Golden Years

" Golden Years " es una canción del músico inglés David Bowie , lanzada por RCA Records el 21 de noviembre de 1975 como el sencillo principal de su décimo álbum de estudio Station to Station (1976). Parcialmente escrita antes de que Bowie comenzara a filmar la película The Man Who Fell to Earth (1976), la canción se compiló principalmente en el estudio y fue la primera pista completada para el álbum. Algunos biógrafos dicen que la canción fue escrita para Elvis Presley , quien la rechazó, mientras que su esposa Angie afirmó que fue escrita para ella. La grabación tuvo lugar en Cherokee Studios en Los Ángeles.durante septiembre de 1975. La canción fue coproducida por David Bowie y Harry Maslin y cuenta con contribuciones de Carlos Alomar y Earl Slick a la guitarra, George Murray al bajo y Dennis Davis a la batería; El viejo amigo de Bowie, Warren Peace, contribuyó con los coros y ayudó con los arreglos vocales. Debido al fuerte consumo de cocaína de Bowie , más tarde recordó no recordar casi nada de la producción de Station to Station .

Musicalmente, "Golden Years" es una canción funk y disco que recuerda a la música del álbum anterior de Bowie, Young Americans (1975), particularmente " Fame ", pero con un toque más duro y estridente. La canción utiliza elementos de varias pistas de doo-wop de la década de 1950 en su arreglo, con el riff de guitarra principal basado en la canción " The Horse " de Cliff Nobles and Company , mientras que el estribillo vocal de varias pistas se parece a " Happy Years " de los Diamonds . Otras pistas que influyeron en la composición de la canción incluyeron "" de los Drifters." Funky Broadway " de Dyke y los Blazers . Líricamente, el narrador ofrece a un compañero la esperanza de entrar en una limusina y aislarse del mundo exterior. En otras palabras, le asegura a su compañera que siempre estará protegida por él y le promete un futuro mejor.

Bowie precedió a su lanzamiento imitando la canción en Soul Train , donde aparecía incoherente. "Golden Years" ha sido valorada positivamente por críticos musicales y biógrafos, quienes han destacado su composición. Tras su lanzamiento, la canción fue un éxito comercial, alcanzando el número ocho en el Reino Unido y el número diez en los Estados Unidos. También alcanzó los diez primeros en Irlanda, los Países Bajos y Suecia. La canción rara vez se tocó durante la gira Isolar de 1976 de Bowie , pero sí regularmente en Serious Moonlight de 1983, Sound+Vision de 1990 y Mini giras de 2000. La canción ha aparecido en las listas de las mejores canciones de Bowie y ha sido incluida en varios álbumes recopilatorios., versionada por numerosos artistas e hizo apariciones en varias películas y bandas sonoras, incluida A Knight's Tale (2001), que presentó un nuevo remix del colaborador de Bowie, Tony Visconti .

Antecedentes y grabación
David Bowie comenzó a escribir "Golden Years" en mayo de 1975 antes de que comenzara el rodaje de la película The Man Who Fell to Earth (1976). Las fuentes difieren en cuanto a para quién fue escrita la pista. Los biógrafos de Bowie afirman que la canción supuestamente fue escrita para el cantante estadounidense Elvis Presley , quien la rechazó. Bowie recordó que Presley había escuchado las demostraciones y, debido a que ambos artistas firmaron con RCA Records en ese momento, el manager de Presley, el coronel Tom Parker , pensó que Bowie debería escribir canciones para Presley. Bowie dijo que había "adorado" a Presley y que le hubiera encantado trabajar con él. Aunque las oficinas de los artistas se contactaron entre sí, nada llegó a buen término. Presley envió una nota a Bowie diciendo: "Todo lo mejor y que tengas una gran gira"; Bowie guardó la nota por el resto de su vida. Por el contrario, Chris O'Leary afirma que la canción nunca se le presentó a Presley debido al estancamiento de las negociaciones con Parker. La primera esposa de David, Angie Bowie, afirmó más tarde que él escribió la canción para ella, diciendo que él le cantó la canción por teléfono, "de la misma manera, todos esos años antes, me había cantado [su tema de 1970] ' The Prettiest Star '. Tuvo un efecto similar. Lo compré". Según Christopher Sandford ,Ava Cherry también afirmó haber sido la inspiración para la canción.

El sencillo " Fame " de David Bowie de 1975 , una colaboración con el ex Beatle John Lennon , fue un gran éxito comercial, encabezando el Billboard Hot 100 de EE. UU . Como tal, RCA estaba ansiosa por un seguimiento. Después de completar su trabajo en The Man Who Fell to Earth en septiembre, Bowie regresó a Los Ángeles para comenzar a grabar su próximo álbum. En cuanto al personal, Bowie trajo de vuelta al mismo equipo que usó para "Fame": el coproductor Harry Maslin , los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el baterista. Dennis Davis y el viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormick (acreditado como Warren Peace ), mientras que el bajista George Murray fue reclutado. Para el estudio, Bowie y Maslin eligieron Cherokee Studios de Los Ángeles , un estudio popular en ese momento que era más avanzado que los Sigma Sound Studios de Filadelfia , donde Bowie había grabado Young Americans (1975); contó con cinco salas de estudio diferentes, consolas de mezclas de 24 pistas , sesiones de 24 horas, más espacio y un lounge bar.

La grabación del nuevo álbum comenzó a fines de septiembre de 1975 y finalizó en noviembre. El posible sencillo "Golden Years" fue la primera pista grabada, entre el 21 y el 30 de septiembre. En un momento estaba programado para ser la canción principal del álbum. Con respecto a la grabación, Maslin recordó que la canción fue "cortada y terminada muy rápido. Sabíamos que estaba absolutamente bien en diez días. Pero el resto del álbum tomó una eternidad". Como la mayoría de Station to Station , los elementos de la canción se construyeron principalmente en el estudio en lugar de escribirse antes. MacCormick le dio sugerencias a Bowie para el arreglo de la canción, incluida la adición de las etiquetas "WAH-wah-WAH" después de los estribillos y las etiquetas "go-oh-oh-old" en los puentes . También ayudó a Bowie en las armonías de los coros, recordando en sus memorias: "Cuando llegamos a grabar los coros de la canción, David perdió la voz a la mitad, dejándome a mí para terminar el trabajo. Eso significaba que tenía que cantar la serie". de notas increíblemente altas antes del coro, que fueron lo suficientemente difíciles para David pero fueron un asesinato absoluto para mí". Debido al fuerte consumo de cocaína de Bowie durante las sesiones, más tarde recordó no recordar casi nada de la producción del álbum.

Composición y letras
Station to Station se considera comúnmente como un álbum de transición en la carrera de Bowie, que desarrolla el funk y el soul de Young Americans e introduce influencias de la electrónica y el género musical alemán de krautrock , en particular bandas como Neu! y Kraftwerk , estilos que Bowie exploraría más a fondo en su Trilogía de Berlín de finales de la década de 1970 . Al igual que la pista del álbum " Stay ", "Golden Years" se basa en los estilos de los jóvenes estadounidenses pero con un borde más duro y afilado. Nicolás Pegg afirma que la canción carece del "paisaje musical más acerado" del resto del álbum. La canción también utiliza elementos del doo-wop de los años 50 ; el riff de guitarra principal se basa en la canción " The Horse " de Cliff Nobles and Company de 1968 y el estribillo vocal de varias pistas se parece al sencillo " Happy Years " de Diamonds de 1958 . Otras pistas que influyeron en la composición de "Golden Years" incluyeron la canción de 1963 de Drifters " On Broadway ", que Bowie tocó al piano durante los ensayos, agregando un "come buh-buh-buh baby" después de cada línea. ,Funky Broadway " que Earl Slick usó para algunos riffs. Si bien la canción en general impregna los estilos de "Fame", O'Leary afirma que combina elementos de krautrock en el riff de guitarra principal. Comentaristas han categorizado el sonido de la canción como funk y disco.

