continuación ... 1.Outside

Hablando sobre el sonido general del álbum, Buckley dice que es "denso y textural, respaldado por una sección rítmica en auge". Escribiendo para Rock and Roll Globe , Lee Zimmerman declaró: "La música fluye en una oleada continua de sonido y expresión, un empuje hacia adelante que deja poco espacio para la melodía, pero en cambio comparte un ambiente atmosférico intrigante". El autor James E. Perone encuentra que muchas pistas actúan como "piezas de humor" para todo el álbum en lugar de pistas independientes. Según el escritor Alan Franks: "Las canciones tienen una construcción lenta y cuidadosa en la línea de pago, pero no están escritas en absoluto como canciones pop y no están escritas particularmente como canciones de rock".estaría yendo ahora si se hubiera vuelto pesado ". Los biógrafos también han comparado ciertos sonidos en Outside con los álbumes anteriores de Bowie, como Diamond Dogs , Lodger (1979), Scary Monsters (1980), y Tonight (1984). Con respecto a las secuencias, el biógrafo Nicholas Pegg caracteriza sus estilos musicales como mayormente ambient, con acompañamiento de guitarra, piano y sintetizador. Trainer comentó que "hablan del papel de Leon suites en el desarrollo de Afuera ".

Las dos primeras pistas, "Leon Takes Us Outside" y la canción principal, prepararon musicalmente el escenario para el resto del álbum. "The Hearts Filthy Lesson" contiene un ritmo casi atonal que Pegg llama "una losa de techno-rock industrial" sobre una "figura de piano de jazz excéntrica". Continuando con el sabor del jazz está "A Small Plot of Land", que llega a un clímax para convertirse, en palabras de Pegg, en una de las "pistas más desafiantes" del álbum. "Hallo Spaceboy", que fue desarrollado a partir de un instrumental escrito por Gabrels titulado "Moondust", es una pista industrial que Pegg llama "una vorágine hardcore de ruido de ciencia ficción, percusión hipnótica de alta velocidad y un riff de guitarra de cuatro notas insistente que salta de altavoz". Spitz lo llama "rockero más convincente" de Bowie desde " Rebel Rebel " (1974). "The Motel", descrito por Pegg como la pieza central del álbum, es comparado por Buckley con " The Electrician " (1978) de los Walker Brothers , mientras que Perone compara "I Have Not Been to Oxford Town a " We Will Rock You " de Queen (1977). "No Control" aporta un tono más oscuro al álbum, con una "línea de bajo de sintetizador de bordes duros". Más tarde, "I Am with Name" repite la "atmósfera" de la apertura del álbum.  "Wishful Beginnings" evoca "una melodía misteriosa y abstracta sobre sonidos electrónicos sintetizados, en capas y que se construyen lentamente". "I'm Deranged" transmite estilos musicales similares que impregnan el resto del álbum. En comparación con la versión original de The Buddha of Suburbia , la nueva versión de "Strangers When We Meet" contiene un arreglo más exuberante influenciado por la coproducción de Eno de U2 The Joshua Tree (1987).comedia negra " con una "trozo relajante de pop convencional". Por otro lado, Trainer lo consideró una forma "extraña" de terminar el álbum, y escribió que era "claramente un intento de... inyectar un sentido de calma mientras perpetúa el aire noir-ish del misterio".

Grabaciones de Leon
Descrito por Gabrels como una "obra improvisada de tres horas", las grabaciones de Leon están disponibles a través de piratas en tres "suites" separadas, cada una de entre 22 y 27 minutos de duración. Un coleccionista privado también lanzó un carrete de 70 minutos completamente mezclado en 2003. Según Pegg, la pieza lanzada es significativamente menos comercial que el álbum final de Outside , que presenta una gran cantidad de "paisajes sonoros ambientales" y versiones más largas de las secuencias del álbum. También presenta numerosas frases y bucles repetitivos entre la interacción entre los músicos. Trainer encontró que las grabaciones estaban "subdesarrolladas" en comparación con Outside, describiéndolos más como "japs sueltos" tipificados por "ritmos laboriosos y estructuras repetitivas sin forma que carecen de la dinámica que produciría el álbum Outside terminado".

