interpretación vocal de Bowie con varias pistas de la década de 1970. La nueva versión fue recibida positivamente y muchos destacaron las actuaciones de los músicos de apoyo. A raíz de la muerte de Bowie , dos días después del lanzamiento de Blackstar , " 'Tis a Pity She Was a Whore" llegó a las listas de varios países, incluido el número 107 en el Reino Unido.

Antecedentes y grabación
Bowie grabó una demostración casera de " 'Tis a Pity She Was a Whore" a mediados de 2014 en el estudio de su apartamento en la ciudad de Nueva York. Tiene una distinción en su catálogo por ser una de las pocas canciones en las que él mismo tocó todos los instrumentos. Al escuchar la demostración, su colaborador habitual Tony Visconti declaró: "Fue simplemente increíble. Sus habilidades de producción han aumentado un 5000%". El título deriva de la obra de 1633 'Tis Pity She's a Whore' del dramaturgo inglés del siglo XVII John Ford . Sin embargo, aunque la obra de Ford es una historia de amor incestuoso y venganza, las letras en sí son más oscuras y violentas; el biógrafo Nicholas Pegg cree que se tomaron de una fuente completamente diferente.  Sin embargo, Ryan Dombal de Pitchfork argumenta que los dos comparten el mismo tema: "los humanos siempre recurrirán a un lenguaje de salvajismo cuando sea necesario, sin importar dónde o cuándo". El propio Bowie solo emitió una declaración pública sobre la canción: "Si los vorticistas escribieran música rock, podría haber sonado así".

O'Leary escribe que la canción tiene un ritmo "rítmico constante" que se contrarresta con el saxofón y el piano de Bowie. Con respecto a la parte del bajo, Jason Lindner declaró: "Composicionalmente, la parte del bajo tiene una función más rítmica y menos armónica. Se mantiene prácticamente igual a través de los cambios armónicos, con un par de notas cambiando para complementar la progresión". La interpretación vocal de Bowie es tenue mientras toca una "figura continua" en el saxofón. Stephen Dalton de la revista Classic Rock escribe que la canción tiene "una pared de sonido propulsora, rugiente y fuertemente electrónica". El crítico de Mojo, Andrew Male, describió la canción como "una estridente malla de cinco minutos de melodía y discordia, un art-rock".romance contra la guerra, jadeando bajo la banquisa del saxo - graznido sin ondas ".

" 'Tis a Pity She Was a Whore" fue lanzado el 17 de noviembre de 2014 por Parlophone como cara B del sencillo " Sue (Or in a Season of Crime) ", con el número de catálogo 10RDB2014. Un comunicado de prensa que acompañaba a la cara B decía: "La canción reconoce la impactante crudeza de la Primera Guerra Mundial ".

Versión Blackstar

Grabación
Antes de que comenzaran las sesiones de lo que sería su último álbum de estudio, Blackstar , Bowie envió su demo casera de " 'Tis a Pity She Was a Whore" al saxofonista Donny McCaslin . McCaslin, que trabajó con Bowie en la versión original de "Sue (Or in a Season of Crime)", recordó: "Me senté en un silencio atónito durante un rato", después de escucharla. Después de contratar al cuarteto de jazz de McCaslin (el pianista Jason Lindner , el bajista Tim Lefebvre y el baterista Mark Guiliana ) como banda de acompañamiento para las sesiones, Bowie envió la demostración a los músicos restantes en preparación para las sesiones. Ambos "'Tis a Pity She Was a Whore" y su lado A "Sue" fueron regrabados para Blackstar .

La nueva versión de " 'Tis a Pity She Was a Whore" fue una de las primeras pistas grabadas para el álbum. La pista de acompañamiento se grabó el 5 de enero de 2015 en Magic Shop en la ciudad de Nueva York. McCaslin recordó: "Cuando nos reunimos esa primera semana, David dijo que quería volver a grabarlo. Estábamos jugando duro, yendo a por ello. Eso sucedió en unos diez minutos. Esa podría haber sido la primera toma". McCaslin grabó sobregrabaciones de saxofón adicionales meses después. Como la mayoría de las pistas vocales, Bowie grabó su voz en Human Worldwide Studios en la ciudad de Nueva York el 20 y 22 de abril de 2015.

Composición
Para la regrabación, Bowie se inspiró en el álbum Casting for Gravity de McCaslin de 2012 ; Lefebvre declaró: "generalmente es al revés: investigas al tipo que te contrató ". De acuerdo con McCaslin, Bowie dijo: "Imaginó la sección solista como algo así como 'Alpha and Omega', que es la pista de Boards of Canada que cubrimos, o tal vez hablar sobre la intensidad que tenemos en 'Praia Grande'. "El biógrafo Chris O'Leary señala que en la versión de McCaslin de "Alpha and Omega", McCaslin, que es multipista, toca un "tema melódico en bucle y en fases" sobre las fluctuaciones interpretadas por Guiliana y Lefebvre; "Praia Grande" se basa "en un solo de saxo maximalista lleno de notas de bajo oscilantes, navegando sobre olas de batería y sintetizadores".

