Up the Hill Backwards

" Up the Hill Backwards " es una canción del músico inglés David Bowie , publicada en su álbum de 1980 Scary Monsters (and Super Creeps) . Más tarde, RCA Records la publicó como el cuarto y último sencillo del álbum en marzo de 1981. Originalmente escrita con el título "Cameras in Brooklyn", la canción se grabó entre febrero y abril de 1980 en Power Station en la ciudad de Nueva York y Good. Earth Studios en Londres. La grabación cuenta con coristas, contribuciones de guitarra de Robert Fripp y guitarra acústica tocada por el coproductor Tony Visconti.. Líricamente, la canción se refiere a las luchas de enfrentar una crisis, parcialmente influenciada por el divorcio de Bowie de su esposa Angie . Musicalmente, la canción contiene numerosos cambios de compás y un ritmo inspirado en Bo Diddley .

La canción ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, y la mayoría elogió su composición inusual. Sin embargo, debido a esto, la canción se estancó como sencillo, alcanzando el puesto 32 en el Reino Unido y el 49 en Canadá. Bowie nunca interpretó "Up the Hill Backwards" en vivo en su totalidad durante sus giras de conciertos, aunque el primer verso se interpretó durante la apertura del Glass Spider Tour de 1987 . La canción ha aparecido en álbumes recopilatorios , mientras que una demostración ha aparecido en copias piratas . La revista Mojo la incluyó más tarde como la 24ª mejor canción de Bowie en 2015.

Grabación
David Bowie escribió originalmente "Up the Hill Backwards" bajo el título "Cameras in Brooklyn". Fue grabado durante las sesiones de Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) en la central eléctrica de la ciudad de Nueva York en febrero de 1980. Las pistas de acompañamiento de la canción se completaron aquí. La formación estaba formada por Bowie, el baterista Dennis Davis , el guitarrista rítmico Carlos Alomar y el bajista George Murray , con la guitarra principal tocada por el guitarrista de King Crimson Robert Fripp y Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen , al piano. Coproductor Tony Visconti contribuyó con guitarra acústica y coros, mientras que Lynn Maitland y Chris Porter cantaron coros. Chuck Hammer , que grabó partes de sintetizador de guitarra para " Ashes to Ashes " y " Teenage Wildlife ", grabó una parte para "Up the Hill Backwards", aunque esta fue reemplazada por Fripp. Décadas más tarde, Hammer declaró: "Es una lástima, ya que eran quizás la más exploratoria de todas las pistas grabadas".

En lugar de improvisar letras y música como lo había hecho con lanzamientos anteriores, Bowie le informó a Visconti que quería tomarse un tiempo para componer y desarrollar las letras y las melodías. Como tal, la voz de Bowie no se grabó hasta abril de 1980 en Good Earth Studios de Londres , el propio estudio de Visconti en ese momento. Visconti recordó más tarde: "Le pedimos a una amiga casual, Lynn Maitland, que se uniera a David y a mí para cantar una voz grupal para esta canción. Fue otra gran salida para David, ya que él no canta solo en esto". De hecho, Bowie canta al unísono con Visconti, Porter y Maitland, lo que el biógrafo Chris O'Leary siente que "da fuerza y ​​tranquilidad".

Composición
La letra de "Up the Hill Backwards" trata sobre la lucha de enfrentar una crisis. Bowie cita incorrectamente el libro de autoayuda de 1967 de Thomas Anthony Harris I'm OK – You're OK , una guía sobre cómo salvar las relaciones matrimoniales; Los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray ven esto como una referencia al divorcio de Bowie de su esposa Angie , que comenzó poco antes de que comenzaran las sesiones de Scary Monsters y finalizó más tarde en 1980. En la edición de 2016 de su libro The Complete David Bowie , el biógrafo Nicholas Pegg encontró que las primeras líneas fueron tomadas textualmente del libro Dada : Art and Anti-Art del artista y cineasta Hans Richter de 1964 : "... y finalmente el vacío creado por la llegada repentina de la libertad y las infinitas posibilidades que parecía ofrecer si uno podría agarrarlos con suficiente firmeza".

Musicalmente, el biógrafo Paul Trynka describe la canción como " evangélica ", mientras que el autor James Perone la considera una forma única de R&B . La canción presenta firmas de tiempo inusuales en todo momento: la sección de apertura tiene siete compases de 7/8 de tiempo y un compás de 3/8 de tiempo, mientras que la guitarra se rompe en 7/4 de tiempo, que Visconti tuvo problemas. grabación. Ned Raggett de AllMusic consideró que las firmas de tiempo cambiantes representaban las "composiciones fragmentarias" de la Trilogía de Berlín de Bowie (1977-1979), "ensambladas sin problemas para dar como resultado una nueva canción sorprendente". Del mismo modo, el autor Peter Doggett notó la naturaleza fragmentaria de la canción y afirmó: "Las firmas de tiempo no se casaban, no había vínculos claros entre las secciones separadas de la canción, y las letras eran fragmentos vagamente apocalípticos".

Los comentaristas han encontrado el ritmo inspirado en el guitarrista Bo Diddley ; Bowie mismo llamó a las secciones de apertura y final "una cosa de Fripp cuasi-Bo Diddley de alta energía". Murray, mientras tanto, comparó el ritmo con la pista de Aladdin Sane de Bowie " Panic in Detroit " (1973). Doggett encuentra que los versos recuerdan al rock and roll de los años 50 , observando la misma secuencia de acordes que " Summertime Blues " de Eddie Cochran . En la sección rítmica, la línea de base de Murray sigue las armonías vocales y contrarresta los solos de Fripp en el outro, mientras que la batería de Davis, en palabras de O'Leary, "impulsa los versos como un sargento de instrucción". Raggett escribió: "Los solos de guitarra inventivos, decididamente no obvios, la batería con un sonido pesado, casi electrónico y el uso sutil de polirritmos y más, se combinan maravillosamente".

Lanzamiento y recepción
"Up the Hill Backwards" fue lanzado el 12 de septiembre de 1980 como la segunda pista del decimocuarto álbum de estudio de Bowie, Scary Monsters (and Super Creeps) , secuenciada entre " It's No Game (No. 1) " y la canción principal . RCA lo lanzó tardíamente como el cuarto y último sencillo del álbum en marzo de 1981, con el número de catálogo RCA BOW 9 y "el instrumental" Crystal Japan "como cara B. Debido a su naturaleza no comercial, el sencillo se estancó en el puesto 32 en la lista de sencillos del Reino Unido . También se ubicó brevemente en el puesto 49 en Canadá. La canción ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, y la mayoría elogió su composición inusual. Tanto Pegg como Trynka lo consideran "excelente", mientras que Raggett lo llama uno de los aspectos más destacados de Scary Monsters . Marc Spitz considera la canción, junto con la pista del título y " Moda ", entre los mejores trabajos de Bowie de la década de 1970. Perone elogia la capacidad de Bowie para "crear conflictos musicales y líricos" en sus canciones que "obligan a los oyentes a lidiar con sus propias experiencias y emociones", escribiendo que captura eso perfectamente en "Up the Hill Backwards". En una lista de 2016 que clasificó todos los sencillos de Bowie de peor a mejor, Ultimate Classic Rock colocó a "Up the Hill Backwards" en el número 55, y la describió como "una canción buena pero difícil" que estaba destinada al fracaso en las listas debido a su musicalidad. complejidad.