La primera suite se divide en tres movimientos. El número de apertura de diez minutos "I Am with Name" contiene variaciones más largas y más obscenas de Stone y el primer paso de Adler. O'Leary señala que aparecen más voces en Leon que en Outside , destacando un personaje que "suena como si las ratas treparan por su cuerpo" a los cuatro minutos de la suite. Sigue un movimiento más melódico de cinco minutos titulado "We'll Creep Together", que presenta el piano "ondulante" de Garson sobre una serie de efectos de sonido, como ruidos de disparos. Sigue "I'd Rather Be Chrome", que muestra una frase repetitiva y contiene más narración de Adler sobre, en palabras de Pegg, un "riff pegadizo y merodeador".

La segunda suite, titulada "El enemigo es frágil", está clasificada por O'Leary como la pieza central de León . Presenta patrones similares a "A Small Plot of Land", junto con el funk de los músicos de respaldo, numerosos efectos de sonido y narración de Adler y Stone. Parte de la narración refleja temas presentes en El silencio de los corderos (1991). La pieza llega a un clímax con varias frases repetidas antes de terminar con un relleno de batería. El resto de la suite consta de la primera aparición del Artista/Minotauro y varios sintetizadores, con piano y saxofón adicionales. Una sección, titulada "Nothing to Be Desired", se publicó como pista adicional en el sencillo del CD "The Hearts Filthy Lesson",León que fue lanzado oficialmente. Después de "Nothing to Be Desired" hay largas variaciones de los segmentos "Baby Grace" y "Algeria Touchshriek".

La tercera y última suite, titulada "Leon Takes Us Outside", desarrolla aún más el personaje de Blank; la sección de apertura se convirtió en la apertura al Exterior . Comienza como un jazz instrumental con guitarra, piano y sintetizadores, con frases más repetitivas y narración de Adler y Stone; una secuencia transmite completamente la historia de Adler. Según O'Leary, la suite se cierra con comentarios y un relleno de batería. Poco después del lanzamiento de Outside , Bowie expresó su interés en hacer que el material de Leon estuviera disponible oficialmente, aunque la idea nunca se concretó.

Liberar
Sin un sello por tercera vez en tres años, el lanzamiento de Outside se retrasó mientras Bowie intentaba encontrar un distribuidor estadounidense, y luego comentó: "Nadie tomaría Outside cuando lo grabamos por primera vez".  En junio de 1995, Bowie firmó un contrato con Virgin America Records , diciéndole a Music Connection en septiembre que el sello era "extremadamente solidario" con respecto al concepto de Outside y permitía a Bowie un control creativo total en el estudio. Además, Virgin adquirió los derechos del trabajo de Bowie desde Let's Dance (1983) hasta Tin Machine., reeditándolos durante el resto del año con bonus tracks. En Gran Bretaña, Bowie firmó un nuevo acuerdo con BMG , que emitió Black Tie y Buddha en el país. BMG ahora estaba afiliado a RCA Records , el sello de Bowie durante la década de 1970 y del que se había ido en 1982.

"The Hearts Filthy Lesson" fue lanzado como sencillo principal el 11 de septiembre de 1995. Fue acompañado por un video musical dirigido por Samuel Bayer que inicialmente fue prohibido en MTV debido a imágenes provocativas. Comercialmente, el sencillo se desempeñó mal, alcanzando el puesto 35 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 92 en el Billboard Hot 100 de EE. UU . Pegg y Trynka afirman que Bowie deseaba mostrar un video de "mérito artístico" en lugar de atractivo para las listas de éxitos.

Outside , estilizado como 1. Outside - The Nathan Adler Diaries: A Hyper-cycle , fue lanzado el 25 de septiembre de 1995 por Virgin America en los EE. UU. y Arista, BMG y RCA en otros territorios en formatos LP y CD. El lanzamiento del CD fue el álbum completo de 75 minutos, mientras que el lanzamiento del LP fue una versión abreviada titulada Excerpts From 1. Outside , que incluía ediciones abreviadas de "Leon Takes Us Outside" y "The Motel" y eliminadas. las pistas "No Control", "Wishful Beginnings", "Thru 'These Architects Eyes", "Strangers When We Meet", junto con múltiples secuencias. El lanzamiento del CD japonés incluyó la toma descartada "Get Real".Jefe de DB . Comercialmente, Outside alcanzó el puesto número 8 en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 21 en el Billboard 200 de EE. UU .; El perfil de Bowie en Estados Unidos se elevó gracias a la popularidad de la versión MTV Unplugged de Nirvana de " The Man Who Sold the World ", así como a artistas que citaron la influencia de Bowie como Nine Inch Nails , Smashing Pumpkins y Marilyn Manson . Debido a los pedidos anticipados, Outside se convirtió en el álbum más vendido de Bowie desde Tonight .