"Golden Years" está en la tonalidad de si mayor y comienza con un riff "simple de dos acordes" ( F ♯ - E ), que David Buckley cree que engancha al oyente al instante. El autor Peter Doggett llama al riff "reminiscente", aunque "en circunstancias muy diferentes", a la canción principal de Aladdin Sane (1973) de Bowie. Escribe: "Los ingredientes mágicos eran de percusión: el repiqueteo de las baquetas contra el hi-hat címbalo desde el principio, el repiqueteo sorprendente de los bloques de madera, el tambor repentino se llena". Según él, estos elementos combinados "canalizan" el espíritu de Presley en los versos, con un "tono más altivo y estridente" en el coro. La canción presenta lo que O'Leary llama "guitarras en duelo", ambas mezcladas en canales separados: la derecha toca variaciones en el riff de apertura mientras que la izquierda toca un "ritmo deslizante", haciéndose eco del "WAH-wah-WAH". con un riff de tres acordes después de los puentes.

La estructura de la canción es única, ya que los puentes varían entre dos y seis compases. El puente más largo presenta una progresión de acordes de sol mayor ("nada te tocará") a la menor ("dorado"), luego una séptima mi menor ("años"), que termina con una barra de tiempo de corte de 2/4 . Aquí, Bowie canta "go-oh-oh-old" mientras el bajo de Murray se superpone a un sintetizador Moog . También prevalece la percusión en todas partes, incluidas palmas, vibraslap y melódica . O'Leary encuentra a Bowie casi rapeando en el tercer verso durante las líneas hasta "all the WAY" (cantada en F ♯), a la que siguen las frases de "corre por las sombras" antes de otro estribillo.

El biógrafo Marc Spitz interpreta Station to Station como "un álbum de canciones de amor", específicamente "del tipo que escribes cuando no tienes amor en tu propia vida". De hecho, James Perone considera que "Golden Years" es el tipo de canción de amor que no incluye la palabra amor . En la canción, el narrador ofrece a un compañero la esperanza de entrar en una limusina y aislarse del mundo exterior. En otras palabras, le asegura a su compañera que siempre la protegerá pase lo que pase y le promete un futuro mejor. Los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray encuentran que la letra lleva "un aire de arrepentimiento por las oportunidades perdidas y los placeres pasados". O'Leary afirma que la vida de Bowie en Los Ángeles influyó en la escritura lírica.

Promoción y lanzamiento
El 4 de noviembre de 1975, Bowie apareció en el programa de televisión estadounidense Soul Train , imitando "Fame" y la entonces inédita "Golden Years". Bowie fue el segundo artista blanco en aparecer en el programa, después de Elton John seis meses antes. Durante la actuación y la entrevista, estaba visiblemente intoxicado y, según Pegg, estaba en un "nuevo punto bajo de coherencia". Bowie más tarde se sintió avergonzado por su comportamiento, recordando en 1999 que no había logrado aprender "Golden Years" y luego el DJ del programa lo regañó. Spitz describe la apariencia como "astuta" y "incómoda", mientras que O'Leary la llama la "más solitaria y solitaria" de Bowie.El clip de película resultante se utilizó como video musical no oficial de la canción para su promoción en todo el mundo. Al igual que la relación de " Rebel Rebel " con Diamond Dogs (1974), "Golden Years" fue un adelanto poco representativo para el próximo álbum.

RCA lanzó "Golden Years" como el sencillo principal de Station to Station el 21 de noviembre de 1975 mientras el álbum aún se estaba terminando. Su cara B era la pista de Young Americans " Can You Hear Me? " con el número de catálogo RCA 2640; contó con una duración de 3:30. La canción apareció posteriormente como la segunda pista de Station to Station , entre la canción principal y " Word on a Wing ", con una duración más larga de 4:03. Según Pegg, la versión del sencillo es "esencialmente" la versión del álbum con un desvanecimiento anterior. La canción aparecería más tarde como el lado B de la canción " Wild Is the Wind " de Station to Station en noviembre de 1981. En 2011 se lanzó una versión única actualizada de "Golden Years" para coincidir con la re -liberación de Estación a Estación . Cuatro nuevos remixes fueron proporcionados por DJs de la estación de radio KCRW en California.

Después de "Fame", "Golden Years" continuó el éxito comercial de Bowie. En el Reino Unido, donde estuvo "pisándole los talones" a la reedición de " Space Oddity ", el sencillo alcanzó el número ocho en la lista de singles del Reino Unido , permaneciendo en la lista durante 10 semanas. En los EE. UU., se ubicó durante 16 semanas en el Billboard Hot 100 y alcanzó el número 10, también alcanzó el puesto 12 en el Cash Box Top 100. La canción alcanzó el puesto 17 en el Canadian Gráfico de RPM Top Singles, y número 18 en la lista de oyentes de Nueva Zelanda . Tras la muerte de Bowie en 2016 , la canción llegó a las listas de numerosos países, incluidos Francia (193) y la región belga de Valonia (28), junto con las 10 primeras posiciones en la región belga de Flandes (10), Suecia (10), Irlanda (9), y los Países Bajos (6).

Recepción crítica
"Golden Years" ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, quienes destacan su composición. Al revisar Station to Station en el lanzamiento, John Ingham de la revista Sounds elogió mucho el álbum y nombró a "Golden Years", "TVC 15" y "Stay" como algunas de las mejores canciones de Bowie hasta ese momento. Mientras tanto, la escritora de Rolling Stone , Teri Moris, consideró la pista como "la autoindulgencia más seductora de Bowie desde Pin Ups 1973". Un crítico de Billboard sintió que Bowie había "encontrado su nicho musical" con canciones como "Fame" y "Golden Years". Récord mundial dijo que la canción tiene "un estilo bastante sencillo y genera un atractivo básico".  En su libro Starman , el biógrafo Paul Trynka llama a "Golden Years" "magníficos y sensibles", afirmando que la pista "refleja la capacidad de Bowie para emerger de un jag de cocaína y dar consejos perspicaces sobre su carrera o contar una broma hilarante e inexpresiva ".  Además, Buckley considera la canción como uno de los mejores sencillos de Bowie.

La canción ha aparecido en varias listas de las mejores canciones de Bowie. La revista Mojo la incluyó como la undécima mejor canción de Bowie en 2015. En una lista de 2016 que clasificó todos los sencillos de Bowie de peor a mejor, Ultimate Classic Rock colocó a "Golden Years" en el número 11, llamándola "una muestra de la brillantez". En 2018, el personal de NME colocó la pista en el número 16 en una lista de las 40 mejores canciones de Bowie. Dos años más tarde, Tom Eames de Smooth Radio la incluyó como la decimotercera mejor canción de Bowie. Ese mismo año, Alexis Petridis de The Guardian votó la pista número 14 en su lista de las 50 mejores canciones de Bowie, y la describió como "Un momento de alegría directa en medio del terreno emocional complejo y problemático de Station to Station ".

Word on a Wing

" Word on a Wing " es una canción escrita y grabada por el cantautor inglés David Bowie en 1975 para el álbum Station to Station , donde aparece como tema de cierre de la primera cara del LP.

Bowie admite que la canción fue escrita a partir de una desesperación espiritual confundida por la coca que experimentó mientras filmaba The Man Who Fell to Earth . En 1980, Bowie habló de la canción para NME , afirmando: "Hubo días de tanto terror psicológico cuando hacía la película de Roeg que casi comencé a acercarme a mi cosa de renacer, nacer de nuevo. Fue la primera vez que realmente pensé seriamente en Cristo" . Y dios en profundidad, y 'Word on a Wing' era una protección. Llegó como una revuelta completa contra los elementos que encontré en la película. La pasión en la canción era genuina... algo que necesitaba producir desde mi interior para protegerme de algunas de las situaciones que sentía que estaban sucediendo en el set de filmación".