Actuaciones en vivo y lanzamientos posteriores
Bowie nunca interpretó "Up the Hill Backwards" en vivo en su totalidad durante sus giras de conciertos. Sin embargo, el primer verso de la canción se interpretó durante los primeros momentos del Glass Spider Tour de 1987 . Los espectáculos comenzaron con Alomar tocando un solo de guitarra y repetidamente le dijeron que "se callara" (en referencia a "It's No Game (No. 1)"). Luego, el grupo de baile emergió imitando un diálogo pregrabado, seguido del primer verso de "Up the Hill Backwards" antes de pasar a "Glass Spider". Las actuaciones de la gira se lanzaron en la película del concierto Glass Spider de 1988 y en el álbum en vivo Glass Spider: Live Montreal '87 (2018).

"Up the Hill Backwards" se incluyó en la caja de Sound + Vision de 1989 y más tarde en el álbum recopilatorio de 2007 The Best of David Bowie 1980/1987 . Una demostración temprana de la pista, con una duración de 3:21, ha aparecido en álbumes piratas . Según Pegg, la demostración presenta una línea de bajo más funky, una "voz principal cercana al micrófono" y letras diferentes, como " Skylabs are falls" en lugar de "witnesses falls", una referencia a un medio entonces reciente. frenesí con respecto a la disolución en julio de 1979 del Skylab de la NASA al volver a entrar en la atmósfera de la Tierra.

Ashes to Ashes

" Ashes to Ashes " es una canción del cantautor inglés David Bowie de su decimocuarto álbum de estudio, Scary Monsters (and Super Creeps) (1980). Coproducida por Bowie y Tony Visconti , fue grabada de febrero a abril de 1980 en Nueva York y Londres y cuenta con un sintetizador de guitarra tocado por Chuck Hammer . Una canción de art rock , art pop y new wave liderada por un riff de piano flanqueado , la letra actúa como una secuela del éxito de Bowie de 1969 " Space Oddity ": el astronauta Major Tomha sucumbido a la adicción a las drogas y flota aislado en el espacio. Bowie basó parcialmente la letra en sus propias experiencias con la adicción a las drogas durante la década de 1970.

Lanzado como el sencillo principal del álbum el 1 de agosto de 1980, "Ashes to Ashes" se convirtió en el segundo sencillo número uno de Bowie en el Reino Unido y su sencillo más vendido. El video musical de la canción , codirigido por Bowie y David Mallet , fue en ese momento el video musical más caro jamás realizado . El video solarizado presenta a Bowie como un payaso, un astronauta y un recluso en un asilo, cada uno representando variaciones del tema de la canción, y cuatro miembros del club Blitz de Londres , incluido Steve Strange . Influyente en el entonces emergente movimiento Nuevo Romántico , los comentaristas lo han considerado uno de los mejores videos de Bowie y de todos los tiempos.

Bowie interpretó la canción solo una vez durante 1980, pero con frecuencia durante sus giras de conciertos posteriores. Inicialmente vista con reacciones críticas mixtas, los críticos y biógrafos posteriores la han considerado una de las mejores canciones de Bowie, elogiando particularmente la estructura musical única. En décadas posteriores, la canción ha aparecido en álbumes recopilatorios y otros artistas han hecho versiones, sampleado o utilizado sus elementos musicales para sus propias canciones. El homónimo de la canción también se usó para la serie de la BBC de 2008 del mismo nombre .

Escritura y grabación
Las sesiones de Scary Monsters (y Super Creeps) de David Bowie comenzaron en Power Station en la ciudad de Nueva York en febrero de 1980, con la producción a cargo de Bowie y su antiguo colaborador Tony Visconti . Las pistas de acompañamiento de "Ashes to Ashes" se grabaron con el título provisional "People Are Turning to Gold".  La banda, como en los cuatro álbumes anteriores de Bowie, estaba formada por Carlos Alomar a la guitarra, George Murray al bajo y Dennis Davis a la batería. Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen que estaba grabando The River (1980) en el estudio adyacente, contribuyó con el piano mientras que el músico de sesión Chuck Hammer tocaba el sintetizador de guitarra . Hammer, quien apodó su trabajo como "guitarchitecture", anteriormente realizó una gira para Lou Reed y fue contratado por Bowie después de que le envió cintas de su trabajo. Visconti declaró que Hammer "tocaría una nota y de su amplificador saldría una sección de cuerdas sinfónicas".

Por sus partes, Alomar tocó " reggae opaco " y Murray tocó una línea de bajo funk usando una mezcla de fingerstyle y slapping . Davis inicialmente luchó con el ritmo del ska . Bowie tocó el ritmo que imaginó para el baterista en una silla y una caja de cartón, que Davis estudió y aprendió, grabando la toma final al día siguiente. Aunque deseaba un piano electrónico Wurlitzer para grabar la parte de piano de Bittan, Visconti pasó un piano de cola por un Eventide Instant Flanger para imitar el sonido de uno al enterarse de que el Wurlitzer real tardaría demasiado en entregarlo. Para sus partes, Hammer superpuso cuatro texturas de guitarra multipista , cada una recibió diferentes tratamientos a través del Eventide Harmonizer, que se grabaron en la escalera trasera del estudio para agregar reverberación adicional . Según el biógrafo Chris O'Leary, tocó "varias inversiones de acordes para cada sección del coro", aunque Visconti dijo que "es el cálido coro de cuerdas que escuchas en la parte que dice: "Nunca he hecho cosas buenas, he nunca he hecho cosas malas".

Voces y sobregrabaciones
Las pistas de acompañamiento se grabaron sin letras ni melodías preescritas. A diferencia de su reciente Trilogía de Berlín , en la que Bowie escribió letras casi inmediatamente después de terminar las pistas de acompañamiento, quería tomarse un tiempo para escribir melodías y letras para las canciones de Scary Monsters .  Sintiéndose nostálgico , tuvo la idea de escribir una secuela de su primer éxito " Space Oddity " (1969), una historia sobre un astronauta ficticio llamado Major Tom , después de volver a grabar la canción en 1979 para The "Will Kenny Everett ¿Llegar a 1980?" mostrar  Bowie declaró en 1980:


Volviendo a reunirse en abril de 1980 en los Good Earth Studios de Visconti en Londres, Bowie y Visconti grabaron las pistas vocales y las sobregrabaciones adicionales para el ahora titulado "Ashes to Ashes". El autor Peter Doggett afirma que Bowie cantó originalmente "ashes to ashes" como "ashes to ash" y "funk to funky" como "funk to funky" antes de decidirse por las líneas finales. Para las sobregrabaciones, Visconti agregó percusión adicional y contribuciones del teclista de sesión Andy Clark , quien había sido presentado a Visconti por el baterista de Kenny Everett Show "Space Oddity" Andy Duncan. Según el biógrafo Nicholas Pegg , Clark " mientras que O'Leary dice que sus partes son "un tono alto en el coro". Al terminar la pista, Visconti recordó: "Nos encanta inmensamente y sabíamos que era una de las pistas principales".