Con respecto a la parte de la batería, Guiliana declaró: "El ritmo de la demostración era un bucle de un compás de conducción. El desafío era tocar esta parte repetitiva pero permanecer en el momento y seguir aumentando la intensidad". Guiliana sobregrabó un Roland SPD-SX "lleno de 808 sonidos", que aparecen de manera destacada en la mezcla alrededor de la marca de 3:33. La nueva versión comienza con dos tomas de aire, que O'Leary compara con "un hombre que se prepara para subir otro tramo de escaleras".

Los comentaristas han caracterizado el ritmo de la canción como similar al hip hop . Chris Gerard de PopMatters encuentra que la voz de Bowie recuerda a la pista " DJ " de Lodger . Andy Gill de The Independent describe las regrabaciones de " 'Tis" y "Sue" como "torbellinos frenéticos y bulliciosos de improvisación y percusión vanguardistas con saxofón banshee"; compara la interpretación vocal y la letra de Bowie con su canción de 1976 " Station to Station ".

Liberar
La regrabación de " 'Tis a Pity She Was a Whore" fue lanzada el 8 de enero de 2016 como la segunda pista del último álbum de Bowie, Blackstar , secuenciada entre la canción principal y " Lazarus ". Bowie murió dos días después de su lanzamiento, después de haber sufrido cáncer de hígado durante 18 meses.

La regrabación de " 'Tis a Pity She Was a Whore" ha recibido críticas positivas de los críticos musicales, y muchos destacan la actuación de la banda de acompañamiento. Gerard elogió la nueva versión como "mucho más desarrollada" que la original de 2014, prestando especial atención a la banda de acompañamiento. Él escribe que la banda "infunde a Blackstar con una ansiedad inquieta que es particularmente evidente en ' 'Tis a Pity She Was a Whore'", calificando la pista final como "enloquecedora y emocionante". Alexis Petridis de The Guardian elogió de manera similar la "sinergia" de la banda en la pista, al tiempo que comparó positivamente la interpretación vocal de Bowie con la "' Heroes ' " y " Scary Monsters (And Super Creeps) " o la "versión tumultuosa y salvajemente distorsionada" vista en " Panic in Detroit " y " Cracked Actor ". O'Leary ha elogiado la pista como "una última -la obra maestra de la vida, sin techo ni fondo".

Sue (Or in a Season of Crime)

" Sue (Or in a Season of Crime) " es una canción del músico inglés David Bowie lanzada el 17 de noviembre de 2014 como el sencillo principal del álbum recopilatorio de 2014 Nothing Has Changed . Coproducida por Bowie y su antiguo colaborador Tony Visconti , la canción se originó después de que los dos vieran a la líder de la banda Maria Schneider tocar con su orquesta en mayo de 2014. Comenzaron a colaborar en el primer gran proyecto de Bowie desde The Next Day (2013). Luego de las sesiones del taller a mediados de junio, la pista se grabó oficialmente en Avatar Studios en Nueva York el 24 de julio de 2014, con contribuciones de la orquesta de Schneider.

Aunque había experimentado con el jazz al principio de su carrera, "Sue" marcó las primeras exploraciones de Bowie en el jazz experimental . Musicalmente, la canción contiene una variedad de instrumentación y está impulsada por un motivo de latón y flauta . El saxofonista Donny McCaslin proporcionó los solos. Inspirada en los escritos del poeta Robert Browning , la letra de "Sue" tiene un final abierto y representa la caída de un matrimonio. Estrenada en octubre de 2014, la canción obtuvo críticas positivas de los críticos musicales, pero algunos sintieron que su inclusión en un álbum recopilatorio restó importancia a la pista. Un video musical dirigido por Tom Hingston lo promocionó.

Bowie volvió a grabar tanto "Sue" como su lado B , " 'Tis a Pity She Was a Whore " para su vigésimo sexto y último álbum de estudio, Blackstar (2016). La nueva versión cuenta con músicos del original, incluidos McCaslin, el baterista Mark Guiliana y el guitarrista Ben Monder , junto con el pianista Jason Lindner , el bajista Tim Lefebvre y James Murphy de LCD Soundsystem en la percusión. La nueva versión es más simplificada que la original, con un sonido más duro e impactante influenciado por el drum'n'bass ., mientras que la voz de Bowie es más tenue. Muchos críticos han elogiado la nueva versión como superior a la grabación original.

Antecedentes
El 8 de mayo de 2014, David Bowie y su antiguo colaborador Tony Visconti visitaron el club Birdland en Manhattan para ver a la directora de orquesta Maria Schneider tocar con su orquesta. Los dos estaban, en palabras de Visconti, "totalmente anonadados por la belleza y el poder de su música". Bowie la contactó poco después, con la esperanza de colaborar en una nueva canción; sería su primer gran proyecto desde The Next Day (2013). Comenzando con una demostración casera, Bowie y Schneider comenzaron a trabajar en la pista a mediados de mayo. Sobre el proceso, Schneider declaró: "Me senté al piano frente a él y jugué un poco con la armonía, y luego dije: 'tal vez pueda imaginarme haciendo algo con esto'". Experimenté por mi cuenta durante un par de semanas antes de que nos volviéramos a encontrar y empezáramos a trabajar en colaboración basándonos en esas ideas".