Durante el tiempo de grabación de esta canción, Bowie comenzó a usar un crucifijo de plata que le dio su padre, declarando en NME en 1980: "Lo uso, ni siquiera estoy seguro de por qué lo uso ahora. Pero en ese momento realmente necesitaba este". Una fotografía de Kirlian de este crucifijo que aparece en el material de la gira del álbum Station to Station , en el arte de su álbum Earthling de 1997 y en la portada de " Little Wonder ".

Versiones en vivo
Una versión en vivo grabada en Nassau Coliseum, Long Island, el 23 de marzo de 1976, se lanzó por primera vez como pista adicional en el CD Rykodisc de 1991 de Station to Station . La misma actuación se incluyó en el álbum Live Nassau Coliseum '76 , que se lanzó como parte de las reediciones de 2010 del álbum Station to Station , en la colección de 2016 Who Can I Be Now? (1974–1976) , y como álbum independiente en 2017.
Después de apariciones regulares en la gira Isolar - 1976 , "Word on a Wing" permaneció en secreto durante más de veinte años. Bowie revivió la canción en 1999, inicialmente durante su episodio de la serie musical de televisión VH1 Storytellers , cuando Bowie reafirmó que la canción era producto de "los días más oscuros de mi vida... Estoy seguro de que fue una llamada de ayuda, " señalando que pasó gran parte de 1975-76 reflexionando sobre preguntas como "¿Se interesan los muertos en los asuntos de los vivos?" y "¿Puedo cambiar el canal en mi TV sin usar el clicker?".

Stay

" Stay " es una canción del músico inglés David Bowie , incluida en su álbum de 1976 Station to Station . La canción fue grabada a finales de 1975 en Cherokee Studios en Los Ángeles. Coproducida por Bowie y Harry Maslin , la grabación contó con los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el bajista George Murray , el baterista Dennis Davis , el pianista Roy Bittan y Warren Peace en la percusión. La pista presenta un destacado trabajo de guitarra dual de Slick y Alomar, quienes la compusieron principalmente en el estudio. Basado en la estructura de acordes de " John, I'm Only Dancing (Otra vez)", una reelaboración funk de "John, I'm Only Dancing" (1972), "Stay" emula el funk rock , el soul y el hard rock . Líricamente, la canción trata sobre un personaje que le ruega a su amante que se quede, temiendo que ella se vaya. él por última vez.

Bowie estrenó la canción en el programa de variedades Dinah! el 3 de enero de 1976. En julio del mismo año, RCA Records lanzó "Stay" como cara B de " Suffragette City " y nuevamente como cara A en forma editada en los Estados Unidos; ambos fallaron en trazar. La pista ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, y muchos elogiaron la actuación de la banda. "Stay" fue un elemento básico en vivo a lo largo de las giras de conciertos de Bowie, cuyas interpretaciones han aparecido en numerosos álbumes en vivo . La canción fue remezclada por Maslin en 2010 para reediciones de Station to Station y remasterizada en 2016 para Who Can I Be Now? (1974-1976)equipo de Caja. Bowie grabó una nueva versión de "Stay" en 1997 durante los ensayos del Earthling Tour , que apareció en el EP de 2020 Is It Any Wonder? como "Quédate '97".

Grabación
Después de completar su trabajo en The Man Who Fell to Earth en septiembre de 1975, David Bowie regresó a Los Ángeles para comenzar a grabar su próximo álbum. En cuanto al personal, Bowie trajo de vuelta al mismo equipo que usó para " Fame ": el coproductor Harry Maslin , los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el baterista Dennis Davis y el viejo amigo de Bowie, Geoff MacCormick (acreditado como Warren Peace ), mientras que el bajista George Murray fue reclutado para tocar el bajo; pianista Roy Bittan , miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen, se incorporó a las sesiones a mediados de octubre. Para el estudio, Bowie y Maslin eligieron Cherokee Studios de Los Ángeles , que presentaba cinco salas de estudio diferentes, consolas de mezclas de 24 pistas , sesiones de 24 horas y un lounge bar.
La grabación del nuevo álbum comenzó a fines de septiembre de 1975 y finalizó a fines de noviembre. Según el biógrafo Chris O'Leary, la grabación de "Stay" comenzó en algún momento de octubre. Como la mayoría del álbum, los elementos de la canción se construyeron principalmente en el estudio en lugar de escribirse antes.  Debido al fuerte consumo de cocaína de Bowie durante las sesiones, más tarde recordó no recordar casi nada de la producción del álbum. Alomar recordó que la canción fue grabada "muy en un frenesí de cocaína":

'Stay' se hizo básicamente con la sección rítmica. Era bastante funky y bastante recto. Escribí un gráfico y dije que esto era más o menos lo que queríamos hacer. Esa canción creo que David la hizo con la guitarra. Tocó algunos acordes para mí y luego se los devolvimos. A la sección rítmica realmente le gustó esa, y luego Earl Slick cubrió algunas de las líneas que yo había establecido con un sonido más denso.

Bowie reconoció más tarde que la canción comenzó inicialmente como un intento de " John, I'm Only Dancing (Again) ", una reelaboración funk de la canción de Bowie de 1972 "John, I'm Only Dancing" que se grabó durante las sesiones. for Young Americans (1975) y luego lanzado como sencillo en 1979. Alomar y Slick experimentaron con una progresión de acordes "(Again)" ligeramente variada , aceleraron el tempo y, después de días o semanas de estudio improvisando, la banda , en palabras de Alomar, "le devolvió la canción a Bowie".  Según O'Leary, Bowie enfrentó a Alomar y Slick,(conocido como la gira del alma). Slick recordó en 2014: "Tenía polos opuestos y permitió que esas diferencias dieran forma al sonido de la guitarra en el álbum". En "Stay", Slick grabó un solo, que luego Alomar superpuso , repitiendo el proceso. O'Leary llama a la mezcla final "el registro de su guerra, respaldado por una línea de bajo de George Murray que podría apoyar a un Buick ".

Composición
El estilo musical de "Stay" y " Golden Years " se basa en el funk y el soul de Young Americans , pero con un toque más duro y agresivo. El biógrafo Nicholas Pegg lo describe como un híbrido simultáneo de funk, soul y hard rock ,  mientras que James Perone argumenta que "Stay" representa una fusión de hard rock y blue-eyed funk. El autor Marc Spitz analiza "Stay" como "funk urbano acelerado para follar contra la pared, en oposición a las tranquilas tormentas horizontales de Young Americans ". Escribiendo para AllMusic, Ned Raggett encontró una combinación del "rock dramático" de Diamond Dogs (1974) y el "funk and soul" de Young Americans . Escribe que, en comparación con pistas como " Young Americans ", "Stay" contiene un arreglo "escalofriante", que cree que "logra sonar como algo que podría encajar fácilmente en un club nocturno de la era de 1976, aunque de alguna manera se destaca". En 2010, Frank Mojica de Consequence of Sound clasificó la canción como funk rock .

La canción comienza con la banda reuniéndose. Slick comienza con la guitarra en su cuerda D , mezclada a la derecha y con eco a la izquierda, antes de oprimir dos acordes G9 . El autor Peter Doggett describe una "confianza en sí mismo sin esfuerzo" en la introducción de Slick. A partir de ahí se unen el bajo y la batería, seguidos de la percusión y los teclados. Los instrumentos se reproducen entre sí hasta establecerse en un ritmo inquieto. O'Leary escribe que en la introducción, Slick está tocando el plomo y Alomar apoya pero, por los versos y estribillos, los roles se intercambian: la guitarra rítmica de Alomar marca el ritmo de la pista mientras Slick la repite. En el solo de cierre, los dos se baten a duelo ferozmente, con Slick tocando variaciones de su riff de apertura y Alomar solucionando eso. Bowie, cuyas voces están ausentes más allá de la marca de los cuatro minutos, combinó las guitarras en los estribillos con lo que O'Leary llama una "voz de la razón cantada en voz baja " .