Composición

Música
Caracterizado por comentaristas como art rock , art pop y new wave ; Pegg describe "Ashes to Ashes" como la culminación del período experimental de Bowie a fines de la década de 1970. Con un ritmo funk, un sonido de guitarra sintetizado y capas vocales complejas, el autor James E. Perone la considera la canción musicalmente más accesible de Scary Monsters y de cualquier álbum de Bowie en varios años. El autor compara el bajo funky de Murray con el alma plástica de Young Americans (1975) y Station to Station (1976).

La estructura musical de la canción es única e inusual, lo que, según Perone, la hizo destacar en la música pop de la época. Como figura de arpegio , el riff de piano parece tener un "compás faltante" en lugar de repetirse cada tres compases, creando la sensación de estar en un tiempo de 3/4 en una configuración de 4/4. La melodía vocal también coincide con el riff del piano mediante el uso de ritmos contrastantes, como "funk" en el tiempo fuerte y "fun-ky" en el fuera de tiempo. Visconti llamó al ritmo "un alucinante". Además, la melodía vocal presenta un fraseo contrastante, lo que significa que los versos consisten en secciones no relacionadas, cantando a través de compases ("Major To-om's"), cambios de clave, O'Leary comenta: "Es como si el director de orquesta fuera también el tenor principal".

"Ashes to Ashes" se inspira melódicamente en " Inchworm " de Danny Kaye , quien fue una de las primeras influencias de Bowie. Con origen en la película musical de 1952 Hans Christian Andersen , Bowie declaró en 2003 que los acordes de la canción fueron algunos de los primeros que aprendió con la guitarra, llamándolos "notable" y "melancólico": "' Ashes to Ashes' está influenciado por eso. Es infantil y melancólica en esa forma de cuento infantil". Al igual que "Inchworm", "Ashes to Ashes" contiene movimientos de fa a mi bemol para cerrar los versos. La canción en sí está en la tonalidad de La bemol mayor ,. O'Leary se refiere a los dos puentes como una "serie de arcos", ya que Bowie comienza en un registro bajo, sube a lo alto y desciende de nuevo a lo bajo al mismo tiempo. El segundo verso presenta coros inexpresivos que "hacen eco de la voz principal".

Letras
Melancólica e introspectiva, la letra de la canción actúa como una secuela de "Space Oddity", que termina con Major Tom solo flotando en el espacio. Once años después del despegue, Ground Control recibe un mensaje del comandante Tom, quien ha sucumbido a la adicción a las drogas y ha aumentado la paranoia luego de su abandono en el espacio: "Colgado en lo alto del cielo / alcanzando un mínimo histórico". Ground Control no está interesado en la reaparición del astronauta - "Oh no, no digas que es verdad" - y finge que está bien, en palabras de Doggett imitando "agencias gubernamentales en todas partes". Sus súplicas son ignoradas por el público, lo que lo lleva a proclamar que "nunca ha hecho cosas buenas", "nunca ha hecho cosas malas" y "nunca hizo nada de la nada". La canción termina con las líneas de rima infantil "Mi madre dijo / para hacer las cosas / será mejor que no te metas con el comandante Tom".

Descrito por el artista como "una historia de corrupción", Bowie quería ver dónde terminó Major Tom en la década de 1970:


Con respecto a las referencias a las drogas de la canción, Bowie bromeó acerca de conseguir que la palabra "drogadicto" superara a los censores de la BBC en una entrevista con NME en septiembre de 1980. Comparando "Space Oddity" con "Ashes to Ashes", Jason Heller de NPR evaluó los matices tecnológicos de este último en comparación con el primero "psicodélicamente espacioso". El escritor Tom Ewing escribió que era como si "el comandante Tom pensara que estaba protagonizando una historia de Arthur C. Clarke y se encontrara en una de Philip K. Dick por error, y el resultado es extrañamente magnífico".

Análisis
Los críticos han interpretado "Ashes to Ashes" como un comentario sobre las luchas personales de Bowie con la adicción a las drogas a lo largo de la década de 1970. Varios dijeron que la canción representa la reflexión y el reconocimiento de Bowie del pasado, al mismo tiempo que ofrece esperanzas para el futuro. El propio Bowie dijo que el álbum Scary Monsters era un intento de "acomodar" sus "pasados", ya que "tienes que entender por qué pasaste por ellos". La letra describe a Major Tom como un drogadicto que ha alcanzado "un mínimo histórico". Los editores de NME, Roy Carr y Charles Shaar Murray, interpretaron la línea como una obra de teatro sobre el título de Bowie., que trazó su retiro hacia adentro luego de sus excesos de drogas en los EE. UU. Poco tiempo antes, otra inversión del retiro original del Mayor Tom "hacia afuera" o hacia el espacio.

El biógrafo David Buckley argumenta que Bowie ofreció un comentario sobre toda su carrera "usando una pieza bastante sarcástica de autodesprecio" con la línea "Nunca he hecho cosas buenas / Nunca he hecho cosas malas / Nunca hice nada fuera de el azul." El mismo Bowie dijo que estas tres líneas "representan un sentimiento continuo y recurrente de inadecuación sobre lo que he hecho". Sobre el futuro del artista, Buckley interpreta la línea del hacha ("Quiero un hacha para romper el hielo / Quiero bajar ahora mismo") como su deseo de moverse hacia un territorio menos experimental y un terreno más "normalizado". Años más tarde, Bowie dijo: "Estaba terminando los años setenta realmente para mí, y eso parecía un epitafio lo suficientemente bueno".por eso, que lo hemos perdido, está en algún lugar, lo dejaremos en paz". Heller estuvo de acuerdo, argumentando que proporcionó el cierre para la "década más trascendental" del artista.