Ante la insistencia de Schneider, Bowie viajó al 55 Bar, un club de jazz en Nueva York el 1 de junio, para ver un cuarteto experimental con el saxofonista Donny McCaslin y el baterista Mark Guiliana . Diez días después, Bowie le envió un correo electrónico a McCaslin, invitándolo a él y a Guiliana a colaborar en la nueva pista. McCaslin aceptó con gracia y luego dijo: "Traté de no pensar demasiado en eso. Solo quería quedarme en el momento y hacer el trabajo".

Grabación

Sesiones de taller
Las sesiones iniciales del taller para "Sue" comenzaron en Euphoria Studios en Manhattan a mediados de junio. Schneider quería conocer las opiniones de Bowie sobre la dirección y la estructura de la composición antes de que comenzara la grabación oficial. Junto con McCaslin, Guiliana, el trombonista Ryan Keberle y el bajista Jay Anderson, Schneider reclutó al guitarrista de avant-jazz Ben Monder , miembro ocasional de su orquesta. Monder le dijo a Yahoo! Música en 2016, "No había tocado con María durante un tiempo antes de este proyecto... Pero ella dijo que podía escuchar mi sonido para esa pista en particular, así que David se reunió conmigo y con Donny". Monder pensaba muy bien de Bowie: "Acabamos de tener un ensayo para la sesión de Maria Schneider y fue muy realista, muy agradable. Parecía hacer un esfuerzo para hacerte sentir como si no estuvieras en presencia de un deidad del rock".

Según Visconti, quien coprodujo la canción con Bowie, Schneider y los miembros principales de su banda "tocaron la línea de bajo durante varias horas... en el transcurso de tres largas sesiones en un estudio de ensayo". Schneider le dijo al biógrafo Chris O'Leary que la versión inicial del taller de la pista era "muy diferente". Inicialmente, hizo que los músicos improvisaran sobre un acorde de mi mayor , pero sintió que era "demasiado" y lo cambió a una "sección B" para Bowie, lo que le permitió continuar revisando la letra hasta la grabación final. Los ritmos comenzaron a formarse y Bowie encontró su letra después de algunas sesiones más. Después de la sesión final del taller, Bowie y Schneider se reunieron para finalizar el arreglo y la estructura.

Sesión final
"Sue" se grabó oficialmente el 24 de julio de 2014 en Avatar Studios en Nueva York; Bowie tenía la intención de usar Magic Stop, el estudio donde había grabado The Next Day , pero resultó demasiado pequeño para la orquesta de 17 personas. Bowie repartió sus letras a los músicos al comienzo de la sesión; el título de la pista se reveló en las partituras. El arreglo de la canción proporcionó a los músicos una cantidad sustancial de libertad durante la sesión. Guiliana recordó más tarde: "Aparte de la dirección general de David y Maria, la tabla en la que estaba jugando era bastante mínima ... Más una guía, en lugar de una notación específica ".

Durante la sesión, Schneider instruyó a los músicos a improvisar con la voz de Bowie. McCaslin y Keberle contribuyeron con múltiples solos a lo largo de la sesión; Visconti usó a McCaslin para la mayor parte de la grabación final, con el trabajo de Keberle apareciendo, según O'Leary, "en la sección fuera de tiempo después de '¡Suuuue... adiós!'" Según el biógrafo Nicholas Pegg , además Guiliana, Monder, Anderson, Keberle y McCaslin, los restantes miembros de la orquesta que tocaron en la grabación fueron: Jesse Han ( flauta , flauta alto , flauta baja ); David Pietro (flauta alto, clarinete , saxofón soprano ); Rich Perry ( saxo tenor ); Scott Robinson (clarinete,clarinete bajo , clarinete contrabajo ); Tony Kadleck, Greg Gisbert, Augie Haas, Mike Rodriguez ( trompeta , fliscorno ); Keith O'Quinn, Marshall Gilkes ( trombón ); George Flynn ( trombón bajo , trombón contrabajo ); y Frank Kimbrough (piano).

Diagnóstico de cáncer de hígado
Según la línea de tiempo dada en el momento de la muerte de Bowie en enero de 2016, a Bowie se le diagnosticó cáncer de hígado en el momento de estas sesiones de grabación. Bowie comenzó un tratamiento de quimioterapia para el cáncer, pero ocultó su diagnóstico a sus compañeros músicos, quienes luego dijeron que no sabían que estaba enfermo mientras grababan con él.

Composición

Letras
La letra abierta de "Sue" describe la caída de un matrimonio en ocho versos. Al principio, él consiguió el trabajo (un eco de la pista "The Informer" de The Next Day Extra ), ellos obtendrán la casa. Sin embargo, las cosas salen mal cuando el narrador dice que Sue está enferma, llamaron a la clínica y "los rayos X están bien". El motivo de Sue a lo largo de la canción es la frase de cuatro notas interpretada por las secciones de metales y flautas, y cantada por Bowie en los dos primeros versos. A medida que avanza la pista, comienzan las acusaciones del narrador, lo que lleva a que el motivo cambie a lo largo.