Spitz interpreta Station to Station como "un álbum de canciones de amor", específicamente "del tipo que escribes cuando no tienes amor en tu propia vida". Como tal, la letra abstracta de "Stay" ha sido interpretada como un reflejo de "la incertidumbre de la conquista sexual", que los editores de NME Roy Carr y Charles Shaar Murray creen que es un ejemplo del personaje de Bowie  el "romanticismo espurio" del Thin White Duke . Pegg describe la letra como "un confesionario ansioso sobre la inescrutabilidad de los barcos que pasan en la noche", evidente por la línea "Nunca se puede decir realmente cuándo alguien quiere algo que tú también quieres", que él cree que personifica "la combinación de torturarse uno mismo -duda y confianza en la producción estilizada que se encuentra a lo largo del álbum". En la canción, el personaje de Bowie le ruega a su amante que se quede, ya que sabe que si ella se va esta vez, podría ser la última. El biógrafo David Buckley llama a las emociones de Bowie "goma laca pura, quebradiza, pero al mismo tiempo claustrofóbicamente artificiosa y alienada". Perone escribe que Bowie volvería a tocar temas similares en su álbum de 1977 "Heroes" (particularmente) y más tarde en varias pistas de finales de la década de 1990 y principios de la de 2000.

Lanzamiento y recepción
El 3 de enero de 1976, Bowie y su banda aparecieron en el programa de variedades Dinah! presentado por Dinah Shore . donde interpretaron "Stay", marcando el debut público de la canción. El escritor Rob Sheffield llama a la actuación el debut del personaje de Bowie, el Thin White Duke , y destacó además el baile de Bowie mientras estaba en el escenario. En comparación con otras apariciones en televisión durante este período, particularmente cuando interpretó "Golden Years" en Soul Train , Bowie estuvo más relajado y coherente durante su Dinah! entrevista. Estación a estación emitida por RCA más tarde ese mes, el 23 de enero, con "Stay" secuenciada como la segunda pista en la cara dos del LP original, entre " TVC 15 " y la versión de Bowie de " Wild Is the Wind ". En julio, la versión completa del álbum de seis minutos de "Stay" apareció como cara B del sencillo " Suffragette City ", que se publicó para promocionar la compilación Changesonebowie . No se pudo trazar. "Stay" se publicó como cara A en los EE. UU. el mismo mes en forma muy editada, con duración de 3:21, con el número de catálogo PB 10736 y la pista del álbum ".

"Stay" ha recibido críticas positivas de críticos musicales y biógrafos, y muchos destacan la actuación de la banda. En una reseña del álbum en el momento del lanzamiento, John Ingham de la revista Sounds elogió inmensamente Station to Station , nombrando "Golden Years", "TVC 15" y "Stay" como algunas de las mejores canciones de Bowie hasta ese momento. Pegg llama a la canción "uno de los híbridos musicales clásicos de Bowie" y considera que el riff de guitarra rítmica es uno de los mejores de todo el catálogo de Bowie. Mojica y Raggett igualmente elogian el trabajo de guitarra como uno de los mejores de Bowie, y este último lo llama uno de los más destacados del álbum. Doggett elogia la actuación de la banda en la pista y escribe que, a pesar de grabarla en un "frenesí de cocaína", actuaron "con total convicción y un asombroso dominio de la dinámica". Buckley llama a la interpretación vocal de Bowie una de sus "más inseguras e indefensas". La revista Mojo la incluyó más tarde como la 32.ª mejor canción de Bowie en 2015. En una lista de 2016 que clasificó todos los sencillos de Bowie de peor a mejor, Ultimate Classic Rock colocó a "Stay" en el número 51, llamando a la edición del sencillo inferior a la versión del álbum.

Versiones en vivo y lanzamientos posteriores
"Stay" siguió siendo un elemento básico de los conciertos a lo largo de la carrera de Bowie, y se presentó en las giras Isolar I de 1976 , Isolar II de 1978, Serious Mooonlight de 1983 , Sound+Vision de 1990 , Earthling de 1997 , Hours de 1999 , Mini de 2000 y Heathen de 2002 . Debido al outro extendido de la canción, Bowie agregó ráfagas de etiquetas de "quedarse" durante las presentaciones en vivo, incluidas etiquetas de "quédate, ¿por qué no?" con Gail Ann Dorsey en la década de 1990. O'Leary señala que Bowie a veces simplemente miraba a los jugadores con desconcierto. Una grabación de la gira Isolar en el Nassau Coliseum el 23 de marzo de 1976 se lanzó por primera vez como bonus track en la reedición de Station to Station de Rykodisc en 1991 , y nuevamente en forma remezclada en Live Nassau Coliseum '76 (2010). Se incluyó una actuación de la gira Isolar II en las reediciones ampliadas del álbum en vivo de 1978 Stage en 2005 y 2017. Más tarde se incluyó otra actuación de la misma gira en Welcome to the Blackout (2018) . La interpretación de Bowie de la canción en el Festival de Glastonbury el 25 de junio de 2000 fue lanzada en 2018 el  Glastonbury 2000 . Un par de días después de Glastonbury, el 27 de junio, Bowie interpretó "Stay" en el BBC Radio Theatre de Londres. Esta actuación se publicó en el disco extra que acompaña a los primeros lanzamientos de Bowie at the Beeb (2000).

La edición del sencillo de "Stay" apareció en la banda sonora de Christiane F. en 1981. Según Pegg, esta es una de las pocas fuentes de CD para la edición del sencillo. La canción y su álbum principal fueron remasterizados en 2016 para Who Can I Be Now? (1974–1976) box set , con el lanzamiento de un álbum independiente al año siguiente. Se incluyeron tanto la mezcla original como la mezcla de Maslin de 2010, mientras que la edición del sencillo se incluyó en Re:Call 2 , parte de ese conjunto.

Bowie volvió a grabar "Stay" en 1997 durante los ensayos del Earthling Tour. Bowie quería actualizar algunos de sus temas básicos en vivo para que encajaran mejor con el material de sus álbumes entonces recientes Outside (1995) y Earthling (1997). La nueva versión se ensayó en The Factory en Dublín con Mark Plati y Reeves Gabrels antes de que se grabara correctamente en Right Track Recordings de Nueva York entre mayo y junio de 1997. Inicialmente pensada para su lanzamiento como cara B, permaneció inédita hasta 2020, cuando se incluyó en el EP Is It Any Wonder? , titulado "Quédate '97". Jon Blistin de Rolling Stone lo describió como "una actualización extremadamente de los noventa" del original, describiendo elementos de rock alternativo , rock gótico , rock industrial y techno .

Low

Low es el undécimo álbum de estudio del músico inglés David Bowie , lanzado el 14 de enero de 1977 a través de RCA Records . Después de años de adicción a las drogas cuando vivía en Los Ángeles, Bowie se mudó a Francia en 1976 con su amigo Iggy Pop para recuperar la sobriedad. Allí, Bowie produjo y coescribió el álbum de estudio debut de Pop, The Idiot , que presenta sonidos que Bowie exploraría en su próximo disco. Después de completar The Idiot , Bowie comenzó a grabar la primera de tres colaboraciones que se conoció como la Trilogía de Berlín con el productor estadounidense Tony Visconti y el músico inglés Brian Eno . Las sesiones comenzaron en Hérouville's Château d'Hérouville en septiembre de 1976 y terminó en octubre en Hansa Studios en Berlín Occidental , donde Bowie y Pop se habían mudado.

Basado en el art rock y el rock experimental e influenciado por bandas alemanas como Tangerine Dream , Neu! , Harmonia y Kraftwerk , Low presenta las primeras exploraciones de Bowie en estilos electrónicos y ambientales . La cara uno consiste principalmente en fragmentos cortos y directos de canciones de avant-pop , con letras en su mayoría pesimistas que reflejan el estado de ánimo de Bowie, y la cara dos comprende pistas más largas, en su mayoría instrumentales, que transmiten observaciones musicales de Berlín. Visconti creó el sonido de batería distintivo utilizando un armonizador Eventide H910 , undispositivo de cambio de tono . La portada, un perfil de Bowie de la película The Man Who Fell to Earth (1976), pretendía ser un juego de palabras visual, que significa "perfil bajo".