Liberar
"Ashes to Ashes" fue lanzado en forma editada como el sencillo principal de Scary Monsters el 1 de agosto de 1980, con el número de catálogo RCA BOW 6 y la pista de Lodger "Move On " como cara B. RCA enfatizó la relación de "Space Oddity" y "Ashes to Ashes" al lanzar una promoción de nueve minutos en vinilo de 12" en los EE. UU. titulada "The Continuing Story of Major Tom", que pasó de la primera a la segunda. El sencillo británico se presentó en tres portadas de imágenes diferentes, cada una empaquetada con cuatro hojas diferentes de sellos adhesivos, todas con Bowie con su disfraz de Pierrot del video musical; Pegg dice que esto fue RCA que adoptó "la locura por los coleccionables de edición limitada" que dominaba el mercado de singles de 7 "en ese momento. En Scary Monsters , lanzado el 12 de septiembre, "Ashes to Ashes" fue secuenciado en su Forma de larga duración como la cuarta pista en el lado uno del LP original, entre la canción principal y " Moda ".

Desempeño comercial
Después de años de fortunas comerciales menguantes, "Ashes to Ashes" fue un regreso a la forma comercial para Bowie. Debutando en el No. 4 en la lista de singles del Reino Unido , el sencillo aseguró el primer puesto de " The Winner Takes It All " de ABBA una semana después de la transmisión del video musical en Top of the Pops . Se convirtió en el sencillo más vendido de Bowie hasta ese momento y su segundo sencillo número uno después de la reedición de 1975 de "Space Oddity".

En comparación con el sólido desempeño del sencillo en el Reino Unido, el lanzamiento en los Estados Unidos fue peor. Con " It's No Game (No. 1) " como cara B, el sencillo estadounidense alcanzó el puesto 79 en la lista Cash Box Top 100 y el puesto 101 en la lista Billboard Bubbling Under the Hot 100 . En otros lugares, "Ashes to Ashes" se ubicó en el número 3 en Australia y Noruega, 4 en Irlanda, 6 en Austria, Nueva Zelanda y Suecia, 9 en Alemania Occidental, 11 en el Top 40 holandés de los Países Bajos y en Suiza,  15 en Bélgica Flandes y el Top 100 único holandés de los Países Bajos , y 35 en Canadá. La canción también alcanzó el puesto 14 en Francia en 2016.

Recepción crítica
"Ashes to Ashes" inicialmente recibió críticas mixtas de los críticos musicales. Entre las críticas positivas, un escritor de la revista Billboard dijo que la canción combina "ritmos de rock y baile" con "ritmos de rock ajustados que sientan las bases para la melodía rica en matices". En sus reseñas del álbum Scary Monsters , Billboard y Tom Sowa de The Spokesman-Review destacaron "Ashes to Ashes" como una de sus mejores pistas.

Por otro lado, Deanne Pearson calificó la canción como una "elección extraña para un sencillo" en Smash Hits , una que finalmente "no fue un éxito" y debería haberse dejado como pista del álbum. Debra Rae Cohen de Rolling Stone describió la canción como la "auto-acusación más explícita" de Bowie, y que refleja "el malestar de los tiempos". Aunque Cohen encontró las imágenes de la pista "escalofriantes", finalmente sintió que era difícil verlo "como algo más que un autoengrandecimiento perverso". Ronnie Gurr de Record Mirror fue negativo, encontrando la canción "en verdad no un gran esfuerzo". La revista lo clasificó como el segundo mejor sencillo de 1980, detrás de "the Jam , mientras que NME clasificó la canción como el quinto mejor sencillo del año.

Vídeo musical
El video musical de "Ashes to Ashes" fue codirigido por Bowie y David Mallet , quienes previamente habían dirigido los videos de Lodger (1979). Filmado a un costo de £ 250,000, fue el video musical más caro jamás realizado en ese momento y sigue siendo uno de los más caros de todos los tiempos . Filmado en mayo de 1980 durante un período de tres días, Bowie hizo un guión gráfico del video él mismo, planificando cada toma y dictando el proceso de edición. Mallet usó el entonces nuevo Quantel Paintbox para alterar la paleta de colores, haciendo que el cielo sea negro y el océano rosa. El escritor Michael Shore describió la dirección de Mallet como "sobrecargada deliberadamente": "ángulos de cámara de película de terror dementes, solarizaciones intensas, cortes neuróticos de color sobresaturado a blanco y negro".

El video utilizó múltiples ubicaciones, incluso en Beachy Head y Hastings . Rodar en la playa fue idea de Mallet; Más tarde dijo: "Es uno de los lugares muy raros en los que puedes llegar directamente al agua y hay un acantilado que se eleva sobre ti". El equipo encontró una excavadora abandonada en la playa y pudo contactar a sus dueños y emplear el vehículo para el rodaje. Mientras tanto, los conjuntos de "celda acolchada" y "cocina explotada" se desarrollaron a partir de la actuación de Kenny Everett Show de "Space Oddity", también filmada por Mallet, el año anterior. Al igual que en otros videos musicales de Bowie, "Ashes to Ashes" no cuenta una historia, sino que está lleno de imágenes extrañas que Buckley compara con un "estado mental de ensueño". Hablando de las conexiones entre las diferentes ubicaciones, Shore afirma "el sorprendentemente elegante motivo autorreferencial de video dentro de video, en el que cada nueva secuencia es presentada por Bowie sosteniendo una pantalla de video del tamaño de una postal que muestra la primera toma de la siguiente escena".

En el video, Bowie interpreta a tres personajes diferentes: un payaso, un astronauta y un preso de manicomio, todos los cuales representan variaciones del "tema extraño" de la canción. Sus cuatro seguidores, ataviados con túnicas clericales negras, eran miembros del Blitz de Londres , un "club nocturno de adoración a Bowie" que albergaba a varios artistas emergentes de la era del Nuevo Romántico , incluido Steve Strange , un futuro miembro. de Rostro . Más tarde, Strange le dijo al biógrafo Marc Spitz que su bata seguía quedando atrapada en la excavadora: "Es por eso que seguí haciendo ese movimiento en el que jalo mi brazo hacia abajo. Para no ser aplastado". El amigo de Strange, Richard Sharah, maquilló a Bowie tanto para el video como para la sesión de fotos de Scary Monsters el mes anterior, mientras que su disfraz de Pierrot italiano fue diseñado por Natasha Korniloff , cuya afiliación con el cantante se remonta a sus días como mimo. con Lindsay Kemp en 1968.  La anciana que aparece al final del video, actuando como la madre de Bowie, no era, según la creencia popular, su verdadera madre.

En su libro Strange Fascination , Buckley afirma que el video transmite una "náusea eduardiana", que representa "un mundo de nostalgia, reminiscencias de la infancia y recuerdos lejanos". Pegg y Buckley interpretan que los tres personajes de Bowie, arquetipos que habían impregnado su composición durante una década, actúan como un "exorcismo de su pasado". Bowie mismo describió la toma de él y sus seguidores caminando por la costa mientras la excavadora se arrastra detrás de ellos como un símbolo de "violencia que se aproxima". También dijo que los seguidores tienen matices religiosos, "una cualidad siniestra que está muy arraigada". Las escenas del cantante en un traje espacial, que sugería un sistema de soporte vital de hospital, y otras que lo mostraban encerrado en lo que parecía ser una habitación acolchada, se referían tanto al Mayor Tom como a la nueva y triste interpretación que Bowie hacía de él. Las primeras escenas se derivaron "intencionalmente" de los diseños de HR Giger para la película Alien de 1979 .