Eventualmente, el narrador acusa a Sue de traición ("Encontré la nota que escribiste anoche / No puede ser correcto que te fuiste con él") y la asesina ("Te empujé debajo de la maleza"), besa su cadáver. y dice adiós. Tras su asesinato, el narrador encuentra una nota que cuenta toda la historia ("te fuiste con ese payaso "). Bowie comienza el último verso "Sue, nunca soñé", que fue el título de la primera canción que grabó con su primera banda, los Kon-Rads, en 1963. Pegg acredita los escritos del poeta Robert Browning . , específicamente " Porphyria's Lover " y " My Last Duchess ", como inspiración para la letra.

Música
"Sue" es la primera exploración de Bowie en el jazz experimental. Aunque había experimentado con el jazz en Black Tie White Noise y The Buddha of Suburbia (ambos de 1993), utilizó principalmente a músicos de rock y R&B en lugar de verdaderos músicos de jazz. Otros críticos han sugerido que la pista tiene elementos de jazz-pop y música post-industrial . Con respecto a la pista, Visconti declaró: "Esto es verdaderamente jazz moderno. No tocan bebop , no hay nada tradicional en ellos".

Con una duración de más de siete minutos, la canción presenta una variedad de instrumentación variada, algunas de las cuales complementan la voz de Bowie mientras que otras lo contrarrestan. O'Leary describe la variedad de instrumentos como "facciones que se empujan: instrumentos en confederaciones sueltas que pronto se separan, moviéndose a diferentes ritmos". La línea de bajo interpretada por Keberle se inspira en gran medida en el sencillo "Brand New Heavy" de Plastic Soul de 1997, que les valió a los escritores de esa canción, Paul Bateman y Bob Bhamra, créditos de coautoría en "Sue" con Bowie y Schneider. La interpretación de McCaslin prevalece a lo largo de la pista, a menudo enfatizando la letra. En la sección de cierre, su saxofón ocupa un lugar central, con la orquesta restante tocando a su alrededor. Tanto Bowie como Visconti elogiaron las contribuciones de saxofón de McCaslin, y este último le dijo a Mojo : "Es uno de los solos de saxofón más conmovedores que David y yo hemos escuchado... Siempre nos hizo llorar, especialmente la parte final. Es un músico apasionado. "

Liberar
El presentador musical de BBC Radio 6, Guy Garvey, estrenó "Sue (Or in a Season of Crime)" el ​​12 de octubre de 2014. [12] Según O'Leary, la recepción fue mixta. Parlophone lanzó "Sue" como single de 10 pulgadas , con el número de catálogo 1ORDB2014, y como descarga digital el 17 de noviembre de 2014 en el Reino Unido y el 28 de noviembre de 2014 en los Estados Unidos. "Sue" también se incluyó en el álbum recopilatorio Nothing Has Changed , lanzado el mismo día. Kory Grow de Rolling Stone elogió la pista como "cautivadora", calificándola de una adición adecuada al catálogo de Bowie. En The Guardian , Alexis Petridis le dio a la canción una crítica positiva, diciendo que era una indicación de que Bowie no tiene miedo de seguir experimentando con nuevos géneros. Sintió que era más una "declaración" que una canción, después del "rock superior pero relativamente sencillo ( The Next Day )". Sin embargo, criticó la inclusión de la canción en Nothing Has Changed , y escribir esto hace que parezca una "ocurrencia tardía". Michael Rancic de Exclaim! estuvo de acuerdo, sintiendo que su inclusión en la compilación "minimizó" la pista.

Junto con la versión completa de 7:24, el sencillo incluía la cara B " 'Tis a Pity She Was a Whore " y una edición de radio de "Sue", con una duración de 4:01. Esta edición única, que contiene solo seis versos en lugar de ocho, está acompañada por un video musical monocromático dirigido por Tom Hingston, quien previamente creó un clip corto para la canción de The Next Day "I'd Rather Be High". Filmado en Londres, el video presenta clips de Bowie actuando en un estudio junto a la orquesta que fueron filmados durante la sesión de julio por Jimmy Miller. Al mismo tiempo, las letras se proyectan en una pared mientras una figura recortada entra y sale de las luces de las lámparas en una calle oscura.ensamblaje noirish con ecos de The Third Man ”.

En la 58.ª entrega anual de los premios Grammy en febrero de 2016, Schneider ganó el premio Grammy al mejor arreglo instrumental y vocal por su trabajo en "Sue (Or in a Season of Crime)".

Dollar Days

" Dollar Days " es una canción del músico inglés David Bowie . Es la sexta pista del vigésimo sexto y último álbum de estudio de Bowie, Blackstar , que se lanzó el 8 de enero de 2016. La pista fue escrita por Bowie y producida por Bowie y Tony Visconti . "Dollar Days" llegó a las listas de varios países, incluido el país de origen de Bowie, el Reino Unido , en el que la canción alcanzó el puesto 138.