RCA se negó a emitir Low durante tres meses por temor a que fuera un fracaso comercial. Tras su lanzamiento, dividió la opinión crítica y recibió poca promoción de RCA o Bowie, quien optó por hacer una gira como tecladista de Pop. Sin embargo, alcanzó el número dos en la lista de álbumes del Reino Unido y el número 11 en la lista Billboard Top LPs & Tape de EE. UU . Se lanzaron dos sencillos: " Sound and Vision ", que alcanzó el puesto número tres en la lista de sencillos del Reino Unido , y " Be My Wife ". El éxito llevó a RCA a lanzar The Idiot en marzo de 1977. A mediados de 1977, Bowie tocó en el siguiente álbum de Pop, Lust for Life , antes de grabar su álbum ", que amplió el enfoque musical de Low y presenta una mezcla similar de canciones e instrumentales.

En décadas posteriores, los críticos han calificado a Low como uno de los mejores trabajos de Bowie y ha aparecido en varias listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Influyó en numerosas bandas post-punk como Joy Division , y su sonido de batería ha sido ampliamente imitado. Un precursor en el desarrollo del género post-rock de la década de 1990, Low se ha reeditado varias veces y se remasterizó en 2017 como parte de la caja A New Career in a New Town (1977–1982) .

Antecedentes e inspiración
En 1974, David Bowie desarrolló una adicción a la cocaína . Empeoró durante los siguientes dos años, afectando su estado físico y mental . Grabó Young Americans (1975) y Station to Station (1976), y filmó The Man Who Fell to Earth (1976), mientras estaba bajo la influencia de la droga. Bowie atribuyó su creciente adicción a Los Ángeles, donde se mudó desde la ciudad de Nueva York a principios de 1975. Su consumo de drogas se intensificó hasta el punto en que, décadas más tarde, no recordaba casi nada de la grabación de Station . a la estación , diciendo: "Sé que fue en Los Ángeles porque lo he leído".

Después de completar Station to Station en diciembre de 1975, Bowie comenzó a trabajar en una banda sonora para The Man Who Fell to Earth con Paul Buckmaster , quien trabajó con Bowie en el álbum de 1969 Space Oddity . Bowie esperaba ser totalmente responsable de la música, pero retiró su trabajo cuando lo invitaron a enviarlo junto con el trabajo de otros compositores: "Solo dije: 'Mierda, no obtendrás nada de eso'". Estaba tan furioso, puse tanto trabajo en ello". El coproductor de Station to Station, Harry Maslin argumentó que Bowie estaba "quemado" y no pudo completar el trabajo. Bowie finalmente colapsó y dijo más tarde: "Había pedazos de mí tirados por todo el piso". Solo se lanzó un instrumental compuesto para la banda sonora, que evolucionó a la pista Low "Subterraneans".

Cuando Bowie presentó su material para la película al director Nicolas Roeg , Roeg decidió que no era adecuado. Prefería un sonido de estilo más folk , aunque el compositor de la banda sonora, John Phillips, describió las contribuciones de Bowie como "inquietantes y hermosas". Seis meses después de que la propuesta de Bowie fuera rechazada, le envió a Roeg una copia de Low con una nota que decía: "Esto es lo que quería hacer para la banda sonora. Habría sido una partitura maravillosa".

Abandonada la banda sonora, Bowie decidió que estaba listo para liberarse de la cultura de las drogas de Los Ángeles y regresar a Europa. Comenzó los ensayos para la gira Isolar para promocionar Station to Station en enero de 1976; la gira comenzó el 2 de febrero. Aunque fue aclamado por la crítica, Bowie se convirtió en una figura controvertida durante la gira. Hablando como su personaje, el Duque Blanco Delgado , hizo declaraciones sobre Adolf Hitler y la Alemania nazi que algunos interpretaron como una expresión de simpatía o promoción del fascismo . Más tarde, Bowie culpó de su comportamiento errático durante este período a sus adicciones y a su precario estado mental, afirmando: "Fue un período peligroso para mí. Estaba al límite física y emocionalmente y tenía serias dudas sobre mi cordura. "

Después de realizar el show del 7 de mayo de 1976 en Londres, Bowie se encontró con el ex tecladista y conceptualista de Roxy Music, Brian Eno, en el backstage. Los dos se habían encontrado ocasionalmente desde 1973. Después de dejar Roxy Music, Eno había lanzado dos álbumes en solitario en 1975 en el género ambiental : Another Green World y Discreet Music . Bowie escuchó Discreet Music regularmente en la etapa estadounidense de la gira. Los biógrafos Marc Spitz y Hugo Wilcken reconocieron más tarde a Another Green World en particular como una gran influencia en el sonido que Bowie pretendía crear para Low ; Christopher Sandford también cita Taking Tiger Mountain (By Strategy) (1974) de Eno como una influencia. Bowie y Eno se enamoraron del movimiento musical alemán conocido como krautrock , incluidos los actos Tangerine Dream , Neu! , Kraftwerk y Armonía . Eno había trabajado con Harmonia en el estudio y en el escenario, y Bowie exhibió una influencia krautrock en Station to Station , particularmente en su canción principal . Después de reunirse, la pareja acordó mantenerse en contacto.

Desarrollo
En los meses previos a la grabación de Low , Bowie coescribió y produjo The Idiot , el álbum debut de estudio de Iggy Pop (en la foto de 1977). Los álbumes presentan un sonido similar, Nicholas Pegg describe a The Idiot como "un trampolín entre Station to Station y Low ".
Al finalizar la gira Isolar el 18 de mayo de 1976, Bowie y su esposa Angela se mudaron a Suiza, aunque los dos rara vez pasaban tiempo allí. David reservó tiempo de estudio más tarde en el verano en el Château d'Hérouville en Hérouville , Francia, donde hizo planes para escribir y producir un álbum para su viejo amigo, el cantante Iggy Pop . Aunque los dos habían sido amigos durante muchos años, la última vez que trabajaron juntos oficialmente fue en 1973, cuando contrataron a Bowie para mezclar Raw Power de The Stooges .(1973). Después de la desaparición de los Stooges, Pop descendió a la adicción a las drogas. Para 1976, estaba listo para estar sobrio y aceptó la invitación de Bowie para acompañarlo en la gira Isolar y luego mudarse a Europa con él. Los dos se mudaron al Château, donde Bowie había grabado su álbum de versiones de 1973 Pin Ups . Posteriormente, Bowie viajó de regreso a Suiza, donde pasó las siguientes semanas escribiendo y planeando su próximo álbum.

Bowie y Pop se reagruparon en el Château a fines de junio de 1976. Hasta agosto, grabaron lo que se convertiría en el álbum de estudio debut de Pop, The Idiot (1977). Bowie compuso gran parte de la música, y Pop escribió la mayoría de las letras, a menudo en respuesta a las melodías que Bowie estaba creando. Durante la grabación del álbum, Bowie desarrolló un nuevo proceso por el cual las pistas de acompañamiento se grababan primero, seguidas de las sobregrabaciones ; la letra y la voz se escribieron y grabaron en último lugar. Estaba muy a favor de este proceso de "tres fases", que utilizaría durante el resto de su carrera. Porque The Idiot se grabó antes de Low , se ha mencionado como el comienzo no oficial del período de Berlín de Bowie, ya que su música presenta un sonido que recuerda al que Bowie exploraría en la Trilogía de Berlín.

Después de completar The Idiot , Bowie y Pop viajaron a Hansa Studios en Berlín Occidental para mezclar el álbum. Debido a que Tony Visconti ya estaba en línea para coproducir el próximo álbum de Bowie, Bowie lo llamó para que lo ayudara a mezclar el disco para familiarizarse con su nueva forma de trabajar. Bowie quedó fascinado con Berlín, encontrándolo como un lugar para un gran escape. Enamorados de la ciudad, Bowie y Pop decidieron mudarse allí en un nuevo intento de borrar sus hábitos de drogas y escapar del centro de atención. Aunque Bowie estaba listo para mudarse completamente a Berlín, ya había reservado otro mes de tiempo de estudio en el Château después de The Idiot., por lo que la grabación comenzó allí. Aunque The Idiot se completó en agosto de 1976, Bowie quería asegurarse de tener su propio álbum en las tiendas antes de su lanzamiento. El propietario de Château y bajista de The Idiot, Laurent Thibault, opinó que "Bowie no quería que la gente pensara que se había inspirado en el álbum de Iggy, cuando en realidad era todo lo mismo".