Bowie promocionó Outside a través de varias apariciones en televisión. "Strangers When We Meet" se publicó como un sencillo de doble cara A con una nueva grabación de "The Man Who Sold the World" mezclada por Eno el 20 de noviembre de 1995. Alcanzó el número 39 en el Reino Unido y fue apoyada por un video musical, nuevamente dirigido por Bayer. Bowie interpretó la canción en los European MTV Awards el mismo mes. "Hallo Spaceboy" fue lanzado como tercer y último sencillo el 19 de febrero de 1996 en un nuevo remix con el dúo inglés Pet Shop Boys . La idea se originó en el miembro Neil Tennant , quien agregó líneas que hacen referencia a Mayor Tom de " Space Oddity " (1969). Pet Shop Boys apareció posteriormente en el video de la canción, dirigido por el veterano director de Bowie, David Mallet , e interpretó la canción con Bowie en los Brit Awards en febrero y en Top of the Pops en marzo. El sencillo en sí tuvo un buen desempeño comercial, alcanzando el número 12 en el Reino Unido. El remix luego reemplazó a "Wishful Beginnings" en la reedición europea de Outside de marzo de 1996 titulada 1. Outside Version 2 .

Art-Crime Comic
Anticipando que la narrativa del álbum podría ser inaccesible para los fanáticos cuando se lanzara, uno de los ejecutivos discográficos en México, Arturo López Gavito, encargó un cómic para aclarar la historia. El cómic, un one-off llamado Art-Crime , fue creado por dos jóvenes ilustradores, Victor "Pico" Covarrubias y Jotavé ( Jazmin Velasco-Moore ). Fue regalado con el CD.

Contexto
En 1995, la escena musical del Reino Unido estaba dominada por bandas de britpop como Suede , Blur , Pulp y Oasis , todas ellas en deuda con las obras de Bowie de la década de 1970. En su libro The Last Party , el periodista británico John Harris afirma: "David Bowie fue una influencia mucho mayor en el Britpop que cualquier artista de los años 60". Pegg escribe que mientras artistas más antiguos como Paul Weller y Adam Ant lanzaban exitosos discos Britpop en 1995, Bowie se mantuvo en tangente con artistas de rock industrial como Nine Inch Nails y artistas techno como Tricky, Goldie y los hermanos químicos . Buckley dice que el único disco que era estilísticamente similar a Outside en ese momento era Tilt de Scott Walker , lanzado cuatro meses antes.

Al analizar más a fondo el panorama cultural más allá de la música en ese momento, Pegg afirma que Outside llegó junto con la "crueldad glamorosa" de Pulp Fiction (1994); "habitó el medio ambiente ciberpunk de mala calidad " de películas como Judge Dredd , Tank Girl y 12 Monkeys (todas de 1995); y exhibió elementos de " teorías de conspiración extraterrestre " presentadas en la televisión por The X-Files . Outside también fue uno de los primeros álbumes en la era de Internet y mostró la misma "angustia premilenial" que el sencillo de finales de 1995 de Pulp " ". Las pistas de Outside también se utilizaron en el entretenimiento. "The Hearts Filthy Lesson" se reprodujo durante los créditos finales de Seven (1995), mientras que "A Small Plot of Land" fue el tema principal de la miniserie de la BBC de 1996 A History of British. Art . En última instancia, Pegg concluye: "Por primera vez desde 1980 Scary Monsters , Bowie había lanzado un álbum que accedía al espíritu de la época en todos los niveles" .