Composición
"Dollar Days" se grabó sin tener una demostración creada previamente. Según Donny McCaslin , quien proporcionó partes de saxofón para Blackstar , "Un día, David tomó una guitarra... tuvo esta pequeña idea, y la aprendimos allí mismo en el estudio".

Recepción crítica
"Dollar Days" recibió una recepción positiva por parte de la crítica. Mike Powell de Pitchfork revisó la canción por separado y la calificó como su "Mejor pista nueva", comparándola con los éxitos anteriores de Bowie " Five Years " y " Ashes to Ashes ". Jody Rosen de Billboard calificó la canción como "encantadora" con una combinación lírica de "delicadeza y estruendo".

Con esto doy por finalizada la discografia de David Bowie, si alguien desea pedir que realice una discografia, me lo puede pedir.
En caso contrario el lunes comenzare a realizar la discografia de  Michael Jackson Gracias .

continuación Michael Jackson

Jackson tenía la tasa de regalías más alta en la industria de la música en ese momento, aproximadamente 2 dólares por cada álbum vendido, y estaba haciendo ganancias récord de las ventas de sus grabaciones. La cinta de vídeo del documental The Making of Michael Jackson's Thriller vendió más de 350.000 copias en pocos meses. Se vio la llegada de novedades tales como muñecos modelados según el estilo de Jackson, que aparecieron en almacenes en mayo de 1984 a un precio de 12 dólares. El biógrafo J. Randy Taraborrelli escribe que «Thriller dejó de venderse como un artículo de ocio —como una revista, un juguete, boletos para una exitosa película— y comenzó a vender como un producto básico para el hogar». En 1985, The Making of Michael Jackson's Thriller ganó un Grammy por Mejor Vídeo Musical de Formato Largo. Time describió la influencia de Jackson en ese momento como «estrella de discos, radio, video de rock, un equipo de rescate de un hombre para el negocio de la música. Un compositor que marca el ritmo durante una década. Cantante que atraviesa todos los límites del gusto y el estilo y el color también». The New York Times escribió que «en el mundo de la música pop, está Michael Jackson y están todos los demás».

El 25 de marzo de 1983, Jackson se reunió con sus hermanos para una actuación grabada en el Pasadena Civic Auditorium para Motown 25: Yesterday, Today, Forever, un especial de televisión NBC. El espectáculo se transmitió el 16 de mayo de 1983, con una audiencia estimada de 47 millones, y ofreció a los Jacksons y otras estrellas de Motown. Es mejor recordado por la actuación en solitario de Jackson de «Billie Jean», que le valió a Jackson su primera nominación al Emmy. Llevando una chaqueta de lentejuelas negras y un guante de golf decorado con diamantes de imitación, debutó su movimiento de baile insignia, el moonwalk, que el ex bailarín de Soul Train y miembro de Shalamar Jeffrey Daniel, le había enseñado tres años antes. Jackson había rechazado originalmente la invitación para actuar en el espectáculo, creyendo que había estado haciendo demasiada televisión en ese momento; A petición del fundador de Motown, Berry Gordy, aceptó actuar a cambio de tiempo para hacer una actuación en solitario. Según el reportero de Rolling Stone, Mikal Gilmore, «Hay momentos en los que sabes que estás oyendo o viendo algo extraordinario... aquello vino esa noche». La actuación de Jackson causó comparaciones con las apariciones de Elvis Presley y The Beatles en The Ed Sullivan Show. Anna Kisselgoff, de The New York Times, escribió en 1988: «El moonwalk que lo hizo famoso es una metáfora apta para su estilo de baile, ¿cómo lo hace? Como técnico, es un gran ilusionista, un auténtico mimo. Mantener una pierna recta mientras se desliza mientras que la otra se dobla y parece caminar requiere sincronización perfecta». Gordy dijo de la actuación: «Desde el primer compás de 'Billie Jean', estaba hipnotizado, y cuando hizo su icónico moonwalk, me sorprendió, fue mágico, Michael Jackson entró en órbita, y nunca bajó».

1984-1985: Pepsi, «We Are the World» y otros emprendimientos
En noviembre de 1983, Jackson y sus hermanos se asociaron con PepsiCo en un acuerdo promocional de 5 millones de dólares que rompió todos los récords anteriores de una publicidad respaldada por celebridades. La primera campaña de Pepsi Cola, que se desarrolló en los Estados Unidos entre 1983 y 1984 y lanzó su icónico tema «New Generation», incluyó el patrocinio de giras, eventos de relaciones públicas y exhibiciones comerciales. Jackson, quien estuvo involucrado en crear el anuncio, sugirió usar su canción «Billie Jean» como su jingle con letras revisadas. Según un informe de Billboard en 2009, Brian J. Murphy, vicepresidente ejecutivo de gestión de marca de TBA Global, dijo: «No se podía separar la gira de la aprobación de la licencia de la música, y luego la integración de la música en la fábrica de Pepsi».