Grabación y producción

Historia y personal
Las sesiones de Low comenzaron el 1 de septiembre de 1976. El álbum tenía el título provisional New Music: Night and Day. Aunque Low se considera el primero de la Trilogía de Berlín de Bowie, la mayor parte se grabó en el Château de Francia. Volviendo de las sesiones de Station to Station estaban el guitarrista Carlos Alomar , el bajista George Murray y el percusionista Dennis Davis . Junto con Eno, los nuevos miembros incluyeron a Roy Young , el ex teclista de Rebel Rousers , y Ricky Gardiner , exguitarrista de Beggars Opera.. Una invitada durante las sesiones del Château fue la entonces esposa de Visconti, Mary Hopkin , acreditada como Mary Visconti. Contribuyó con los coros de "Sound and Vision".

Bowie y Visconti coprodujeron el álbum, con contribuciones de Eno. Visconti, que estuvo ausente para la grabación de Station to Station debido a horarios conflictivos, fue contratado de nuevo para coproducir después de mezclar The Idiot . En 2000, Bowie enfatizó la importancia de Visconti como coproductor, afirmando que "el sonido y la textura reales, la sensación de todo, desde la batería hasta la forma en que se graba mi voz", se debe a Visconti.  Eno no fue un coproductor, a pesar de ser ampliamente percibido como tal. Visconti dijo: "Brian es un gran músico y fue una parte integral de la realización de esos tres álbumes ( Low , "Heroes" y Inquilino ). Pero él no era el productor.”

Al igual que The Idiot , las sesiones de Low comenzaron con Bowie y los músicos rítmicos repasando las pistas de acompañamiento rápidamente, comenzando por la tarde y continuando hasta la noche, que el biógrafo Thomas Jerome Seabrook cree que encaja perfectamente con el estado de ánimo de la música. Como había hecho en Station to Station , Bowie dejó a Alomar a cargo de los arreglos de guitarra, bajo y percusión, con instrucciones sobre cómo debían sonar. Bowie aportó a las sesiones muchas ideas para canciones que tenía en Suiza; algunos, incluido "What in the World", fueron traídos de The Idiot .

Según el biógrafo Paul Trynka, Eno llegó después de que las pistas de fondo de la cara uno estuvieran "esencialmente" terminadas. Poco antes de llegar, Eno había grabado con Harmonia, quien serviría como una gran influencia en la grabación de Low . A su llegada, Eno y Bowie se sentaron con los músicos y les informaron de la próxima etapa en el proceso de grabación. Según Young, pusieron cintas del Hombre que cayó a la Tierra banda sonora para los músicos y dijo que planeaban algo similar. Young agregó que a él y a algunos de los otros músicos no les gustaba la idea, ya que estaba fuera de sus experiencias. Bowie pensó que RCA sentiría lo mismo y advirtió: "No sabemos si esto se lanzará alguna vez, pero tengo que hacerlo". Visconti insistió en completar el proyecto y le dijo a Bowie y Eno: "Perder un mes de mi tiempo con David Bowie y Brian Eno no es perder un mes de mi tiempo".  Dos semanas después de iniciado el proyecto, Visconti compiló una cinta y se la reprodujo a Bowie, quien estaba sorprendido y entusiasmado de que tuvieran un álbum.

Sonido de batería
Low se destaca por su sonido de batería inusual, descrito por el biógrafo David Buckley como "brutal" y "mecanicista". Davis tocó la batería, que Visconti procesó usando un armonizador Eventide H910 . El Harmonizer fue el primer dispositivo de cambio de tono disponible comercialmente , que podía alterar el tono de un sonido sin cambiar la velocidad. Cuando Bowie preguntó qué hacía, Visconti respondió: "Folla con el tejido del tiempo".

Visconti conectó el Armonizador al redoblante de Davis y monitoreó los resultados a través de sus auriculares. Hablando con Buckley, Visconti dijo: "Mi cerebro casi explota cuando descubrí lo que podía hacer con la batería". Volvió a introducir el sonido con el tono alterado en el dispositivo, creando "una caída infinita del tono, renovándose siempre".

Buckley describe el sonido, particularmente evidente en "Speed of Life", "Breaking Glass" y "Sound and Vision", como "revolucionario" e "impresionante". Davis dijo que sonaba "tan grande como una casa". Bud Scoppa de Phonograph Record compara el sonido con "bombas de cereza que explotan debajo de latas". Trynka escribe que el "espíritu y la energía" de Davis impulsan la primera cara del álbum "siempre adelante". En su lanzamiento, Kris Needs de la revista ZigZag calificó el sonido de batería como uno de los mejores sonidos que jamás había escuchado;

Ambiente de estudio
Sin fecha límite ni estructura planificada, el estado de ánimo durante las sesiones, dice Seabrook, fue "animado y relajado". El estudio estaba en medio de la campiña francesa, y los músicos se relacionaban y experimentaban regularmente. Según Trynka, Eno fue responsable de la motivación de Bowie. Incluso Alomar, el más resistente a las "tonterías vanguardistas" de Eno , se entusiasmó con la experimentación.

Seabrook escribe que todos comieron juntos, vieron el programa de televisión británico Fawlty Towers en su tiempo libre y se entretuvieron con historias. Gardiner dijo: "Tuvimos algunas buenas conversaciones sobre música, astrología , el mundo". Davis fue el "comediante" durante las sesiones, realizando actos y contando cuentos. Además de contribuir con los coros de "What in the World", Pop estuvo presente durante todas las sesiones. Gardiner lo recordó "en forma, saludable y positivo". Al igual que Davis, fomentó una atmósfera positiva al contar historias de su tiempo con los Stooges.

Las sesiones no estuvieron exentas de problemas. La mayor parte del personal del Château estaba de vacaciones, dejando un ingeniero sin experiencia y un personal de cocina que no servían una variedad de comidas. Meses después de las sesiones, Visconti dijo: "Encontramos el estudio totalmente inútil. A la gente que lo posee ahora no parece importarle. Todos sufrimos disentería ". Bowie y Visconti contrajeron intoxicación alimentaria.

Bowie estuvo en un estado mental frágil durante las sesiones, ya que sus días de adicción a la cocaína no habían quedado atrás. " Low estuvo mayormente libre de drogas", comentó. "Ese fue el primer caso en mucho tiempo que entré en un álbum sin nada como eso para ayudarme. Estaba asustado, porque pensé que tal vez mi creatividad tenía que estar ligada a las drogas, que mejoraba mi habilidad para hacer música. Pero ese álbum salió bien". También tuvo conflictos con su esposa y enfrentó problemas legales después de despedir a su manager Michael Lippman; dejó las sesiones en septiembre de 1976 para trabajar en la resolución del caso. A pesar de los problemas, Visconti recordó que él, Bowie y Eno estaban trabajando "en su apogeo".

A finales de septiembre, Bowie y Visconti se habían cansado del Château. Bowie estaba mentalmente agotado; Visconti frustrado por la falta de ayuda externa. Después de grabar las voces sin palabras de "Warszawa", Bowie, Visconti, Pop y la asistente de Bowie, Coco Schwab, se fueron de Francia a Berlín Occidental. Las sesiones continuaron en Hansa Studios. Según Nicholas Pegg y Seabrook, no era el mismo lugar de "Hansa by the Wall" donde se mezclaría Low y se grabaría "Heroes" . En Hansa, se completaron las pistas finales, "Weeping Wall" y "Art Decade", así como las sobregrabaciones vocales para las grabaciones de Château. La grabación continuó hasta principios de octubre de 1976, [60] y la mezcla se terminó ese mismo mes.