Fashion

" Fashion " es una canción del músico inglés David Bowie de su álbum Scary Monsters ( and Super Creeps ) de 1980 . Coproducida por Bowie y Tony Visconti y grabada de febrero a abril de 1980 en Nueva York y Londres, fue la última canción completada para el álbum. Con origen en una parodia del reggae titulada "Jamaica", "Fashion" es una pista post-punk , dance y funk estructuralmente similar a " Golden Years " de Bowie. El guitarrista de King Crimson, Robert Fripp, contribuyó con la guitarra principal.

Líricamente, "Moda" actúa como una celebración de las tendencias de la moda y la crítica de Bowie de las personas que exigen una estricta observancia de esas tendencias, que son etiquetados como fascistas y el " escuadrón de matones ". El video musical que lo acompaña , dirigido por David Mallet , refleja los temas líricos, representando a Bowie y sus músicos como matones callejeros intercalados con tomas de bailarines ensayando y un desfile de individuos del Nuevo Romántico . Al igual que " Ashes to Ashes ", fue elogiado por la crítica.

Lanzado por RCA Records en forma editada como el segundo sencillo del álbum el 24 de octubre de 1980, "Fashion" se ubicó en el puesto número 5 en el Reino Unido y en el puesto 70 en los EE. UU. Bowie interpretó la canción durante sus giras de conciertos, que han aparecido en videos de conciertos en vivo . En las décadas posteriores, la canción apareció en las listas de las mejores canciones de Bowie, en álbumes recopilatorios y varios artistas la versionaron.

Escritura y grabación
Las sesiones de Scary Monsters (y Super Creeps) de David Bowie comenzaron en Power Station en la ciudad de Nueva York en febrero de 1980, con la producción a cargo de Bowie y su antiguo colaborador Tony Visconti . "Moda" comenzó como una parodia básica del reggae bajo el título provisional "Jamaica". La banda, como los cuatro álbumes anteriores de Bowie, estaba formada por Carlos Alomar en la guitarra rítmica, George Murray en el bajo y Dennis Davis en la batería. Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen que estaban grabando The River (1980) en el estudio adyacente, contribuyó con el piano. El guitarrista de King Crimson , Robert Fripp , que tocó la guitarra en "Heroes" (1977), tocó el papel principal en "Fashion".

Las pistas de acompañamiento se grabaron sin letras ni melodías preescritas. A diferencia de su reciente Trilogía de Berlín , en la que Bowie escribió letras casi inmediatamente después de terminar las pistas de acompañamiento, quería tomarse un tiempo para escribir melodías y letras para las canciones de Scary Monsters ;  él y Visconti volvieron a reunirse en los Good Earth Studios de este último en Londres en abril de 1980 para voces y sobregrabaciones . Bowie inicialmente luchó para escribir la letra de "Fashion" y consideró desecharla por completo, antes de que Visconti interviniera: "Le imploré que escribiera una letra porque esta era probablemente la canción más moderna y comercial del álbum. Devolvió la al día siguiente anunciando: '¡Lo tengo! '

"Fashion" fue la última canción completada durante las sesiones de Scary Monsters y la mezcla comenzó esa misma noche. El teclista de sesión Andy Clark contribuyó con lo que el biógrafo Nicholas Pegg llama la "intro distintiva 'whoop whoop' de la pista", que era una señal de referencia en el sintetizador de Clark . Visconti dijo más tarde: "Terminó como una especie de reggae ascendente durante la mayor parte de la canción". Los aspectos de la pista provienen de material inédito del pasado. El "bip bip" recurrente que Bowie había usado por primera vez en una composición de 1970 llamada "Rupert the Riley", mientras que la frase "gente de malas casas"

Música y letras
Una pista post-punk , dance y funk con elementos de reggae, "Fashion" contiene similitudes estructurales con el éxito de Bowie de 1975 " Golden Years ". El riff de guitarra de Fripp, que el propio guitarrista describió como " blues-rock tocado con una gramática contemporánea", fue comparado por el autor Peter Doggett con " Cold Turkey " de John Lennon (1970). ). Doggett también identifica elementos que sugieren posibles inspiraciones de otras canciones, incluida la "estructura mecánica".de " Pop Muzik " (1979) y las "sílabas sin sentido" de " Psycho Killer " de Talking Heads (1977) en el verso final. El autor James E. Perone comparó aún más el sonido comercial y bailable de "Fashion" con Talking Heads, refiriéndose a ella como "la mejor canción de David Bowie que David Byrne nunca escribió".

Con "Fashion", Bowie pretendía actualizar " Dedicated Follower of Fashion " de los Kinks , así como sus propias composiciones "Join the Gang" y "Maid of Bond Street", a un escenario de 1980. Explicó:


En The Words and Music of David Bowie , Perone interpreta la letra de "Fashion" como una celebración de las tendencias de la moda y la crítica de Bowie a las personas que "exigen una estricta adhesión" a esas tendencias.  Aunque el propio Bowie insistió en que la canción no era política, su etiqueta de los individuos estrictos como fascistas y el " escuadrón de matones ", y letras como "gira a la izquierda, gira a la derecha", hizo que los comentaristas interpretaran lo contrario. Pegg dice el coro "gira a la izquierda, gira a la derecha" y el " escúchame , no me escuches" ocho central ambos "reflejan las fortunas cambiantes de Bowie como figura decorativa de celebridades y gurú del estilo durante la década anterior". El biógrafo David Buckley cree que la canción "se burlaba de la banalidad de la pista de baile y el estilo fascista" del movimiento Nuevo Romántico . Una hoja de letra escrita a mano, que luego se exhibió en la exposición David Bowie Is , reveló los matices violentos originales de la canción con letras como "Adelante, quema una bandera / Agita un puño, comienza una pelea / Si estás cubierto de sangre / Lo estás haciendo bien" y "Te romperemos todos los huesos / Te daremos la vuelta".

Vídeo musical
David Mallet filmó un video musical para "Fashion" en un club nocturno de Nueva York propiedad de su amigo Robert Boykin llamado Hurray . El video muestra a Bowie y sus músicos de apoyo, interpretados por Alomar, el guitarrista de Hall & Oates GE Smith y el baterista de Rumor Stephen Goulding, como tipos rudos intercalados con tomas de bailarines ensayando y un desfile de individuos del Nuevo Romántico. haciendo cola frente a un comedor social, uno de los cuales era May Pang , la exnovia de Lennon y futura esposa de Visconti.