Recepción crítica
Las críticas críticas de Outside se mezclaron en el lanzamiento. Si bien la mayoría elogió la música como desafiante, muchos sintieron que el concepto general era difícil de seguir, y algunos lo encontraron "pretencioso". Entre las críticas positivas, los críticos consideraron el mejor disco de Outside Bowie desde Scary Monsters . Un escritor de la revista Time Out elaboró: "El edificio de sonidos, culturas, ritmos, muestras y texturas, con letras aleatorias que no cuentan una historia sino que crean estados de ánimo de palabras, con respecto al oyente de mente abierta con el mejor álbum de Bowie en 15 años". En el Daily Telegraph, Charles Shaar Murray dio la bienvenida a "un excelente álbum de David Bowie, un genuino renacimiento creativo. Amenazante y turbio  ... Su don para lo carismáticamente perturbador parece haberse reafirmado". Más tarde, en la revista Mojo , Murray lo consideró el álbum de regreso "oficial" de Bowie, elogió la música como un regreso a la Trilogía de Berlín y concluyó: "Es un álbum loco, malo y peligroso, por turnos, escalofriante, bonito". , feo, aterrador, apasionante y muy intrigante".

Algunos críticos encontraron la música entre las más innovadoras de Bowie; un escritor de Melody Maker anunció que Bowie "está listo para ser una influencia saludable una vez más en una quinta generación de camaleones glamorosos ". Además, un crítico de NME declaró: "El bisturí de Bowie está ciertamente más cerca del pulso que durante años". Otras publicaciones, como Today , consideraron las interpretaciones vocales de Bowie a lo largo del disco como algunas de sus mejores. En cuanto a la letra, David Fricke de Rolling Stone los apreció como "inteligentes", "efectivos" y "astutos", especialmente en "No he estado en Oxford Town" y "A Small Plot of Land". Sin embargo, criticó las transiciones habladas, argumentando que "casi hunden el récord". Paul Verna de Billboard encontró que el álbum "tropieza" con las secuencias, afirmando que "avanzan en la trama pero tienen poco interés musical". Argumentaron que si los oyentes "seleccionan" en todo momento, Outside "tiene la posibilidad de restablecer a Bowie como un artista vital".

Otros revisores expresaron evaluaciones más mixtas. David Browne de Entertainment Weekly encontró que la mayor parte del disco sonaba como "forraje" y sintió que se beneficiaría de una ayuda visual, como a través de presentaciones en giras. Sandy Masuo de Los Angeles Times disfrutó de ciertas pistas, pero sintió que, en general, Bowie estaba experimentando en géneros que, en 1995, otros artistas estaban creando con más éxito.  Gareth Grundy de la revista Select también encontró una falta de innovación musical, aunque destacó "Hallo Spaceboy", "No Control" y "We Prick You" como destacados. Algunos críticos creían que el álbum atraería a los fanáticos de Bowie desde hace mucho tiempo. pero desagradar a los más nuevos. Tom Doyle de Q dijo: "Los habituales pueden sentirse estafados en el frente de la melodía y las legiones que entraron en Let's Dance seguramente quedarán total y absolutamente desconcertadas. Quizás, sin embargo, ese es todo el punto". El álbum también atrajo respuestas negativas. Grundy, en particular, llamó a Outside "la cosa más tonta que Bowie ha hecho" desde el Glass Spider Tour. Además, Taylor Parkes de Ikon se quejó de que "el deseo desesperado de Bowie de ser considerado 'culto' ha eliminado cualquier potencial de alquimia accidental" y descartó rápidamente el disco como un "perdón saco de mierda... fácil, confuso e inmaduro ... . 

Gira
El acto de apertura de la etapa estadounidense de la gira fue Nine Inch Nails , dirigido por Trent Reznor (en la foto de 1994) . La asociación resultó en múltiples colaboraciones entre él y Bowie en los años siguientes.
En una entrevista con Music Week a principios de 1995, Bowie no expresó interés en interpretar el material de Outside en vivo, calificándolo de "un proyecto demasiado ambicioso". Sin embargo, después de soportar la presión de Virgin, Bowie rescindió y comenzó los ensayos para hacer una gira por Estados Unidos en agosto de 1995, luego extendió el número de fechas a principios de septiembre y agregó una etapa europea. La alineación de la gira incluyó a Gabrels, Garson y Alomar, con nuevas incorporaciones que incluyen al vocalista George Simms del Serious Moonlight Tour de 1983 , el director musical Peter Schwartz, el baterista Zachary Alford y la bajista Gail Ann Dorsey , ambos continuarían trabajando con Bowie con frecuencia en los años siguientes. El Tour Exterior comenzó el 14 de septiembre.