El 27 de enero de 1984, Michael y otros miembros de los Jacksons filmaron un comercial de Pepsi supervisado por el ejecutivo Phil Dusenberry, ejecutivo de una agencia de publicidad de BBDO, y Alan Pottasch, Director Creativo Mundial de Pepsi, en el Shrine Auditorium de Los Ángeles. Durante un concierto simulado ante un pabellón lleno de aficionados, la pirotecnia accidentalmente prendió el pelo de Jackson en llamas, causándole quemaduras de segundo grado en el cuero cabelludo. Jackson fue sometido a tratamiento para ocultar las cicatrices y a una tercera rinoplastia poco después. Pepsi llegó a un arreglo extrajudicial, y Jackson donó el acuerdo de 1.5 millones de dólares al Brotman Medical Center en Culver City, California; su Michael Jackson Burn Center se nombra en su honor. Dusenberry contó el episodio en autobiografía, Then We Set His Hair on Fire: Insights and Accidents from a Hall of Fame Career in Advertising. Jackson firmó un segundo acuerdo con Pepsi a finales de los ochenta por unos 10 millones de dólares reportados. La segunda campaña tenía un alcance global de más de 20 países y proporcionaría apoyo financiero para el álbum Bad de Jackson y la gira mundial de 1987-88. Aunque Jackson tenía promociones y acuerdos publicitarios con otras compañías, como LA Gear, Suzuki y Sony, ninguno fue tan importante como sus acuerdos con Pepsi, que más tarde firmaron otras estrellas de la música como Britney Spears y Beyoncé para promover sus productos.

El trabajo humanitario de Jackson fue reconocido el 14 de mayo de 1984, cuando fue invitado a la Casa Blanca para recibir un premio del presidente Ronald Reagan por su apoyo a organizaciones benéficas que ayudaban a las personas a superar el abuso de alcohol y drogas y en reconocimiento a su apoyo a la campaña de prevención de conducción en estado de ebriedad de Ad Council y la NHTSA. Jackson donó el uso de «Beat It» para los anuncios de servicio público de la campaña

A diferencia de los últimos álbumes, Thriller no tuvo una gira oficial, pero el Victory Tour de 1984 encabezó a The Jacksons y mostró gran parte del nuevo material en solitario de Jackson a más de dos millones de estadounidenses. Fue la última gira que haría con sus hermanos. Jackson llevó a cabo una conferencia de prensa y anunció que él donaría su porción de los ingresos, un estimado 3 a 5 millones de dólares, a la caridad.

En 1985, escrita junto a Lionel Richie y en colaboración con un extenso número de cantantes, entre los que se hallan Stevie Wonder, Diana Ross, Tina Turner, Bob Dylan y Bruce Springsteen, entre otros, lanzó USA for Africa, una producción musical que contenía el sencillo «We Are the World», que fue grabado el 28 de enero de 1985 y fue lanzado mundialmente en marzo de 1985. La canción logró ganancias de 63 millones de dólares, las cuales fueron donadas para el alivio del hambre en Etiopía, y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, con más 20 millones de copias vendidas. «We Are the World» ganó cuatro Grammys para 1985, incluyendo Canción del Año. Aunque los directores de los American Music Awards eliminaron la canción benéfica de la competencia porque consideraron que sería inapropiado, el programa AMA en 1986 concluyó con un tributo a la canción en honor a su primer aniversario. Los creadores del proyecto recibieron dos honores especiales de AMA: uno por la creación de la canción y otro por la idea de USA for Africa. Jackson, Quincy Jones y el promotor de entretenimiento Ken Kragan recibieron premios especiales por sus papeles en la creación de la canción. En ese año, ATV Music puso a la venta los derechos de autor sobre las canciones más representativas del grupo The Beatles, compuestas en su mayoría por el dúo de compositores Lennon/McCartney. Jackson se interesó en comprar este catálogo de canciones después de haber trabajado con Paul McCartney, a comienzos de los años 1980. Finalmente, después de diez meses de negociaciones, Michael adquirió el catálogo, luego de pagar 47 millones de dólares. Más tarde, esto terminó en una enemistad con McCartney, ya que él también tenía intenciones de comprarlo.

1986-1990: cambio de apariencia, tabloides, Bad, películas, autobiografía, y Neverland
En 1986, a Jackson se le diagnosticó vitíligo, por lo que su piel fue perdiendo pigmentación. Esta enfermedad hizo que tuviera que evitar la exposición ante la luz solar. Para poder darle un tono más homogéneo a su piel, recurrió al maquillaje.

A principios de los años 1980, Jackson comenzó a realizar una estricta dieta vegetariana. En esa década, varios periódicos publicaron una foto en la que el artista estaba recostado dentro de una cámara de oxígeno y que según ellos dormía allí para evitar envejecer, rumor que luego fue desmentido por él mismo. También en esos años surgieron otros rumores que fueron negados por él, como por ejemplo que tenía intenciones de comprar los huesos del llamado hombre elefante.