En su libro The Complete David Bowie , Pegg dice que el video "cristaliza la ansiedad de la canción sobre la idolatría fuera de lugar y el liderazgo de estilo". En medio de una serie de contorsiones faciales y otros gestos, Bowie hizo uso de un movimiento que había empleado en el video de " Ashes to Ashes ": agacharse lentamente y llevar su brazo al suelo en un lento arco vertical. Al final del video, todos los bailarines están copiando el movimiento, lo que implica que la gente se ha sometido a sus acciones. Según Pegg, el disgusto de Bowie por este hecho es un tema frecuente en Scary Monsters . Una secuencia, en la que Bowie aparece tanto en el escenario como fanático, la utilizó más para el " Blue Jean " .película promocional en 1984. Buckley argumenta que la escena resume los sentimientos de Bowie sobre la relación icono-fan, y una personificación visual de sus espectáculos en vivo a lo largo de la década de 1970. Elogiados por la crítica, los lectores de Record Mirror votaron "Fashion" y "Ashes to Ashes" como los mejores videos musicales de 1980.

Lanzamiento y recepción
"Fashion" apareció por primera vez en su forma completa, de casi cinco minutos de duración, en Scary Monsters ,  lanzado el 12 de septiembre de 1980, como la pista final en la cara uno del LP original, después de "Ashes to Ashes". Un mes después, el 24 de octubre, RCA Records lo publicó en forma editada como el segundo sencillo del álbum, con el número de catálogo RCA BOW 7 y la pista del álbum " Scream Like a Baby " como cara B ; esta edición única corta un solo de guitarra completo. El diseño de la portada del Reino Unido fue adaptado para la portada de la compilación de 1980 The Best of Bowie . Debutando en la lista de singles del Reino Unido en el puesto 20, alcanzó el puesto 5. En Estados Unidos, ocupó un lugar bajo en el Billboard Hot 100 en el puesto 70. Los Blitz Kids de Londres adoptaron "Moda" como su himno, sin darse cuenta de la ironía de la canción hacia ellos.

Record World dijo al respecto que "el trasfondo vocal de Bowie es exóticamente hipnótico". NME clasificó a "Fashion" como la octava mejor canción de 1980. Considerada como una de las mejores canciones de Scary Monsters por Dave Thompson de AllMusic , publicaciones que han clasificado a "Fashion" como una de las mejores canciones de Bowie. incluyen Mojo (No. 18), The Guardian (No. 21), Consequence of Sound (No. 23) y NME (No. 36). En 2016, Ultimate Classic Rock colocó el sencillo en el número 20 en una lista que clasifica todos los sencillos de Bowie de peor a mejor en 2016.

Actuaciones en vivo
Bowie interpretó la canción en la mayoría de sus giras después de 1980, incluidas Serious Moonlight Tour (1983), Glass Spider Tour (1987), Sound+Vision Tour (1990), Earthling Tour (1997), Heathen Tour (2002) y A. Gira de la realidad (2003-2004). También cantó la canción con Frank Black para el concierto de su quincuagésimo cumpleaños en 1997. Según Pegg, esta versión presentaba "una línea de bajo agresivamente visceral" y estaba acompañada por "un conjunto impactante de retroproyecciones con toques de piel". Como canción en vivo, Thompson dice que la canción se convirtió en uno de los "números maleables más fiables" de Bowie.

La canción aparece en dos de sus videos de conciertos en vivo: Serious Moonlight (1983) y Glass Spider (1988),  y en el álbum en vivo Look at the Moon! (Festival Fénix en Vivo 97) (2021).

Legado
"Moda" ha hecho apariciones en álbumes recopilatorios . Su edición individual se incluyó en Changestwobowie (1981), Best of Bowie (2002), The Best of David Bowie 1980/1987 (2007) y la versión de dos discos de Bowie Legacy (2016); una edición única completamente nueva, a la que Pegg se refiere como un "esfuerzo alarmantemente descuidado", apareció en las versiones extendidas de dos y tres discos de Nothing Has Changed (2014). La versión de su álbum de larga duración se incluyó en Changesbowie (1990) y The Singles Collection (1993). Ambas ediciones también fueron remasterizadas e incluidas en la compilación A New Career in a New Town (1977–1982) en 2017.

Varios artistas han versionado "Moda" desde su lanzamiento. En 1998, Glamma Kid lanzó una versión de rap titulada "Fashion '98", que fue un éxito menor en el Reino Unido. En 2003, los Dandy Warhols muestrearon la canción "I Am a Scientist" de su tema Welcome to the Monkey House ; Bowie recibió un crédito de coautoría. Tres años más tarde, se publicó una versión de la línea de muñecas a la moda Bratz de MGA Entertainment , titulada "Ooooh Fashion" con una nueva melodía y letra ("We are the Bratz and now we're to town"). incluido en el álbum Forever Diamondz (2006). Además, las Spice Girls interpretaron "Fashion" en su gira de regreso de 2008 , y el elenco de Glee la cubrió para la revista Vogue en 2011. Trent Reznor , Mariqueen Maandig y Atticus Ross también la cubrieron para el tributo a Bowie de Mike Garson en 2021. evento Una celebración de Bowie: solo por un día .

La grabación original de Bowie apareció en las bandas sonoras de las películas Clueless (1995) y Raising Helen (2004). "Moda" también se utilizó para rendir homenaje a la industria de la moda británica durante la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres 2012 . Pegg comenta que el evento "ignoró o desconoció el mordaz sentido de la ironía de la canción".

Scream Like a Baby

" Scream Like a Baby " es una canción escrita por David Bowie . Aparece en el álbum de 1980 Scary Monsters (And Super Creeps) .

Música y letras
La canción se enfoca en un protagonista llamado Sam que evidentemente está detenido, junto con el narrador de la pista, en una prisión política. Aunque ambientada en el futuro, la historia está relatada en tiempo pasado, de una manera que Bowie ha descrito como "nostalgia del futuro... Una mirada pasada a algo que aún no ha sucedido". Musicalmente, la canción se destaca por su "sonido ultramoderno de guitarra / sintetizador de nueva ola", así como por el uso de Bowie de voces de velocidad variable para ilustrar la espiral descendente de Sam en el hospital de la prisión, según los críticos de NME Roy Carr . y Charles Shaar Murray , el efecto es "como si el narrador de ' All the Madmen ' habitara el mundo de ''".

"Scream Like a Baby" fue una de varias pistas de Scary Monsters que evolucionaron a partir de piezas que Bowie había escrito años antes. Fue compuesta originalmente en 1973, con letras diferentes, como "I Am a Laser" para The Astronettes ( Ava Cherry , Geoffrey MacCormack y Jason Guess). Bowie trabajó en un álbum para el grupo, pero finalmente se abandonó y finalmente apareció en 1995 como el álbum de Ava Cherry People from Bad Homes ; "I Am a Laser" fue una de las pistas.

Bowie tenía la intención de tocar la canción durante su gira Glass Spider Tour de 1987 , pero eliminó la canción de la lista de canciones antes de que comenzara la gira.