Canciones
Low presenta las primeras exploraciones de Bowie de la música electrónica y ambiental. Ultimate Classic Rock y Consequence of Sound clasificaron retrospectivamente Low como art rock y rock experimental , respectivamente.  Junto con su sucesor "Heroes" , las canciones de Low enfatizan el tono y la atmósfera, en lugar del rock basado en la guitarra. Bandas alemanas como Tangerine Dream, Neu! y Kraftwerk influyeron en la música. Seabrook considera Neu! la mayor influencia en la nueva dirección musical de Bowie; explicó que su álbum de 1975 Neu! '75 es, como Low y "Heroes" , caracterizado por una división entre canción e instrumentos y contiene una canción titulada "Hero". Ron Hart de The Observer reconoció a Radio-Activity (1975) de Kraftwerk como una influencia, y señaló que la armonía de "experimentalismo y repetición" de ese álbum proporcionaba la plantilla para Low .

El lado uno consiste principalmente en fragmentos cortos y directos de canciones de avant-pop ; La cara dos comprende pistas más largas, en su mayoría instrumentales. En 1977, Bowie dijo que el lado uno era sobre sí mismo y sus "estados de ánimo predominantes" en ese momento y el lado dos es sobre sus observaciones musicales de vivir en Berlín. Musicalmente, un crítico caracterizó el lado uno como una extensión directa de Young Americans y Station to Station . Con respecto a la división entre canción e instrumental, Visconti dijo: "Sentimos que obtener seis o siete canciones con Bowie cantando, con coros y versos, aún constituyen un buen álbum... luego hacer la segunda cara instrumental dio un yin perfecto" . -yangequilibrio". El biógrafo Chris O'Leary escribe que las piezas instrumentales comparten el tema de "un recorrido por una Europa del Este imaginaria por el carácter aislado y paranoico del lado maníaco de Low ". Algunas pistas, que incluyen " Speed of Life" y "A New Career in a New Town", originalmente iban a tener letras, pero Bowie no pudo encontrar las palabras adecuadas y las dejó como instrumentos. Los instrumentos incluyen contribuciones de Eno, quien usó su sintetizador portátil EMS AKS . Visconti recordó: "No tenía teclado, solo un joystick, y creó sonidos maravillosos que puedes escuchar en todo el álbum que no fueron producidos por instrumentos convencionales".

continuación.... Low

Influencia y legado
En las décadas posteriores a su lanzamiento, Low ha sido aclamado por su originalidad y citado como una influencia en el género post-punk . Susie Goldring de BBC Music escribió: "Sin Low , no tendríamos Joy Division , Human League , Cabaret Voltaire y, apuesto, Arcade Fire . El legado de Low sigue vivo". Spitz también reconoce la influencia del álbum en el post-punk, nombrando a Joy Division, Magazine , Gang of Four y Wire como bandas influenciadas por Low .' s "extraño uso anti-agresión y sin disculpas, casi metafórico de la música sintetizada".  El periodista musical Simon Reynolds dijo: "Creo que es la inhibición y la represión de Low a lo que Joy Division y otros respondieron. El hecho de que la música, aunque basada en la guitarra, dura y agresiva, nunca se destaca. Es agresión implosionada . " James Perone sugirió que tanto "What in the World" como "Be My Wife" presagiaron el sonido punk / new wave de la banda inglesa The Stranglers , particularmente sus lanzamientos de 1977 Rattus Norvegicus y No More Heroes .

En la segunda edición de su libro All Time Top 1000 Albums (1998), Colin Larkin cita a Gary Numan , Ultravox y Orchestral Maneuvers in the Dark como artistas influenciados por Low . Wilcken considera que el álbum de Radiohead Kid A (2000), particularmente la pista "Treefinger", refleja una influencia similar. William Doyle de The Quietus escribió que antes del lanzamiento de Kid A , Bowie creó el álbum de "reinvención" modelo con Low ., un disco de un artista en la cima de su popularidad que desconcertó las expectativas de sus fans. Bjorn Randolph de Stylus Magazine sintió que el álbum tuvo una influencia crucial en el género post-rock que saltó a la fama entre los músicos clandestinos casi dos décadas después del lanzamiento de Low . Doggett escribe que, como Station to Station antes, Low estableció a Bowie como un artista que era "imposible de adivinar". Encontró la progresión de cinco años de Bowie de Hunky Dory a Low audaz y valiente.

Los biógrafos de Bowie han destacado la influencia que tuvo el álbum en Joy Division, al igual que la propia banda; su nombre original era "Varsovia", una referencia a "Varsovia". Wilcken escribe que Joy Division imita la "mentalidad dividida" de Low en su último álbum Closer (1980), un disco que contiene secuencias de pistas progresivamente más oscuras. El baterista de Joy Division, Stephen Morris, le dijo a la revista Uncut en 2001 que al hacer su EP An Ideal for Living de 1978 , la banda le pidió al ingeniero que hiciera que la batería sonara como "Speed of Life"; "Curiosamente, no pudo". Al igual que Morris, muchos músicos, productores e ingenieros intentaron imitar el sonido de batería de Low . Visconti se negó a explicar cómo creó el sonido y, en cambio, les preguntó cómo pensaban que se había hecho. Las aproximaciones comenzaron a aparecer durante el resto de la década de 1970 y, en la década de 1980, se encontraron en casi todos los registros de las listas. Seabrook acredita a Bowie como indirectamente responsable del "golpe de fondo" que se escucha en temas que van desde " In the Air Tonight " de Phil Collins hasta " Hungry Like the Wolf " de Duran Duran . En una entrevista con MusicianEn 1983, Bowie expresó su consternación y dijo: "Ese efecto gorila depresivo era algo que desearía que nunca hubiéramos creado, ya que hemos tenido que vivir cuatro años con otras bandas inglesas".

Muchos músicos han discutido la influencia del álbum. Al enterarse de que el título del álbum era Low (sin "e"), el cantautor inglés Nick Lowe "tomó represalias" llamando a su EP de 1977 Bowi (sin "e"). Robert Smith , de la banda de rock inglesa The Cure , escuchaba el disco con frecuencia mientras hacía su álbum de 1980 Seventeen Seconds . En 1994, el músico Trent Reznor de la banda de rock estadounidense Nine Inch Nails citó a Low como una inspiración clave para The Downward Spiral.(1994), acreditando su "composición de canciones", "estado de ánimo" y "estructura" como influencias. Dave Sitek de la banda de rock estadounidense TV on the Radio declaró: "Ese álbum en particular, esa canción 'Warszawa', fue cuando supe que la música era la fuerza máxima, al menos en mi propia vida". Bowie trabajó con la banda en 2003.

En 1992, el compositor y pianista estadounidense Philip Glass produjo una suite clásica basada en el álbum, titulada "Low" Symphony , su primera sinfonía. Consistía en tres movimientos basados en temas de Low : "Subterraneans"; "Algunos son" (una toma descartada); y "Varsovia". La Orquesta Filarmónica de Brooklyn grabó la sinfonía en los estudios Looking Glass de Glass en Nueva York y se lanzó en 1993. Hablando del álbum, Glass dijo: "Estaban haciendo lo que pocas personas intentaban hacer, que era crear un arte dentro del ámbito de la música popular. Lo escuchaba constantemente". Sobre su decisión de crear una sinfonía basada en el disco, Glass dijo: "En la cuestión del Low LP original de Bowie y Eno, para mí no había duda de que tanto el talento como la calidad eran evidentes allí... Mi generación estaba harta de muerte de académicos diciéndonos qué era bueno y qué no". La Sinfonía "Low" reconoce las contribuciones de Eno al disco original y los retratos de Bowie, Eno y Glass aparecen en la portada del álbum. Bowie se sintió halagado por la sinfonía y la elogió, al igual que Pegg. Glass siguió a la Sinfonía "Low" con adaptaciones clásicas de los otros discos de "Berlin" con "Heroes".