Más tarde, protagonizó el cortometraje en 3D Captain EO, bajo la dirección de Francis Ford Coppola y George Lucas. Este filme contó con un gran presupuesto aproximadamente de 30 millones de dólares y fue distribuido de manera exclusiva en los parques temáticos de Disney, debutó en septiembre de 1986 tanto en el parque Magic Kingdom como en Epcot en Florida. Después lanzó Bad (1987), su primer álbum de estudio en cinco años. Esta producción fue un gran triunfo comercial, aunque no alcanzó las ventas logradas por su anterior trabajo discográfico, Thriller. De este disco se desprendieron siete exitosos sencillos, de los cuales cinco de ellos («I Just Can't Stop Loving You», «Bad», «The Way You Make Me Feel», «Man in the Mirror» y «Dirty Diana») alcanzaron el primer puesto del Billboard Hot 100 estableciendo así el récord de más sencillos en el número uno de un mismo álbum, el cual aún no ha sido superado. Desde su publicación, Bad ha vendido más de treinta y cuatro millones de copias en todo el mundo.

El 12 de septiembre de 1987 comenzó el Bad World Tour, gira que culminó el 27 de enero de 1989. Solo en Japón, la gira vendió la totalidad de las entradas en 14 ocasiones y congregó a 570.000 personas, casi triplicando el récord anterior de 200.000 en una sola gira. Jackson ingresó al Libro Guinness de los Récords cuando llenó por completo siete veces el estadio de Wembley, congregando a más de medio millón de espectadores. La gira constó de 123 conciertos y obtuvo una recaudación de 125 millones de dólares, con una audiencia de 4.4 millones de personas convirtiéndose así en una de las giras musicales más exitosas de la historia. Parte de las ganancias fueron donadas a hospitales, orfanatos y a entidades de beneficencia. En junio de 1988, el entonces alcalde de París Jacques Chirac le otorgó la Medalla de la Villa de París durante su estancia en la ciudad con motivo del Bad World Tour.

En 1988, publicó su primera autobiografía, titulada Moonwalk, donde describió su infancia, The Jackson 5, y el abuso que había sufrido. También escribió sobre los cambios en su aspecto facial, atribuyéndolos a la pubertad, pérdida de peso, una dieta vegetariana estricta, un cambio en el estilo de pelo, y la iluminación en el escenario, el libro llegó a ser un éxito y vendió quinientos mil ejemplares, además llegó a ser el libro más vendido en los EE. UU. en ese año según el periódico The New York Times. También en ese año, se presentó la película Moonwalker, que contiene los videos musicales que acompañaron el lanzamiento de sus sencillos «Bad», «Smooth Criminal», «Speed Demon» y «Leave Me Alone». Esta videocinta llegó a la cima de la lista Billboard Top Music Vídeo Cassette, que agrupaba los videos más vendidos, permaneciendo allí durante veintidós semanas consecutivas. Finalmente fue eliminado de la primera posición por su predecesor Michael Jackson: La leyenda continúa.

En marzo de 1988, compró una finca en Santa Ynez, California, por diecisiete millones de dólares para construir allí su rancho Neverland. En esta propiedad hizo que se construyera un parque de atracciones, un zoológico y un cine. Además, contrató a cuarenta personas para que se ocupasen de la seguridad del lugar. En 2003 Neverland se valoró en cien millones de dólares. En 1989, gracias a las ventas de sus álbumes y sus conciertos, obtuvo ganancias estimadas en 125 millones de dólares, convirtiéndose así en uno de los artistas mejor pagados del mundo.

Gracias a la enorme popularidad que cosechó fue apodado «el rey del pop». Este sobrenombre lo popularizó su amiga Elizabeth Taylor, cuando en una entrega de premios lo presentó como «el auténtico rey del pop, rock y soul». El entonces presidente estadounidense George H. W. Bush lo nombró el «artista de la década». Más tarde, interpretó la canción «You Were There» en el festejo del cumpleaños número sesenta del comediante y cantante Sammy Davis, Jr., actuación que le valió una nominación al premio Emmy.

1991-1993: Dangerous, fundación Heal the World y Super Bowl XXVII
En marzo de 1991, renovó su contrato con Sony por 65 millones de dólares. En ese año publicó Dangerous, su octavo álbum de estudio. Dangerous vendió siete millones de copias en Estados Unidos y 32 millones de copias a nivel mundial. El primer sencillo del álbum fue «Black or White», el cual alcanzó el puesto número uno del Billboard Hot 100 y permaneció allí durante siete semanas consecutivas, con un éxito similar en otras partes del mundo. El segundo sencillo fue «Remember the Time» el cual llegó al puesto número 3 de la misma lista, su videoclip es reconocido por su baile, vestuario y escenografía ambientados en el Antiguo Egipto. «Heal the World», el tercer sencillo de Dangerous, contó con un videoclip en el que Jackson no aparece en ningún momento.

A principios de 1992, el cantante visitó el continente africano; el viaje tuvo como primera parada Gabón, donde fue recibido por más de 100.000 personas y fue condecorado con el grado de Oficial de la Orden Nacional del Mérito por el presidente Omar Bongo. Tras el viaje, Jackson creó la Heal the World Foundation para poder ayudar a través de ella a los niños más desamparados del mundo, víctimas de la violencia, la pobreza y las enfermedades terminales. El 27 de junio de 1992 comenzó el Dangerous World Tour, gira que finalizó el 11 de noviembre de 1993, recaudó un total de 100 millones de dólares y congregó a tres millones y medio de personas en 69 conciertos. Todas las ganancias de la gira fueron donadas a la fundación Heal the World.