Otros lanzamientos
Fue lanzado como cara B del sencillo " Moda " en octubre de 1980.

Let's Dance

Let's Dance es el decimoquinto álbum de David Bowie. Fue lanzado originalmente en abril de 1983, tres años después de su álbum anterior, Scary Monsters (and Super Creeps). Coproducido por Nile Rodgers de la banda Chic, el álbum contiene tres de sus singles más exitosos; la canción principal, "Let's Dance", que alcanzó el N°1 en el Reino Unido, EE. UU. y varios otros países, así como "Modern Love" y "China Girl", que alcanzaron el segundo puesto en el Reino Unido. "China Girl" era una nueva versión de una canción que Bowie había coescrito con Iggy Pop para su álbum de 1977, The Idiot. También contiene una versión regrabada de la canción "Cat People (Putting Out Fire)", que había alcanzado el número uno en Nueva Zelanda, Noruega y Suecia un año antes. Respaldado por canciones de ritmos bailables y con llamativos vídeos musicales, Let's Dance se convertiría en el disco más vendido de la carrera de Bowie y le colocaría en el N.º 1 de los países de todo el mundo y en la portada de todas las revistas de moda.

Let's Dance fue nominado para el Premio Grammy del Álbum del Año en 1984, pero perdió ante Thriller de Michael Jackson. Ha vendido 10.7 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndolo en el álbum más vendido de Bowie. Es el decimoctavo lanzamiento oficial del álbum de Bowie desde su debut en 1967, incluyendo dos álbumes en vivo, un álbum de covers (Pin Ups, 1973) y una colaboración con la Orquesta de Filadelfia (1978). En un momento, Bowie describió el álbum como "un redescubrimiento del "inglés blanco exestudiante de arte que conoce el funk negro estadounidense, un reenfoque de Young Americans". Let's Dance también fue un escalón para la carrera del guitarrista de Texas blues, Stevie Ray Vaughan, que tocó en él. El álbum fue lanzado en edición limitada como Picture Disc (disco ilustrado) en 1983.

Las críticas para Let's Dance como álbum han sido mixtas, aunque Rolling Stone luego lo describió como "la conclusión de, posiblemente, la mejor carrera de 14 años en la historia del rock". Bowie sintió que tenía que continuar complaciendo a la nueva audiencia masiva que adquirió con el álbum, lo que lo llevó a lanzar dos álbumes más en solitario en 1984 y 1987 que, a pesar de su relativo éxito comercial, no se vendieron tan bien como Let's Dance, fueron mal recibidos por los críticos en el momento y posteriormente descartados por el propio Bowie como sus "años de Phil Collins". Más adelante, Bowie ayudaría a formar la banda de hard rock y predecesora del Grunge, Tin Machine en 1989 en un esfuerzo por rejuvenecerse artísticamente.

Desarrollo
David Bowie había planeado usar al productor Tony Visconti en el álbum, ya que los dos habían trabajado juntos en los anteriores cuatro álbumes de estudio de Bowie. Sin embargo, eligió a Nile Rodgers para el proyecto, una movida que sorprendió a Visconti, quien había reservado tiempo para trabajar en Let's Dance. Visconti llamó a Coco la asistente personal de Bowie y ella dijo: "Bueno, como bien sabrá, ha estado en el estudio durante las últimas dos semanas con otra persona. Está funcionando bien y no lo vamos a necesitar. Él está muy apenado". Aquel traslado dañó la relación de ambos y Visconti no trabajó con Bowie nuevamente durante casi 20 años (hasta Heathen en 2002). Rodgers más tarde recordó que Bowie se acercó a él para producir su álbum, y lograr conseguir unos sencillos exitosos. Rodgers informó que Bowie entró a su departamento un día y le mostró una fotografía de Little Richard con un traje rojo metiéndose en un Cadillac rojo brillante, diciendo "Nile, cariño, así es como quiero que suene mi álbum".

Scary Monsters (and Super Creeps), el álbum anterior de Bowie, fue el último bajo el sello de RCA Records. Más tarde firmó con EMI Records por un monto reportado de $17.5 millones y estaba trabajando con Rodgers para lanzar un álbum "comercialmente boyante" que fue descrito como "Funk original de fiesta con un sonido de bombo más grande que la suma de sus influencias". Las influencias del álbum se describieron como Louis Jordan, Southside Johnny & the Asbury Jukes, Bill Doggett, Earl Bostic y James Brown. Bowie pasó tres días haciendo demos para el álbum en Nueva York antes de grabar el álbum, una rareza para Bowie que, en los álbumes anteriores, por lo general aparecía con poco más que "algunas ideas". A pesar de esto, el álbum "fue grabado, de principio a fin, incluyendo la mezcla, en 17 días", según Rodgers.

Stevie Ray Vaughan conoció a Bowie en el Festival de Jazz de Montreux de 1982 en Suiza. Después de la actuación de Vaughan, Bowie quedó tan impresionado con el guitarrista que más tarde dijo "él me derribó por completo. Probablemente no había estado tan entusiasmado con un guitarrista desde que vi a Jeff Beck con su banda The Tridents". De Bowie, Vaughan dijo, "para ser sincero, no estaba muy familiarizado con la música de David cuando me pidió que tocara en las sesiones... David y yo hablamos durante horas sobre nuestra música (de Double Trouble), sobre el funky Texas blues y sus raíces - Me sorprendió lo interesado que estaba. En Montreux, dijo algo sobre estar en contacto y luego me rastreó en California, meses y meses después". En una entrevista contemporánea, Vaughan describió las sesiones de grabación para el álbum:


Inusualmente, Bowie no tocó ningún instrumento en el álbum. "No toqué ni una maldita cosa. Este era el álbum de un cantante". Unos años más tarde, Bowie habló de sus sentimientos sobre la canción "Ricochet" (que la revista Musician calificó de "incendiario baile de salón") de este álbum:


Bowie luego describió Let's Dance de la misma manera: la demo original era "totalmente diferente" de la forma en que Nile lo arregló. Bowie tocó una demostración inicial de la canción para Nile Rodgers en una guitarra de 12 cuerdas con solo 6 cuerdas, y le dijo a Nile, "Nile, querido, creo que tengo una canción que se siente como un éxito". Nile luego tomó los acordes (que dijo "se sentían folk") y ayudó a crearlos en la versión utilizada en la producción final de la canción.

El antiguo y permanente colaborador Carlos Alomar, que había trabajado con Bowie desde mediados de la década de 1970 y continuaría trabajando con Bowie a mediados de la década de 1990, ha afirmado que se le ofreció una tarifa "embarazosa" para tocar en el álbum y se negó a hacerlo. También dijo (al trabajar en el siguiente álbum de Bowie, Tonight) que no tocó en Let's Dance porque Bowie sólo le avisó con dos semanas de anticipación y que ya tenía otro trabajo; sin embargo, Alomar tocó de acompañante en la Serious Moonlight Tour (la gira del disco).