Reevaluación
Los comentaristas continúan considerando a Low como uno de los mejores trabajos de Bowie. Stephen Thomas Erlewine de AllMusic escribió que con el álbum, Bowie "confirmó su lugar en la vanguardia del rock", y concluyó que "el disco es desafiantemente experimental y denso en detalles, proporcionando una nueva dirección para la vanguardia en el rock & roll". Dele Fadele de NME encontró el registro como una "piedra de toque futurista que aún se mantiene". En 2001, Sheffield escribió que Low contenía algunos de los mejores trabajos del artista. "El álbum fluye en conjunto en un todo lírico, alucinante y milagrosamente hermoso, la música de una mente sobreestimulada en un cuerpo exhausto, mientras el vampiro sexual más hermoso del rock se pavonea a través de un serio naufragio emocional". Sheffield concluyó señalando la atemporalidad del disco, llamándolo uno de los discos "más intensos e influyentes" de Bowie. Goldring elogió el álbum como "ambicioso" y sintió que complementaba el crecimiento artístico de Bowie, ya que el cantante cumplió 30 años cuando fue lanzado. En una encuesta de lectores de 2013 para Rolling Stone , Low fue votado como el cuarto mejor álbum de Bowie. La revista notó su subestimación en el momento del lanzamiento y el reconocimiento como obra maestra en las décadas siguientes.

Algunos críticos han considerado el mayor logro artístico de Low Bowie. Tras la muerte de Bowie, Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock incluyó a Low como su mejor álbum y escribió: " Low es más que canciones y sonidos. La asociación creativa detrás del disco forjó un sentimiento, un estado de ánimo, un lugar. Como muy pocos de los mejores álbumes jamás grabados, Low contiene un universo que puedes habitar, durante 40 minutos a la vez. Es la obra maestra de Bowie". Laura Snapes de Tridente le dio al álbum una calificación de 10 sobre 10, diciendo que muestra que Bowie logró establecer un nuevo camino para sí mismo después de un período de adicción a las drogas. Snapes resume el lado uno como si se sintiera como "que tres magos te arrancaran la alfombra que tiene planes de volarla a otra parte". Aunque creía que los instrumentos del lado dos se sienten "un poco pesados para los estándares actuales", su capacidad para provocar imágenes de mundos diferentes es "algo para la vista". El 40 aniversario del álbum en 2017 atrajo críticas. Hart señaló bajo contiene música que suena a su tiempo y antes de su tiempo, envuelta en una "inteligencia con visión de futuro" que permanece inigualable en 2017, afirmando además que es un álbum "que te hará bailar, pensar y llorar todo en 38 minutos". Doyle elogió la producción de Low y su capacidad para "transportar al oyente a ciertas fronteras de lugar y pensamiento de una manera muy poderosa". Describió a Low como "un momento de puro descubrimiento que la mayoría de los otros discos no han podido superar", y agregó que el disco está abierto a la interpretación de cada oyente.

Clasificaciones
Low ha aparecido con frecuencia en las listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. En la clasificación de los 100 mejores álbumes jamás realizados, Sounds lo colocó en el puesto 35 en 1986 y The Guardian lo ubicó en el puesto 62 en 1997. Un año después, los lectores de Q lo votaron como el 43º mejor álbum de todos los tiempos. En las listas de los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos, Q y The Observer clasificaron a Low en los números 16 y 39, respectivamente. En 2004, Pastend lo nombró el mejor álbum de la década de 1970; Erlewine lo describió como "un disco que se precipita hacia un futuro indefinido mientras abraza la ambigüedad", así como "un álbum sobre el renacimiento, por lo que todavía posee el poder de sobresaltar". De manera similar, la revista Paste lo incluyó en el número 34 en su lista de los 70 mejores álbumes de la década de 1970, y Ultimate Classic Rock luego incluyó a Low en una lista similar de los 100 mejores álbumes de rock de la década de 1970 en 2015. En 2013, NME incluyó el álbum como el 14º más grande de todos los tiempos en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . Larkin lo clasificó en los números 120 y 47 en la segunda y tercera edición de All Time Top 1000 Albums , respectivamente. En 2003, Low ocupó el puesto 249 en la lista de Rolling Stone de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos . Posteriormente ocupó el puesto 251 en una lista revisada de 2012 y el puesto 206 en una lista revisada de 2020.

El álbum también se incluyó en la edición de 2018 del libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die de Robert Dimery .

Reediciones
Low ha sido reeditado varias veces. RCA reeditó el álbum en vinilo en 1980 y lo lanzó en disco compacto por primera vez a mediados de la década de 1980. Un lanzamiento en CD de 1991 de Rykodisc contenía tres bonus tracks, incluyendo un remix de "Sound and Vision" y las tomas descartadas "Some Are" y "All Saints". EMI lanzó la edición de 1991 en el Reino Unido en CD, Cassette y LP, mientras que posteriormente se volvió a publicar en AU20 Gold CD. La reedición se ubicó en el puesto 64 en la lista de álbumes del Reino Unido en septiembre de 1991.  Un CD lanzado en 1999 por EMI, sin bonus tracks, presentaba sonido remasterizado digitalmente en 24 bits. En 2017, el álbum fue remasterizado para la caja A New Career in a New Town (1977–1982) de Parlophone . Fue lanzado en formato CD, vinilo y digital.

Listado de canciones
Todas las letras están escritas por David Bowie ; toda la música está compuesta por Bowie, excepto donde se indique.

Lado uno

 -   1.   "Speed of Life"       2:46
 -   2.   "Breaking Glass"   Bowie, Dennis Davis, George Murray   1:51
 -   3.   "What in the World"       2:23
 -   4.   "Sound and Vision"       3:03
 -   5.   "Always Crashing in the Same Car"       3:29
 -   6.   "Be My Wife"       2:55
 -   7.   "A New Career in a New Town"       2:51

Lado dos

 -   1.   "Warszawa"   Bowie, Brian Eno   6:20
 -   2.   "Art Decade"       3:43
 -   3.   "Weeping Wall"       3:26
 -   4.   "Subterraneans"       5:39

Personal

músicos
 - David Bowie – voz, guitarra, bajo, saxofón, xilófono, vibráfono, armónica, percusión, teclados: sintetizador ARP, piano, chamberlin.
 - Brian Eno – voz, minimoog, ARP, tratamientos de guitarra, piano, teclados, chamberlin, otros. sintetizadores.
 - Carlos Alomar – guitarra rítmica
 - Dennis Davis – percusión
 - George Murray – bajo
 - Ricky Gardiner – guitarra
 - Roy Young – piano, farfisa.

músicos adicionales
 - Iggy Pop  - coros
 - Mary Visconti  - coros
 - Eduard Meyer – violonchelos
 - J. Peter Robinson y Paul Buckmaster pianos y ARP

Speed of Life

( Instrumental )

" Speed ​​of Life " es el primer instrumental de David Bowie . Es la canción de apertura de su álbum Low de 1977.

"Speed ​​of Life" presenta el álbum Low y, junto con el instrumental " A New Career in a New Town ", proporciona un sujetalibros frontal para el lado A del álbum. La pista tiene varias implicaciones inmediatas sobre el contenido del álbum, con su uso intensivo de sintetizadores como efectos e instrumentos, con la presencia de la batería de Dennis Davis y el armonizador superpuesto creando una mezcla claramente diferente a cualquier álbum anterior de Bowie.

La canción incluye el estribillo de Here Comes That Rainy Day Feeling Again .

La letra se planeó originalmente para esta canción, pero Bowie abandonó la idea después de varios intentos, y decidió que la pieza funcionaba mejor por sí sola.

Versiones en vivo
Se han lanzado actuaciones del Isolar II Tour en Stage (1978) y Welcome to the Blackout (2018). La canción también se interpretó durante la gira de 2002 , en la que Bowie tocó el álbum Low en su totalidad en fechas seleccionadas.