Nine Inch Nails abrió los espectáculos estadounidenses. El líder Trent Reznor se sintió intimidado por la idea al principio, pero aceptó amablemente. Las listas de canciones consistían principalmente en el material de Outside y pistas más desconocidas de la carrera de Bowie, junto con reelaboraciones de pistas más antiguas para adaptarse a los estilos del nuevo álbum. Hacia el final de los sets de apertura, Bowie se unió a Nine Inch Nails en el escenario, donde los dos artistas tocaron canciones de sus propios catálogos como " Subterraneans " (1977) y " Hurt " (1994), respectivamente. La fusión de los dos artistas se encontró con la resistencia de las bases de fans de ambos artistas. Mojo 's Chris Jones informó que durante una actuación, Bowie fue arrojado con escombros de la multitud confundida. La etapa americana concluyó a finales de octubre. La asociación de la gira entre Bowie y Reznor facilitó la realización por parte de este último de numerosos remixes de Outside y Earthling , así como su aparición en el video musical de " I'm Afraid of Americans " (1997).

La etapa europea comenzó en noviembre de 1995 con espectáculos en el Wembley Arena de Londres, con Morrissey como acto de apertura. Las tensiones entre Bowie y Morrissey aumentaron, lo que llevó a este último a partir poco después de la etapa de la gira; el resto de fechas fueron inauguradas por diversas bandas locales. La gira concluyó el 20 de febrero de 1996. Los espectáculos del Reino Unido, en particular las apariciones de Morrissey, fueron generalmente criticados por los críticos de conciertos. A lo largo de la gira, muchos criticaron la decisión de Bowie de no cantar éxitos conocidos, a lo que respondió: "Si no sabían que no iba a estar tocando los éxitos, deben haber estado viviendo debajo de una roca". A pesar de la mala recepción de la gira por parte de los críticos contemporáneos, Pegg afirma que mostró la progresión musical de Bowie y fue su mejor gira en 20 años. Las grabaciones de la gira se lanzaron más tarde en 2020 en los álbumes en vivo Ouvrez le Chien (Live Dallas 95) y No Trendy Réchauffé (Live Birmingham 95) , como parte de la serie Brilliant Live Adventures (2020) . –2021).

The Hearts Filthy Lesson

" The Hearts Filthy Lesson " (sin apóstrofe en "Hearts") es una canción de David Bowie , de su álbum de 1995 Outside , y publicada como sencillo antes del álbum. Mostró el nuevo sonido de influencia industrial de Bowie . Líricamente, el sencillo se conecta con el resto del álbum, con Bowie ofreciendo un lamento a la " futurista tiránica " Ramona A. Stone, un tema que continúa en canciones posteriores. La canción también pretende confrontar las propias percepciones de Bowie sobre la creación ritual y la degradación del arte. Aparece en los créditos finales de la película Seven de 1995 .

Desarrollo de canciones
La canción surgió de las sesiones de Leon de marzo de 1994 en las que Bowie y su banda habían interpretado largos números musicales improvisados, de los cuales nació gran parte del álbum Outside . Debido a que la canción surge de la experimentación de la banda, la canción se acredita con 6 autores: Bowie, Brian Eno , Reeves Gabrels , Mike Garson , Erdal Kızılçay y Sterling Campbell . Bowie diría que la canción "no tiene un mensaje directo y coherente... Es solo información: haz de ella lo que quieras", y que es un "montaje de temas, fragmentos de periódicos, historias, sueños y pensamientos a medio formar". En un momento durante el desarrollo de la canción, Bowie volvió y grabó nuevas letras basadas en pintores paisajistas ingleses. Reeves Gabrels , quien trabajó con Bowie en el álbum, le dijo, "eso es bueno y todo eso, pero de alguna manera destruyó la esencia de la canción, ¿no crees?", después de lo cual Bowie restauró la letra original.