Recepción y crítica
El álbum fue visto como un éxito comercial y crítico por los críticos profesionales, aunque las opiniones variaron sobre el contenido artístico; mientras que un crítico lo llamó "Bowie en su mejor momento", otro lo sintió "agradablemente inútil". En un artículo sobre Bowie para Time en julio de 1983, Jay Cocks describió el álbum como "descaradamente comercial, melódicamente aliterado y líricamente inteligente al mismo tiempo". Robert Christgau sintió que tenía un "superficial aspecto profesional" y que, aparte de "Modern Love", que era "interesante", el álbum fue "agradablemente inútil". Ken Tucker, en una reseña para Rolling Stone, sintió que el álbum sonaba genial, con una simplicidad inteligente y una "belleza superficial", pero que el álbum en su conjunto era "flojo y molesto", aparte de "Modern Love", "Without You" y"Shake It", ofrecieron "algunas de las composiciones más atrevidas de la carrera de Bowie".

En una revisión retrospectiva de AllMusic, Stephen Thomas Erlewine sintió que los tres sencillos de éxito del álbum eran canciones pop llamativas pero distintivas, mientras que el resto del álbum era "Plastic soul sin importancia" indicativo de Bowie "entrando en una depresión compositiva". Ed Power, de Irish Examiner, escribió que Bowie "suplicó descaradamente por el amor al mercado masivo" con el álbum. Continuó: "...la canción principal era un trozo decente de funk-rock y Bowie no se avergonzó del sencillo "China Girl". De lo contrario, el disco tenía mucho en común con Wham! y Phil Collins". David Quantick de la BBC elogió la combinación "perfecta" de Bowie y Rodgers en la canción principal, la interpretación "dulce y romántica" de "China Girl" y destacó "Criminal World" como "una de las mejores canciones". Afirmó que "Let's Dance pudo haber tenido un sonido innovador y una popularidad que Bowie ansiaba claramente, pero a menudo es un álbum mundano, con canciones como "Ricochet" y "Shake It" que marcan el tiempo". Dijo que el álbum era "literalmente la plantilla de Bowie para los 80: rubio, adecuado y sonriente".

Escribiendo para The Guardian en 2014, Jeremy Allen declaró que Let's Dance había pasado "un tiempo en el desierto, rechazado por muchos debido a sus valores de producción de los 80", pero agregó que "una revaluación era casi inevitable y ha coincidido con un renacimiento en la carrera de Rodgers y una efusión de amor sin precedentes por el exitoso productor y guitarrista". El crítico de rock y pop de The Guardian, Alexis Petridis, reconoció en su revisión retrospectiva de la carrera de Bowie en 2016 que Let's Dance "tuvo sus momentos", a diferencia de su sucesor, Tonight.

Legado
En 1989, el álbum ocupó el puesto número 83 en la lista de la revista Rolling Stone de los "100 mejores álbumes de los años ochenta". En 2013, NME clasificó a Let's Dance en el número 296 en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Aunque Bowie había acusado al productor Nile Rodgers de hacer éxitos para él, Bowie diría más tarde que "en ese momento, Let's Dance no fue la "corriente principal". Fue prácticamente un nuevo tipo de híbrido, usando la guitarra de blues-rock en un formato de baile. No había nada más que realmente sonara así en ese momento. Así que solo parece comercial en retrospectiva porque vendió muchas copias. Fue genial a su manera, pero me puso en un auténtico rincón y jodió con mi integridad". Bowie recordó: "Fue un buen disco, pero solo fue pensado como un proyecto único. Tenía toda la intención de continuar haciendo material inusual después de eso. Pero el éxito de ese disco realmente me forzó, de alguna manera, a continuar con la bestia. Era algo que yo mismo hacía, por supuesto, pero después de unos años sentí que me había estancado".

Más tarde, Bowie dijo que el éxito del álbum hizo que alcanzara un punto bajo creativo en su carrera que duró los próximos años. "Recuerdo haber visto estas oleadas de personas que venían a escuchar este disco en vivo y pensé: 'Me pregunto cuántos álbumes de Velvet Underground tienen estas personas en sus colecciones de discos". De repente me sentí muy alejado de mi audiencia. Y fue deprimente, porque no sabía lo que querían". Luego de que sus álbumes posteriores, Tonight (1984) y Never Let Me Down (1987) fueran rechazados por la crítica, Bowie formó la banda precursora del grunge, Tin Machine en un esfuerzo por recuperar su visión artística.

Reediciones
En 1995, Virgin Records relanzó el álbum en CD con "Under Pressure" como pista adicional. EMI hizo el segundo relanzamiento en 1999 (con sonido remasterizado digital de 24 bits y sin pistas extra).

En 1998, hubo una reedición en el Reino Unido que fue similar a la reedición de 1995, pero no incluyó bonus tracks.

La versión canadiense de la versión EMI de 1999 incluye una pista de datos, de modo que cuando se carga el CD en una PC con Windows, el usuario recibe una promoción de los servicios de acceso a Internet y otro contenido premium del sitio web davidbowie.com. Esto marca uno de los primeros intentos por parte de un artista popular de combinar Internet y los métodos normales de promoción y distribución.

Hubo una nueva edición en 2003 cuando EMI lanzó el álbum como un CD híbrido estéreo SACD/PCM.

Lista de canciones
Todas las canciones escritas por David Bowie, excepto donde se indique lo contrario.

Lado A

 -   1 «Modern Love»   4:46
 -   2 «China Girl» (David Bowie, Iggy Pop)   5:32
 -   3 «Let's Dance»   7:38
 -   4 «Without You»   3:08

Lado B

 -   5 «Ricochet»   5:14
 -   6 «Criminal World» (Peter Godwin, Duncan Browne, Sean Lyons)   4:25
 -   7 «Cat People (Putting Out Fire)» (Bowie, Giorgio Moroder)   5:09
 -   8 «Shake It»   3:49

Personal

Músicos
 - David Bowie - voz principal y coros
 - Nile Rodgers - guitarra rítmica
 - Stevie Ray Vaughan - guitarra principal
 - Robert Sabino - sintetizadores y piano
 - Carmine Rojas - bajo menos en "Let's Dance"
 - Omar Hakim, Tony Thompson - batería y caja de ritmos
 - Erdal Kizilcay – bajo sintetizado en "Let's Dance"
 - Sammy Figueroa - percusiones
 - Mac Gollehon - trompeta
 - Robert Aaron, Stan Harrison - saxofón tenor y flauta
 - Steve Elson - saxofón barítono y flauta
 - Frank Simms, George Simms, David Spinner - coros
 - Bernard Edwards - bajo en "Without You"

Técnico
 - David Bowie - productor
 - Nile Rodgers - productor
 - Bob Clearmountain, Nile Rodgers, David Bowie - ingeniería/mezcla.
 - Bob Ludwig - masterización