Una de las actuaciones más aclamadas del artista fue su espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XXVII. Cuando se presentó en el escenario, lo hizo vestido con una chaqueta militar de color dorado y negro y gafas oscuras; en la introducción del espectáculo, en cada una de las cuatro pantallas del estadio bailarines disfrazados de Michael Jackson salieron por encima de estas, creando así el efecto de que salían directamente del vídeo reproducido, luego Jackson permaneció casi inmóvil durante varios minutos ante la ovación del público presente. Después se quitó lentamente las gafas, para luego comenzar a cantar y bailar. El espectáculo contó con la participación del público, en las graderías con papeles de colores recrearon una imagen de muchos niños de diferentes partes del mundo cogidos de la mano, para finalizar en la mitad del campo fue colocado un globo terráqueo gigante, en la parte inferior Jackson cantó junto a decenas de niños en el escenario. En este espectáculo interpretó las canciones «Jam», «Billie Jean», «Black or White» y «Heal the World».

Este segmento fue seguido en directo por más de 133,4 millones de espectadores solo en Estados Unidos. El espectáculo de medio tiempo de Michael Jackson provocó una tendencia en la contratación de artistas y personajes famosos por parte de la NFL para la diversión en los intermedios del Super Bowl. En el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl 50, la cantante Beyoncé rindió homenaje a Jackson utilizando una versión femenina del traje con el que él había aparecido anteriormente en el mismo show.

En la entrega de los premios Grammy de 1993, Michael Jackson recibió el premio especial Living Legend por su contribución a la música. Por su sencillo «Black or White» fue nominado como mejor vocalista de pop, mientras que por «Jam» fue nominado como mejor vocalista de R&B y mejor canción de R&B. En ese mismo año la canción llamada «Will You Be There» de su álbum Dangerous fue lanzada como sencillo y banda sonora de la película Liberen A Willy, la canción llegó a posicionarse en el séptimo puesto del Hot 100, además fue uno de los sencillos más vendidos de 1993.

Jackson acordó producir la banda sonora para el videojuego de 1994 hecho por Sega, Sonic the Hedgehog 3, con los colaboradores Brad Buxer, Bobby Brooks, Darryl Ross, Geoff Grace, Doug Grigsby y Cirocco Jones. Jackson dejó el proyecto antes de la terminación y nunca fue oficialmente acreditado, supuestamente debido a su insatisfacción con el chip de audio de la consola Sega Genesis.

1993-1994: primera acusación de abusos y primer matrimonio
En febrero de 1993, Jackson accedió a ser entrevistado por Oprah Winfrey, en un reportaje que fue seguido en directo por aproximadamente 62 millones de televidentes. Allí habló acerca de su infancia, su adolescencia, la relación con sus padres y hermanos y su carrera profesional. También desmintió los rumores que señalaban que quería comprar los huesos del Hombre elefante, y que dormía en una cámara hiperbárica. Así mismo, ante los rumores y acusaciones de que había decidido des-pigmentarse las partes de su piel no afectadas por el vitíligo con el uso de cremas blanqueantes, contestó que desconocía la existencia de cremas blanqueantes de piel y que disimulaba su apariencia con maquillaje en las zonas aún pigmentadas. Habló también de la serie de cirugías estéticas en su rostro (las cuales según él fueron tres: una para colocarse un hoyuelo y otras dos en su nariz).

En la entrevista Jackson afirmó que el vitíligo era genético, pues su abuelo también lo padecía. Después de su muerte, la autopsia corroboró que padecía la enfermedad, y se ha comprobado que su hijo mayor, Prince Michael, padece también vitíligo.

En el verano de 1993, el cantante fue acusado de haber abusado sexualmente de Jordan Chandler, uno de los muchos niños que solía acoger en su mansión de Neverland, por parte del niño y de su padre, Evan Chandler. Jordan, quien entonces tenía trece años de edad, lo acusó de haberlo besado, masturbado y de haberlo sometido a sexo oral. El consiguiente escándalo repercutió gravemente en el estado de ánimo y la imagen pública del cantante, y por tanto en su carrera.

Por petición de la justicia, su rancho de Neverland fue inspeccionado y varios niños y familias acusaron al cantante de ser un pedófilo. Su hermana mayor, La Toya, también insinuó creer en la veracidad de las acusaciones de que el artista abusó sexualmente de varios niños, aunque tiempo después se retractó de lo dicho. Entonces, Michael Jackson tuvo que someterse a una revisión para poder corroborar las descripciones que Jordan había hecho de los genitales del artista. A pesar de que se hallaron ciertas similitudes en las descripciones hechas por el acusador, esto no fue suficiente para que Jackson fuera declarado culpable. Pese a toda la repercusión mediática del caso, Jackson siguió sosteniendo su inocencia.