Recepción y rendimiento gráfico
La recepción crítica de la canción fue generalmente tibia, aunque muchos críticos la reevaluarían cuando se escuchara en el contexto del álbum poco después. A pesar de su sonido desafiantemente no comercial, la canción alcanzó el puesto 35 en el Reino Unido y el 41 en Canadá. Escribiendo para Dotmusic , James Masterton dijo que la canción "vaga aparentemente sin rumbo durante cuatro minutos de la manera más inmemorable". La revista paneuropea Music & Media comentó: "Pon a Bowie y Eno en una habitación, y ocurre el mismo tipo de magia que cuando Jagger y Richards reunir. Sus últimos álbumes fueron "buenos", pero con esta pista industrial, el delgado duque blanco vuelve al frente". Un crítico de Music Week lo calificó con tres de cinco, y agregó: "Lento y extrañamente conmovedor, un andrógino vanguardista". balada que proporciona una prueba positiva de la regeneración de Bowie". El biógrafo Nicholas Pegg dijo que para aquellos no iniciados en la música de Bowie, esta canción les pareció "un estruendo sin melodía", pero para aquellos que conocen a Bowie fue "una losa impresionante de música industrial". tecno-rock."

El sencillo fue el primero de Bowie en ingresar al top 100 en las listas estadounidenses desde " Never Let Me Down " en 1987, alcanzando brevemente el puesto 92. En Suecia, "The Hearts Filthy Lesson" alcanzó el puesto 34 en 1995.

Vídeo musical
El video presentaba un montaje de mutilaciones de estilo artístico y objetos de arte sangrientos y posteriormente fue editado cuando se mostró en MTV. El clip fue dirigido por Samuel Bayer , el hombre detrás del clásico video " Smells Like Teen Spirit " de Nirvana . El video, que fue lo suficientemente controvertido como para requerir una reedición para MTV , contenía "tomas de calaveras, patíbulos, velas y objetos espantosos en frascos de encurtidos, mientras que todo el tiempo un baterista esquelético de títeres de cuerda golpea el ritmo. " Pegg describió los resultados como "brillantes, aterradores y poco probables de atraer al mercado masivo". En entrevistas, Bowie comentó sobre el "arte ritual"Afuera: "Mi aporte giró en torno a la idea del arte ritual: ¿qué opciones estaban abiertas para ese tipo de forma de arte cuasi-sacrificial y obsesionada con la sangre? Y la idea de un neopaganismo en desarrollo, especialmente en Estados Unidos, con el advenimiento de los nuevos cultos de tatuajes, escarificaciones, piercings y todo eso. Creo que la gente tiene una necesidad real de vida espiritual y creo que hay una gran hambruna espiritual. La ética cristiana no parece abarcar todas las cosas que la gente realmente necesita haber tratado de esa manera, y se ha dejado que la cultura popular absorba las partes sobrantes como la violencia y el sexo.

Versiones en vivo
Bowie interpretó la canción por primera vez en el Late Show with David Letterman el 25 de septiembre de 1995, el día antes del lanzamiento del álbum en Estados Unidos. Interpretó la canción durante el concierto de celebración de su 50 cumpleaños en la ciudad de Nueva York el 9 de enero de 1997, y esta interpretación se incluyó en el CD " Earthling in the City ". Una versión grabada en julio de 1996 en el Phoenix Festival en Stratford-upon-Avon , Warwickshire , Inglaterra, fue lanzada en el álbum en vivo LiveAndWell.com en 2000. Se interpretó regularmente durante la gira exterior de Bowie de 1995-1996.; una versión realizada en 1995 durante esta gira fue lanzada en 2020 en Ouvre le Chien (Live Dallas 95) . Se interpretó ocasionalmente durante el Earthling Tour de 1997 de Bowie , y la canción se incluyó en la lista de canciones de su álbum en vivo Look at the Moon! (Festival Fénix en Vivo 97) (2021).

Otros lanzamientos
La edición de radio se incluyó en los álbumes recopilatorios Best of Bowie (2 CD EE. UU./Canadá 2002) y Nothing Has Changed (3 CD 2014). Varios de los remixes fueron lanzados en la edición limitada de 2CD de 2004 de Outside . La canción se reproduce durante los créditos finales de la película Seven de 1995 , aunque no se lanzó como parte de la banda sonora oficial.